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SUMMARY:Kamilya Jubran Nina Boukhari Mario Gabola
DESCRIPTION:KAMILYA JUBRAN\nNINA BOUKHARI\nMARIO GABOLA \nvenerdì 28 giugno 2024 \nCasa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, 80136 Napoli \nore 19:00 presentazione di GENNARO ASCIONE\nOmologia strutturale tra il processo di frammentazione dell’unità della Palestina e le categorie etiche ed estetiche di spaziotempo discreto \nore 21:00 performance sonora\nKAMILYA JUBRAN\, NINA BOUKHARI E MARIO GABOLA \nLa Fondazione Morra\, l’etichetta Viande Records e la E-M Arts portano a Napoli una leggenda della musica contemporanea: Kamilya Jubran. Nata ad Al Rahmed\, un villaggio palestinese nello Stato di Israele\, Kamilya è una poetessa\, cantante e suonatrice di oud formatasi a partire dallo studio della musica tradizionale araba. Oggi le sue influenze maggiori sono la musica contemporanea\, il noise elettroacustico e la free music; venerdì 28 giugno alle ore 21:00 Kamilya suonerà presso gli spazi di Casa Morra (Salita San Raffaele 20/c) insieme a Nina Boukhari\, bassista e sound designer di origine franco-marocchina\, e Mario Gabola\, sassofonista campano studioso di tecniche estese e inventore di estensioni sullo strumento. \nAd introdurci alla performance musicale ci sarà Gennaro Ascione alle ore 19:00. \nL’ingresso sarà gratuito fino ad esaurimento posti. \nKAMILYA JUBRAN (testo\, oud e voce) \nKamilya Jubran\, musicista e compositrice\, è una delle figure più venerate della scena musicale araba sperimentale e alternativa di oggi. Cresciuta ad Al Rameh\, un villaggio palestinese situato in Galilée\, nel nord di Israele\, è stata introdotta e iniziata alla musica classica araba dai suoi genitori. All’età di 18 anni Kamilya si trasferisce a Gerusalemme\, dove studia all’Università Ebraica ed entra a far parte del gruppo Sabreen\, con sede a Gerusalemme Est. Con il gruppo ha registrato quattro album ed è stata in tournée in molte città locali e internazionali. Dal 2002 Kamilya vive in Europa e nel 2014 fonda l’associazione Zamkana\, un’organizzazione non profit che sostiene progetti artistici innovativi\, nel rispetto dei valori della libertà di espressione e della laicità. Attualmente collabora con il partner musicale di lunga data\, compositore\, trombettista e musicista elettronico Werner Hasler\, in trio con la clarinettista Elodie Pasquier e la contrabbassista Charlotte Testu; \nhttp://www.kamilyajubran.com \nNINA BOUKHARI (basso elettrico) \nNina Boukhari Laporte (1988) – in arte Nina Hoppas – è una sound artist franco-marocchina originaria di Parigi. Sviluppatrice web di formazione\, ha sempre continuato a lavorare in parallelo su diversi progetti in ambito musicale: ha iniziato il suo progetto solista nel 2016 con il nome di Odio Sis e poi Nina Hoppas\, pubblicando diversi EP per varie etichette internazionali. Dal 2018 è anche fondatrice e organizzatrice del festival PhOEMina (un progetto italofrancese)\, che mira a dare visibilità alle donne e alle minoranze artistiche nel campo della musica d’avanguardia e contemporanea. Nel 2022 ha frequentato un corso di sound design organizzato dallo Yorkshire Sound Women Network (YSWN) con il supporto dell’Università di York. Nel 2019 esce il suo album “Manat” per l’etichetta italiana Casetta. Attualmente è di base a Napoli e nell’ultimo periodo ha sviluppato un sodalizio artistico con la videoartista-peformer Tiziana Salvati\, con la quale porta avanti una pratica d’improvvisazione in stretto contatto con artisti/e proveniente dalle discipline della danza aerea. \nhttps://nbl-sounddesign.com/ \nMARIO GABOLA (feedback e sax acoustico\, latte\, corde e molle\, diy electronics e sensori) \nMario Gabola è nato in provincia di Salerno nel 1981\, dove ha cominciato a suonare il sax all’età di 12 anni\, nelle bande da giro tradizionali del sud Italia per circa 10 anni; Si è trasferito a Napoli nel 2000 dove si è laureato in Scienze Ambientali. Nel 2002 fonda insieme ad altri l’avant-punk band A Spirale\, che mischiano ricerca timbrica e tecniche estese con l’attitudine postpunk; Gli A Spirale nel 2008 fondano anche l’etichetta Viande Records e come improvvisatori collaborano con musicisti come Fabrizio Spera\, Roberto Bellatalla\, Jack Wright\, Mike Cooper; Nel 2009\, con SEC_ fonda il duo Aspec(t) in cui i nastri di SEC_ si mescolano agli studi di Mario sul feedback e sui materiali riciclati o autocostruiti. Nell’ultimo periodo\, a seconda dei contesti\, varia il suo set-up sul sax utilizzando estensioni di vario tipo come barattoli\, molle\, corde\, microfoni\, fino ai sensori di movimento. Ha suonato tra gli Stati Uniti\, l’Europa e la Russia ed è impegnato in un percorso di rielaborazione e ibridazione della tradizione popolare del sud Italia iniziata con Tonino Taiuti e portata avanti insieme al gruppo i Turcos Meet the Little Devils collaborando con musicisti dell’area folk. \nhttps://linktr.ee/mariogabola
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SUMMARY:Biblioteca Perduta Domenico Mennillo
DESCRIPTION:Domenico Mennillo  \nBiblioteca Perduta \na cura di Matteo Binci \n Dal 18 giugno al 14 settembre 2024 \nOpening 18 giugno ore 18\,00 \nCasa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, 80136 Napoli \nBiblioteca Perduta è un’installazione ambientale di Domenico Mennillo realizzata nei bellissimi spazi di Palazzo Cassano Ayerbo di Aragona a cura di Matteo Binci e organizzata dalla Fondazione Morra in collaborazione con le associazioni culturali E-M Arts e lunGrabbe\, nell’ambito di Cultura Crea 2.0\, sostenuto da MIC Ministero della Cultura/Invitalia. \nBiblioteca Perduta è il quinto e ultimo capitolo del progetto pluridecennale di Mennillo Abrégé d’Histoire Figurative\, fondato sulla ricerca di concetti-figure che sono anche oggetti legati alla cultura occidentale moderna ed analizza il concetto-figura di “biblioteca” nella sua particolare accezione di dispositivo di sapere legato alla nozione di perdita. Porta in causa la biblioteca di Aby Warburg istituita inizialmente nella città natìa dello studioso (Amburgo) e successivamente trasferita a Londra per sfuggire alle ritorsioni naziste. Secondo riferimento del progetto è il poema Paradiso Perduto di John Milton\, incentrato sull’ossessione di felicità di un eterno eden sempre rincorso e anelato nella cultura occidentale. \nIl progetto espositivo consiste in un’installazione ambientale dedicata a informazioni e materiali biografici dell’artista\, provenienti dal suo archivio di lavoro. Questo progetto fa coincidere il concetto-figura di “biblioteca” con quello di “archivio”\, realizzando un solo luogo del sapere\, una sorta di luogo “monstre” dove il dato soggettivo va a coincidere con quello universale generato da informazioni provenienti da altri dispositivi del sapere. Gli spettatori vagano all’interno dell’installazione potendo seguire un itinerario libero. \nL’installazione è articolata in 3 principali set installativi: \n\nBiblioteca Perduta\nDedicata alle liste di volumi trascritte dall’artista su agende di lavoro. I volumi sono stati selezionati in 20 anni attraverso informazioni prelevate in rete e dalla lettura di quotidiani e periodici italiani e per motivi diversi non sono stati mai acquistati dall’artista. Le liste sono presentate assieme agli articoli e alle agende\, componendo un’irrecuperabile e ormai perduta biblioteca.\nSala di consultazione\nSpazio dedicato alla visione e alla consultazione di materiali e opere differenti:\n\n– Libri inediti è un’opera dedicata ai libri d’artista realizzati negli ultimi 25 anni da Mennillo in unica copia e dunque dei veri e propri libri inediti\, in quanto vengono presentati come libri mai editati\, allo stato di perenne ed infinito manoscritto. \n– De l’Amour\, de l’Amitié et sur Marcel Duchamp\, “boîte en valise” di colore giallo realizzata dal 2011 al 2024 e dedicata ai soggiorni dell’artista nella città di Parigi. È composta da 12 taccuini di scrittura espansa (testi\, collage\, disegni\, fotografie)\, assieme a lettere e cartoline postali che l’artista si auto-spedisce a Napoli\, sua città di residenza in Italia\, in una sorta di unilaterale corrispondenza con se stesso. La particolarità di questa “boîte” consiste nell’essere un piccolo scrigno dove sono custoditi i materiali di una scrittura realizzata direttamente in bella copia e priva della possibilità di essere perfezionata per divenire un dispositivo di sapere ufficiale. Una scrittura perduta che prende vita nella sua rinuncia di diventare altro\, di essere un processo compiuto in sé\, almeno secondo i dettami della scrittura pubblica e ufficiale. \n– Sala Perduta Contiene i lavori realizzati dall’artista negli ultimi 20 anni e mai presentati in altre esposizioni e installazioni\, una sorta di “mostra perduta” o mai realizzata che viene recuperata attraverso l’esposizione di una rassegna di cui l’artista è stato in 20 anni l’unico censore e spettatore. All’interno della sala sono presenti sculture\, lavori su carta e lavori di poesia visuale. \n 3. Biblioteca Nascosta\nInstallazione dedicata al rinvenimento nel 2003 in Tibet\, presso il monastero buddista di Sakya\, di una biblioteca con circa 84.000 manoscritti in rotoli (la forma che avevano i libri nell’anno 1000)\, nascosti per circa 100 anni dietro un muro lungo 60 metri e alto 10 metri. Negli spazi di questa installazione è presente anche (L) oro delle Ville Vesuviane\, una serie di collage realizzati attraverso il recupero fortuito dell’artista dell’archivio di uno studio d’architettura vesuviano\, ibridato attraverso cataloghi di antiquariato e un volume inglese degli anni ’60 dedicato alla cura estetica dell’addome. Infine\, Epistolario Sommerso 2018-2024 è dedicato alle peregrinazioni dell’artista fra il Sannio e la città  di Napoli negli ultimi 6 anni della sua vita\, spostamenti necessari per i suoi impegni privati e professionali che hanno di fatto negato all’artista di poter sfruttare tale tempo in altre attività e possibilità. \nIl progetto Abrégé di Domenico Mennillo ha realizzato dal 2011 un compendio di figurazione visuale attraverso l’indagine dei concetti di “automa spirituale” (2011)\, “atlante” (2012)\, “wunderkammer” (2014)\, “hypnomnemata”(2020)\, realizzando installazioni\, esposizioni\, workshop\, seminari di studio internazionali e incontri con università e accademie. \nDomenico Mennillo (1974) è un artista visivo italiano. Il suo lavoro è indirizzato alla realizzazione di pratiche artistiche legate alla storia della cultura occidentale. In particolare il suo lavoro è incentrato sulla creazione di installazioni site specific\, per le quali realizza anche manufatti e oggetti. Laureato in filosofia\, si occupa anche di curatela scientifica di archivi di poesia visuale internazionale\, performance e arte ambientale\, per i quali cura mostre\, work shop\, seminari di studi e convegni. Ha pubblicato oltre venti volumi fra monografie e saggi\, dedicandosi inoltre alla realizzazione di libri d’artista non venali\, in copia unica o in tiratura limitata\,  \nSuoi lavori sono stati presentati anche presso Fondazione Morra\, Museo Hermann Nitsch Napoli\, Fondazione Donna Regina per le Arti Contemporanee\, Museo Madre Napoli\, Fondazione Campania dei Festival\, Museo Macro Roma\, Museo Villa Pignatelli Napoli\, Castel Sant’Elmo Napoli\, Museo della Certosa di San Lorenzo Padula\, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf\, Biennale di Venezia. 10. e 18. Mostra Internazionale di Architettura\, Triennale  Milano.
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SUMMARY:Millenanni Terzo Anno Henri Chopin. Visiva Utopia
DESCRIPTION:Millenanni Terzo Anno\nHenri Chopin. Visiva Utopia \nA cura di Giovanni Fontana\, Giuseppe Morra e Patrizio Peterlini \nDal 9 aprile al 31 luglio 2024 \nCasa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, 80136 Napoli \n  \nIn occasione del Terzo Anno di Millenanni\, La Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee\, in collaborazione con la Fondazione Morra\, nell’ambito del Progetto XXI\, inaugura il 9 aprile 2024 il percorso espositivo Henri Chopin. Visiva Utopia.  \nArtista di notevole sperimentazione progettuale nel campo d’azione della neoavanguardia internazionale\, Henri Chopin (Parigi\, 1922 – Londra\, 2008) introduce il suo percorso nella grande parentesi creativa della “poesia concreta”. Nel panorama delle ricerche verbo-visuali del secondo dopoguerra\, Chopin si inserisce a pieno titolo come figura di rilievo rispetto alla specifica corrente della “poesia sonora”\, sebbene il suo percorso non possa racchiudersi in una singola esperienza. Audio-poèmes\, registrazioni vocali su magnetofono di deformazione e distorsione della voce\, dactylo-poèmes\, esercizi tipografici e di esplorazione dello scheletro formale della parola\, ma anche esperienze di performance art\, scrittura editoriale e pamphlettistica\, regia cinematografica\, scrittura teorica e teatrale. Henri Chopin corrompe ogni modalità prescrittiva nella sua pratica di vita\, e procede in una ricerca orizzontale rispetto ai campi del lessico\, dell’acustica e della grammatica\, spezzando le relazioni automatiche che vi sono fra essi. La parola è al grado zero\, la voce recupera il suo corpo sonoro\, favorendo la parte significante rispetto a quella semantica. La sensorialità prevale sul senso relazionale del verbo. \nIl percorso espositivo non è esclusivo all’osservazione della figura di Chopin\, ma si organizza come un simposio tra figure convergenti\, ma non omologate\, rispetto alle neoavanguardie. Paul de Vree e Bernard Heidsieck\, vicini a Chopin e altrettanto associati all’esperienza della poésie sonore\, sono presenti in mostra; assieme ad essi\, compaiono i nomi più rappresentativi della stagione della poesia visiva in Italia: Eugenio Miccini\, Lamberto Pignotti\, Arrigo Lora Totino\, Ugo Carrega\, Stelio Maria Martini\, Luigi Tola\, Rodolfo Vitone\, Michele Perfetti\, Luciano Caruso e Giovanni Fontana. \nInserita in un reticolo di interscambio sinestetico fra artisti dalle esperienze collettive di Gruppo 63\, Gruppo 70\, Gruppo Tool\, oltre che derivati dalla cornice editoriale delle riviste Documento Sud e Linea Sud\, la dimensione di Chopin conserva il suo senso distintivo. La sua ricerca\, improntata alla scomposizione fonetica della lingua\, emerge e si pone in un dialogo di confronto poietico\, e poetico\, rispetto agli altri artisti. Una sezione di documenti\, curata da Domenico Mennillo\, presenta\, a corollario della mostra\, alcuni materiali contenuti nell’Archivio Henri Chopin allocato presso gli spazi di Casa Morra: inviti\, affiche\, fotografie\, lettere e scritti preparatori per testi e performance\, nastri magnetici\, dischi e audio cassette. \nLa collaborazione tra Fondazione Morra ed Henri Chopin è consolidata fin dagli anni Ottanta e trova una sua manifestazione in produzioni di carattere eterogeneo\, sostenendo l’artista nelle sue ricerche rispetto alle partiture verbo-visive. Inoltre\, tramite la pubblicazione delle sue opere in traduzione italiana\, tra cui “L’ultimo romanzo del mondo” ([1961]\, Edizioni Morra\, Napoli\, 1984)\, “La Conferenza di Yalta” ([1984] Edizioni Morra\, Napoli\, 1987) o “Il gambero cosmografico” e “Il granchiolino innamorato” ([1965 e 1967]\, Edizioni Morra\, Napoli\, 1994) editi dalla stessa Fondazione\, il sodalizio tra Giuseppe Morra ed Henri Chopin acquista ulteriore compattezza. \nNel corso delle giornate del 9\, 10 ed 11 aprile\, Henri Chopin. Visiva Utopia sarà supportata dagli interventi dei curatori della mostra Giovanni Fontana e Patrizio Peterlini\, di Angela Tecce\, Presidente Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee\, di Eva Elisa Fabbris\, Direttrice Museo Madre\, di Cecilia Bello Minciacchi\, Docente in Letteratura italiana contemporanea presso l’Università degli Studi di Roma “La Sapienza” di Barbara Meazzi\, Docente di Letteratura e Civilità italiane del XX secolo presso l’Università di Nizza\, di Domenico Mennillo\, Curatore scientifico degli Archivi Fondazione Morra\, di Girolamo De Simone\, musicista e agitatore culturale\, dell’artista sonoro Domenico Napolitano (SEC_)\, di Mario Franco\, Critico cinematografico e creatore dell’Archivio omonimo all’interno della Fondazione\, e di Barbara Anceschi\, grecista e Direttrice editoriale delle edizioni del verri. Parallelamente\, le lectiones critiche saranno accompagnate dalle performance del duo Acchiappashpirt (Jonida Prifti e Stefano Di Trapani)\, Umberto Petrin. \nDa aprile a luglio\, negli spazi degli Archivi Mario Franco\, sarà presentato un programma speciale di dodici proiezioni cinematografiche\, che vanno ad interagire con il periodo storico analizzato. \nLa produzione artistica intermediale di Henri Chopin innesca un’ulteriore esplorazione della corrente d’avanguardia relativa alla poesia visiva e all’uso della parola in tutte le sue declinazioni. \nLa Fondazione Morra intende porsi come soggetto di connessione\, ricucendo esperienze parallele e prefigurando possibili percorsi di ricerca per il futuro. \nProgetto XXI è la piattaforma attraverso la quale la Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee si propone\, sin dal 2012\, di esplorare da un lato la produzione artistica emergente\, nella sua realizzazione teorico-pratica\, e dall’altro le pratiche artistiche più seminali degli ultimi decenni\, nella loro esemplare proposta metodologica. Il progetto contribuisce così alla produzione e alla diffusione di narrazioni e storiografie alternative del contemporaneo e alla definizione di un sistema regionale delle arti contemporanee basato sulla collaborazione e l’interscambio fra istituzioni pubbliche e private operanti nella Regione Campania. \nLa mostra è finanziata nell’ambito del progetto “Rilancio e sostegno della Fondazione Donnaregina- Sez. Progetto XXI” – POR FERS Campania 2014/2020 \n  \nHenri Chopin. Visiva Utopia\nProgramma manifestazione \nMartedì 9 aprile \nOre 18\,00 Henri Chopin. Visiva Utopia \nIntervengono: Angela Tecce\, Presidente Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee\nEva Elisa Fabbris\, Direttrice Museo Madre\nBarbara Anceschi\, Direttrice editoriale Edizioni del Verri\nGiovanni Fontana\, Fondazione Berardelli\nPatrizio Peterlini\, Fondazione Bonotto\nGiuseppe Morra\, Direttore Fondazione Morra \nOre 20\,00 VOCÈMI Dismisure foniche e lallazioni randagie per Henri Chopin \nPerformance poietica di Giovanni Fontana \nMercoledì 10 aprile \nOre 18\,00 Henri Chopin. Archivio visivo e performativo \nIntervengono: Domenico Mennillo\, Curatore scientifico Archivi Casa Morra\nDomenico Napolitano (SEC_)\, compositore di musica concreta ed elettroacustica\nBarbara Meazzi\, Université Côte d’Azur – du son dans les oreilles: Henri Chopin e i tentacoli del Verbo  \nOre 19\,00 Secret Performance \nPerformance del duo Acchiappashpirt (Jonida Prifti e Stefano di Trapani) \nOre 20\,00 Liturgie du Souffle \nPerformance di Girolamo De Simone\, pianoforte ed elettronica \nGiovedì 11 aprile \nOre 18\,00 Henri Chopin. Attuale Utopia \nIntervengono: Patrizio Peterlini – Henri Chopin: l’utopista del linguaggio\nCecilia Bello Minciacchi – La forza della voce. Chopin\, Vicinelli\, Balestrini\nGiancarlo Alfano – Sonorità\, visività\, cut-up: vie della poesia tra Henri Chopin e Nanni Balestrini\nStefania Zuliani \nOre 20\,00 LA VOCE IN SITUAZIONE Teoria e pratica della vocalità per testo e pianoforte jazz \nFlussi vocali: Giovanni Fontana\nPianoforte: Umberto Petrin \nOre 20\,30 La macchina fagocitante di Henri Chopin \nPerformance di Domenico Napolitano (SEC_)
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SUMMARY:Luca Miti\, Musiche inutili
DESCRIPTION:Museo Casa Morra – Archivi d’arte contemporanea \nLuca Miti\, Musiche inutili \nA cura di Giuseppe Morra e Girolamo De Simone\nArchivio Konsequenz – De Simone\nIncontri di studio e formazione \nVenerdì 27 ottobre 2023\, ore 18\,00\nSalita San Raffaele 20/c\, 80136 Napoli \nL’uomo non conosce l’esistenza dei tasti\nLa tastiera è per lui una lunga striscia bianca\negli ha però capito che le sue mani le sue braccia\npossono lasciare un’impronta sulla tastiera come sulla sabbia\nHa capito che la sua rabbia la sua ansia la sua tensione la sua fissità la sua apatia la sua tenerezza lasceranno per un attimo sulla striscia\nun’impronta rabbiosa tenera\nGiuseppe Chiari\, Gesti sul piano \nVenerdì 27 ottobre 2023 (ore 18\,00) si terrà al Museo Casa Morra\, a Napoli\, un incontro di studio e formazione che vede protagonista Luca Miti\, performer\, pianista e produttore dedito da decenni alla proposta e promozione di musiche e autori contemporanei. \n“Luca Miti\, Musiche inutili” è il quarto e penultimo appuntamento di un ciclo che consolida la presenza di un polo di riferimento internazionale per le musiche contemporanee: l’Archivio Konsequenz – De Simone. Ospitato nei locali del Museo Casa Morra l’Archivio realizza la possibilità di accesso e fruizione di spazi fisici appositamente destinati alla consultazione di archivi\, spartiti\, manoscritti\, pubblicazioni e opere visive dei principali compositori venuti a contatto con la Fondazione Morra e con la factory Konsequenz. Tra questi: Enore Zaffiri\, Pietro Grossi\, Giuseppe Chiari\, Daniele Lombardi\, Max Fuschetto e molti altri. \nIl programma dell’incontro prevede l’esecuzione sul pianoforte appartenuto a Luciano Cilio di brani di rara esecuzione\, corredati dalla visione di documenti e video inediti\, commentati da Giuseppe Morra e Girolamo De Simone. \nLuca Miti Ha collaborato a lungo con artisti del calibro di Albert Mayr\, Francesco Michi\, Alvin Curran\, Mauro Orselli\, Michiko Hirayama ed altri. Il suo repertorio è costituito da composizioni “difficili da trovare” (i Keyboard Studies di Terry Riley\, opere di Takehisha Kosugi\, composizioni meno note di Alvin Curran). E’ dedicatario di brani di Tom Johnson\, Pauline Oliveros e altri. Tra le sue registrazioni di composizioni originali sono da menzionare “Musiche Sole” (con Roberto Barbanti e Letizia Bolognesi – Electronikaruna)\, Mansions\, (ants records)\, 4 oder 5 (hässliche) Klavierstucke (ants records)\, Compendium Musicae (con Michyko Hirayama\, Mauro Orselli e Mauro Tiberi – ADA)\, A cena con NED (NED). Come interprete al pianoforte di brani di scuola minimalista ha realizzato il CD “Just Before Dawn” (ants records) che comprende brani di compositori quali Terry Riley\, Gyorgy Kurtag\, Laurie Spiegel\, Tom Johnson\, Alvin Curran\, Gigi Masin. Il suo vocabolario artistico si espande alla creazione di spettacoli di arte sonora e performance ed alla interpretazione di partiture del livello di Giuseppe Chiari\, Takehisha Kosugi\, Christian Wolff. \nAl Centro dell’Azione\, nella descrizione di Luca Miti: \nDel rituale\, e del vissuto… ci si dovrà chiedere se il rituale è pratica inutile nei confronti del vissuto – se quel “magico”\, essenza del rituale\, abbia una qualche concretezza in rapporto alla realtà. E ancora: “opere” che\, tutte\, ognuna di esse nel suo “stile” caratterialmente definito\, inseguono la stessa cosa\, quel “per sempre” che\, ci dicono\, potrebbe anche non esistere. Alcuni dei brani eseguiti: Per sempre. Forse stanotte (operetta inutile). Für Otfried Rautenbach.\n[Luca Miti] \nLuca Miti è nato a Roma nel 1957. Ha studiato pianoforte jazz\, tecniche vocali estese\, flauto a becco barocco\, canto gregoriano e automatons (con Tom Johnson). Dal 1980 è attivo come compositore ed esecutore di musica contemporanea. Il suo lavoro è incentrato sulla ricerca sul/ dentro il/oltre il suono. Ha collaborato con numerosi artisti internazionali ed alcuni brani per pianoforte gli sono stati dedicati da vari compositori. È membro del FKL (Forum Klanglandschaft) ed è tra i fondatori del collettivo di musica estemporanea NED. Ha inciso numerosi CD\, LP ed audio tapes. In realtà egli non sa esattamente cosa stia facendo: probabilmente sta inseguendo un’utopia che ha del rituale ma che è di una qualche utilità per l’esplorazione del proprio vissuto. I suoi ultimi CD sono forse la massima espressione del rapporto tra il linguaggio (musicale) e quel vissuto.
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SUMMARY:Our Truths Flow Together With the Waves ch.II
DESCRIPTION:Our Truths Flow Together With the Waves ch.II\nImagining – shaping feminist constellations\nA cura di Sara Guidi \n19 ottobre – 15 novembre 2023\nArchivi Mario Franco – Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/C\, 80136 Napoli \nOpening 19 ottobre\, ore 19:00 \nGiovedì 19 ottobre\, alle ore 19:00 presso le sale di Archivi Mario Franco – Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\, inaugura Our Truths Flow Together With the Waves ch.II\, progetto a cura di Sara Guidi\, a seguito di un primo capitolo svoltosi presso l’Istituto italiano di cultura di Copenhagen. \nOur Truths Flow Together With the Waves è frutto di una ricerca sull’esperienza delle Nemesiache\, gruppo artistico-femminista fondato a Napoli nel 1970 da Lina Mangiacapre (1946 – 2002)\, e attivo per oltre cinque decenni. \nDove si sedimentano le memorie? Quali risignificare\, interiorizzare? Quali relazioni possiamo tessere con quanto proposto da una realtà archivistica? Il progetto invita l’audience a relazionarsi con parti selezionate dall’archivio del gruppo: scritti\, materiale audiovisivo e i costumi utilizzati nei momenti performativi. \nOur Truths Flow Together With the Waves comprende una sezione espositiva\, un workshop e l’invio di approfondimenti tramite newsletter. \nOur Truths Flow Together With the Waves ch.II sarà visitabile fino al 15 novembre 2023\, negli orari di apertura di Casa Morra al pubblico. \nWorkshop \nNelle giornate del 21-22 ottobre\, presso il Giardino Liberato di Materdei (Salita S. Raffaele\, 3)\, si terrà un workshop a cura di Mattias Gimigliano (artista e performer attivo a Berlino)\, in cui esplorare metodi di autocoscienza tramite esercizi fisici e vocali di percezione. Il workshop è gratuito e aperto a tutti i corpi e a tutte le voci. \nInfo e iscrizioni qui. \nCatalogo online  \nOur Truths Flow Together With the Waves prevede una newsletter di approfondimenti circa l’esperienza nemesiaca e la possibilità di riattualizzare le metodologie proposte nel presente. \nInfo e iscrizione alla newsletter qui. \nLa newsletter\, avviata a luglio 2023\, prevede interviste ad attiviste del gruppo\, contributi critici di Giulia Damiani (performer\, curatrice\, scrittrice e professoressa alla Rietveld Academie di Amsterdam – prima figura a intraprendere una ricerca storico-critica sulle Nemesiache)\, Sonia d’Alto (curatrice e ricercatrice alla HFBK di Amburgo)\, e Sara Guidi (curatrice del progetto) e una sezione sulla performance\, curata da Mattias Gimigliano. \nParte degli articoli sono rintracciabili nei siti di Nero Magazine e di Reading Aloud. \nLe Nemesiache \nIl gruppo artistico-femminista delle Nemesiache nasce a Napoli nel 1970; il termine “nemesiache” si riferisce a Nemesi\, divinità che nella mitologia greco-romana agisce per ristabilire l’armonia violata dall’egocentrismo e dalla superbia\, qualità intrinseche alla società patriarcale. La giustizia ricercata dalle Nemesiache non s’appella alla giustizia sociale\, ma alla ricerca di una dimensione in cui esprimere liberamente la propria dimensione e rivendicare la propria identità. Molte delle attiviste del gruppo si identificano con i nomi di figure femminili della mitologia\, come Dafne\, Eco\, Medea\, Nemesi\, Niobe… \nIl legame profondo fra il gruppo e Napoli si esprime nel legame con il paesaggio mediterraneo (la dimensione di lotta si combina con la difesa del mare\, minacciato dalla privatizzazione e dall’inquinamento) e il recupero e del mito pre-romano\, antecedente alla dialettica corpo-mente. Il corpo e le sue gestualità\, attraverso la ritualità e la danza\, iniziano a processi di autocoscienza per esplorare le zone identitarie soffocate dalle semplificazioni patriarcali. \nA caratterizzare l’esperienza del gruppo\, è l’affermazione della creatività come forma di lotta politica: in tal senso\, l’attivismo si intreccia\, e talvolta combina\, con una ricerca artistica di natura multi- e interdisciplinare\, che rifiuta ogni forma di professionismo. \nLa crisi della creatività maschile non ci interessa\, noi Nemesiache sappiamo che la nostra nuova dimensione o\, diciamo pure\, nuova metafisica\, capovolge tutto\, e la nostra creatività è il nostro mondo che emerge e esplode capovolgendo e scoprendo infinite\, fantastiche imprevedibili dimensioni.  \n(Il Manifesto delle Nemesiache\, scritto nel 1970). \nPartners del progetto: Trust nel nome della Donna\, Giardino Liberato di Materdei\, Reading Aloud\, Nero Magazine e ST:ART.
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SUMMARY:The Intimate Resistance: 1971-2023 Mike Parr
DESCRIPTION:The Intimate Resistance: 1971-2023 Mike Parr \na cura di Eugenio Viola \nGiovedì 28 Settembre 2023 \nCasa Morra.Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/C \nGiovedì 28 settembre\, alle ore 17:00\, inaugura\, negli spazi di Casa Morra\, Mike Parr. The Intimate Resistance: 1971-2023\, retrospettiva a cura di Eugenio Viola e organizzata in collaborazione con il MAMBO – Museo de Arte Moderno di Bogotà (Colombia) che presenta\, per la prima volta in Italia\, il lavoro dell’australiano Mike Parr. \nIn occasione dell’inaugurazione\, l’artista agirà\, dalle 17:00 alle 19:00\, una nuova performance: Blind Painting Towards a Hole and a Head (2023). \nIl titolo della mostra\, The Intimate Resistance\, è preso in prestito dall’omonimo libro del filosofo catalano Josep Maria Esquirol (La resistencia intima\, 2015)\, una profonda riflessione sulla condizione umana che diventa l’ipertesto per offrire un panorama aperto sul lavoro sovversivo e radicale di Mike Parr. \nMike Parr (Sydney\, 1945\, dove vive e lavora) è internazionalmente riconosciuto come uno dei padri fondatori della performance art. Nel corso di una carriera lunga più di 50 anni\, l’artista australiano ha sfidato i limiti di questo medium all’interno dei parametri della storia e della teoria dell’arte\, confrontandosi con i concetti di spazio\, tempo\, resistenza\, memoria e meccanica della rappresentazione. \nMike Parr è tra i pionieri che hanno plasmato la performance art in Europa e nelle Americhe tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta. Inoltre\, è tra i pochissimi artisti ad utilizzare ancora oggi la performance come mezzo di espressione privilegiato. \nDa sempre\, Parr utilizza il proprio corpo come soggetto\, oggetto e medium per esplorare i limiti fisici e mentali del proprio essere. Il suo lavoro è spesso connesso al dolore\, coinvolge i fluidi corporali\, richiede atti di resistenza estrema ed appare disturbante e viscerale. Per questo motivo\, le sue performance provocano reazioni complesse che sfidano emotivamente e intellettualmente l’artista stesso e\, in molti casi\, gli spettatori. \nThe Intimate Resistance presenta un corpus di oltre 80 opere prodotto in più di cinque decenni\, tra foto\, film\, video\, installazioni\, video monocanale e multicanale\, incisioni e rari materiali d’archivio. Tra le opere esposte\, alcune tra le prime “task performance” di Mike Parr\, come Pushing a Movie Camera Over a Hill (1971) o Hold Your Breath for as Long as Possible/ Hold Your Finger in a Candle Flame for as Long as Possible (1972); così come alcune delle sue performance più controverse\, come Cathartic Action: Social Gestus No.5 (The “Armchop”) (1977). Altre opere sono invece qui presentate per la prima volta\, come Falling Self-Portrait (2023). \nMontage in Space & Time (1971-2023) offre una straordinaria visione d’insieme sul lavoro radicale di Parr\, condensata in una videoinstallazione sincronizzata a quattro canali. Una combinazione di video\, quasi una retrospettiva in una retrospettiva\, che ripropone senza soluzione di continuità le sue azioni più audaci e impegnative\, presentate in modo volutamente episodico e sconnesso. \nPhoto-Death (2023) è invece un lavoro che sintetizza in una sequenza cronologica di immagini tutta la carriera dell’artista\, affrontando lo spettatore con la documentazione fotografica di alcune delle performance più scioccanti di Parr. Sia Montage in Space & Time che Photo-Death rappresentano il tentativo dell’artista di determinare nuove modalità di rappresentazione della performance\, salvaguardandone la memoria per il futuro. \nPainting Towards a Hole and a Head (2023) è una nuova performance ‘site-responsive’ che Parr ha concepito per questa mostra\, legata ad una serie di Blind Paintings che l’artista ha realizzato nel corso degli anni\, rigorosamente ad occhi chiusi e rifiutando persino di vedere la documentazione audiovisiva del risultato. \nThe Intimate Resistance offre la possibilità di apprezzare\, da una prospettiva unitaria\, tutta la coerenza di Mike Parr\, uno degli artisti viventi più estremi\, irriverenti\, ironici\, radicali\, blasfemi\, impenitenti e iconoclasti che ha sperimentato e sfidato la performance art\, plasmandone ambiti e territori e determinandone\, finanche\, gli esiti. \nQuesta mostra celebra anche la donazione dell’intero archivio di Mike Parr per Casa Morra. Archivi d’arte Contemporanea\, confermando il suo impegno nel conservare\, esporre e promuovere gli archivi di figure fondamentali della storia dell’arte contemporanea\, come Luca Maria Patella\, il Living Theatre\, Vettor Pisani\, Hermann Nitsch\, Arrigo Lora Totino e altri artisti che costituiscono il patrimonio della Fondazione Morra \nSi ringraziano Penny Clive e Anna Schwartz per il supporto dato all’esposizione \nIl Progetto è finanziato con la L.R. n.7/2003\, contributi per la promozione culturale anno 2023.  \nMike Parr ha co-fondato nel 1970 con Peter Kennedy\, Inhibodress Gallery\, il primo artist run space in Australia che ha il merito di aver diffuso l’arte concettuale e la performance art nel continente. Numerosissime le sue mostre in Australia ed internazionali nel corso di oltre mezzo secolo. Tra le ultime: The Eternal Opening\, Schwartz/Carriageworks\, Sydney\, 2019; Underneath the Bitumen the Artist\, DarkMofo/Detached\, Hobart\, 2018; The Ghost Who Talks\, 55th Biennale di Venezia\, Palazzo Mora\, Venezia\, 2013. Ha rappresentato l’Australia alla 39. Biennale d’arte di Venezia\, nel 1980. Tra le retrospettive più importanti: Edelweiss\, Kunsthallewien\, Vienna\, 2012; Foreign Looking\, National Gallery of Australia\, Canberra. 2015; The Intimate Resistance\, Museo de Arte Moderno de Bogotá – MAMBO\, 2023. \nEugenio Viola è dal 2019 Capo Curatore del MAMBO – Museo de Arte Moderno de Bogotá\, in Colombia. Dal 2017 al 2019 è stato Senior Curator del PICA – The Perth Institute of Contemporary Arts a Perth\, in Western Australia. Dal 2009 al 2016 è stato curatore al Museo MADRE di Napoli. Ha collaborato con numerose istituzioni italiane e internazionali. Ha curato nel 2015 il Padiglione dell’Estonia alla 55. Biennale di Venezia e nel 2022 il Padiglione Italia alla 59. Biennale di Venezia. Studioso delle esperienze legate alla performance e al corpo\, ha curato le monografie dedicate a Teresa Margolles (Edizioni MAMBO\, Bogotà\, 2019); Regina Jose Galindo (Skira\, Milano\, 2014); Hermann Nitsch (Edizioni Morra\, Napoli\, 2013); Marina Abramović\, (Sole 24 Ore Cultura\, Milano\, 2012); ORLAN (Charta\, Milano-New York\, 2007). \nDi prossima pubblicazione la nuova monografia dedicata al lavoro dell’artista\, The Intimate Resistance\, realizzata dalla Fondazione Morra in collaborazione con il Museo de Arte Moderno de Bogotá – MAMBO\, in edizione italiano / inglese (Edizioni Morra) ed in edizione inglese / spagnolo (Edizioni MAMBO)\, a cura di Eugenio Viola.
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SUMMARY:Rassegna cinematografica - Archivi Mario Franco sesto appuntamento
DESCRIPTION:Giovedì 27 luglio alle ore 18.00 presso gli Archivi Mario Franco di Casa Morra sesto ed ultimo appuntamento con la rassegna cinematografica correlata alla mostra MILLEUNO ALT ARRIGO LORA TOTINO\, inaugurata lo scorso mese di marzo\, con il supporto della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee (@museomadre)\, per l’edizione 2023 di Progetto XXI. \nIl ciclo di sei proiezioni\, curato dal regista Mario Franco\, propone lo sguardo collaterale di alcuni tra gli artisti e autori\, la cui visionarietà e le cui avanguardie di appartenenza hanno in qualche modo contribuito alla formazione artistica e poetica di Lora Totino. \nIngresso gratuito – Il film di questo sesto e ultimo appuntamento è: \nIlaria Freccia\, LA RIVOLUZIONE SIAMO NOI – Arte in Italia 1967/1977 (2020\, 83′) \nDocumentario\, prodotto e distribuito da Luce Cinecittà\, nato da un’idea della regista Ilaria Freccia e del curatore e critico d’arte Ludovico Pratesi. Un viaggio affascinante che si snoda attraverso racconti e immagini di alcuni nomi che hanno fatto e fanno la storia dell’arte contemporanea: Marina Abramovic\, Michelangelo Pistoletto\, Andy Warhol\, Luigi Ontani\, Pino Pascali\, Alighiero Boetti\, Jannis Kounellis\, Joseph Beuys. In corredo\, una raccolta inedita di filmi\, fotografie e documenti provenienti da archivi\, musei\, gallerie\, collezionisti.
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SUMMARY:Neapolitan Dialogues III - Fuori dal Basso
DESCRIPTION:Neapolitan Dialogues III – Fuori dal Basso. \nPresto Napoli ospiterà tre artisti portoghesi per una residenza d’artista. Il progetto è curato da Vittorio Urbani con Fabio Schiattarella dalla Fondazione Morra. \nI Neapolitan Dialogues\, un progetto artistico che mira a mettere in dialogo Lisbona\, Napoli ed Istanbul\, tre grandi città  del Sud situate sullo stesso parallelo\, giunge alla terza edizione (dopo le due prime edizioni dedicate a Istanbul) apprestandosi ad ospitare in due distinte occasioni rispettivamente Sara & Andrè\, una coppia di artisti portoghesi\, che soggiorneranno a Napoli dal 20 luglio al 20 agosto 2023 e Lorenzo Bordonaro\, italiano ma residente a Lisbona da venti anni\, dal 1 novembre al 10 dicembre 2023. \nLe residenze dei Dialoghi Napoletani\, ospitate negli spazi della Fondazione Morra\, sono sempre caratterizzate da un forte interesse per l’impegno sociale. In questa residenza\, agli artisti viene proposto di partire dall’intersezione di tre riferimenti\, il primo socio-politico\, il secondo mitologico e un terzo socio-ambientale relativo al Basso\, che rappresenta un contesto di vita tipicamente napoletano. \nIl progetto dei Dialoghi Napoletani nasce dal bisogno di affermare una maggiore consapevolezza del valore essenziale del Sud e vuole andare contro il corrente asse obbligato nord-sud\, in cui il vettore dei valori culturali\, delle risorse economiche\, delle opportunità e della forza lavoro va sempre da sud a nord in una nascosta\, ma non per questo meno reale\, espropriazione di tipo capitalistico. Si vuole\, al contrario\, favorire il sorgere di una nuova consapevolezza dei valori culturali e della centralità del Sud\, e promuovere collaborazioni e conversazioni che al Sud siano primariamente interne. \nAl termine della residenza gli artisti condivideranno la propria esperienza con la cittadinanza presentando il loro lavoro negli spazi della Fondazione Morra. \nLa Residenza è prodotta per Fondazione Morra\, Napoli in collaborazione con Nuova Icona\, Venezia\, con il Patrocinio della Ambasciata del Portogallo\, Roma. \nBIO DEGLI ARTISTI \nSara & André sono un duo artistico; nati rispettivamente nel 1980 e 1979\, a Lisbona\, dove vivono e lavorano.  Hanno studiato\, rispettivamente\, Stage Design alla School of Theatre and Cinema (Lisbona\, 19992005)\, e Fine Arts alla School of Art and Design (Caldas da Rainha\, 1999-2005). Hanno poi seguito insieme i corsi di Pittura alla National Society of Fine Arts (Lisbona\, 2008-2011). Il loro lavoro è stato regolarmente in mostra sin dal 2006.Il duo artistico lavora con testi\, opere visive ed altri media in progetti site specific\, spesso in collaborazione con altri produttori culturali\, indagando idee come la autorialità\, appropriazione\, originalità e in particolare studiando i meccanismi del mondo dell’arte. A fianco della loro pratica come artisti\, Sara & André hanno anche negli anni più recenti sviluppato diversi progetti curatoriali\, sia mostre che pubblicazioni o entrambe. \nLorenzo Bordonaro è nato a Torino nel 1971 dove si è laureato in filosofia e scienze sociali. Nel 2001 si trasferisce in Portogallo dove consegue il dottorato di ricerca in Antropologia. Ha inoltre studiato pittura e disegno all’Ar.Co (Lisbona) e scultura all’Accademia di Belle Arti (Lisbona).\nLa sua pratica artistica si fonde con la ricerca antropologica: le sue installazioni\, disegni e i suoi progetti di arte pubblica sono spesso radicati in una più ampia riflessività sociale e nell’attivismo politico e\, più recentemente\, ambientale. Ha realizzato progetti di arte pubblica in diversi contesti sociali e aree geografiche: dalle favelas brasiliane alle baraccopoli alla periferia di Lisbona; dai ghetti capoverdiani ai quartieri storici di Graça e Mouraria\, a Lisbona. \nComunicato Stampa
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SUMMARY:Rassegna cinematografica - Archivi Mario Franco quinto appuntamento
DESCRIPTION:Giovedì 06 luglio alle ore 18.00 presso gli Archivi Mario Franco di Casa Morra prosegue la rassegna cinematografica correlata alla mostra MILLEUNO ALT ARRIGO LORA TOTINO\, inaugurata lo scorso mese di marzo\, con il supporto della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee (@museomadre)\, per l’edizione 2023 di Progetto XXI. \nIl ciclo di sei proiezioni\, curato dal regista Mario Franco\, propone lo sguardo collaterale di alcuni tra gli artisti e autori\, la cui visionarietà e le cui avanguardie di appartenenza hanno in qualche modo contribuito alla formazione artistica e poetica di Lora Totino. \nIngresso gratuito – I film di questo quinto appuntamento sono: \nLuis Buñuel & Salvador Dalì\, L’ÂGE D’OR (1930\, 62′) \nSalvador Dalì & Walt Disney\, DESTINO (2003\, 7′) \nLuis Buñuel\, (Calanda\, 1900 – Città del Messico\, 1983) tra i più celebri esponenti del cinema surrealista\, nelle sue opere ha indagato sulla natura dell’inconscio\, l’irrazionale e la critica anti-clericale. I suoi primi e “scandalosi” due film furono realizzati in collaborazione con Salvador Dalí\, celebre per le immagini suggestive e bizzarre. Dotato di grande abilità pittorica\, caratterizzò la sua vita con il vezzo di atteggiamenti stravaganti. Purtroppo i suoi modi eccentrici hanno catturato l’attenzione più delle sue opere più importanti e significative
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SUMMARY:Rassegna cinematografica - Archivi Mario Franco quarto appuntamento
DESCRIPTION:Giovedì 22 giugno alle ore 18.00 presso gli Archivi Mario Franco di Casa Morra prosegue la rassegna cinematografica correlata alla mostra MILLEUNO ALT ARRIGO LORA TOTINO\, inaugurata lo scorso mese di marzo\, con il supporto della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee (@museomadre)\, per l’edizione 2023 di Progetto XXI. \nIl ciclo di sei proiezioni\, curato dal regista Mario Franco\, propone lo sguardo collaterale di alcuni tra gli artisti e autori\, la cui visionarietà e le cui avanguardie di appartenenza hanno in qualche modo contribuito alla formazione artistica e poetica di Lora Totino. \nIngresso gratuito – I film di questo appuntamento sono: \nMan Ray\, LE RETOUR À LA REASON (1923\, 2’32”) – EMAK-BAKIA (1926\, 19’) – L’ÉTOILE DE MER (1928\, 15’54’’) \nFernand Léger\, BALLET MÉCANIQUE (1924\, 19’) \nUn ulteriore approfondimento su due autori fondamentali per le avanguardie novecentesche. Man Ray\, pittore\, fotografo e cineasta (Filadelfia\, 1890 – Parigi\, 1976)\, tra gli sperimentatori più noti in ambito foto-cinematografico. Fernand Henri Léger (Argentan 1881 – Gif-sur-Yvette\,1955)\, pittore cubista caratterizzato dall’assunto che i tempi moderni sono segnati da “velocità e contrasto”.
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SUMMARY:DEVI MORIRE (Dissing Love)
DESCRIPTION:DEVI MORIRE (Dissing Love) \nA cura di Giuseppe Morra e Girolamo De Simone\nArchivio Konsequenz – De Simone\nIncontri di studio e formazione \nLectio Magistralis – Venerdì 9 Giugno 2023\, ore 18\,00\nCasa Morra – Salita San Raffaele 20/c\, Napoli\nIngresso libero fino a esaurimento posti \nDurational Performance non stop – Sabato 10 Giugno 2023\, ore 11\,00 – 21\,00\nMuseo Hermann Nitsch – Vico Lungo Pontecorvo 29/D\, Napoli\nIngresso € 10 intero; € 5 ridotto \nTempo di nascere – Tempo di morire\nTempo d’eradicare – Tempo d’aver cura\nTempo di raccatto – Tempo di lacerazione\nTempo di smarrirsi – Tempo di silenzi\n[Tempo dell’oblio]\nQOELET 3\,2 \n  \nVenerdì 9 giugno 2023 (ore 18\,00) e Sabato 10 giugno 2023 si terranno\, rispettivamente al Museo Casa Morra e al Museo Nitsch\, a Napoli\, un incontro di studio e formazione tenuto da Marino Formenti in forma di Lectio magistralis\, e la durational performance\, per due pianoforti\, intitolata DEVI MORIRE (Dissing Love) – Battle\, Responsorio\, Blind Date – di e con Marino Formenti e Andrea Riccio \nDEVI MORIRE (Dissing Love) è la terza iniziativa di un ciclo\, a cura di Giuseppe Morra e Girolamo De Simone\, che intende consolidare la creazione di un polo di riferimento internazionale per le musiche contemporanee: l’Archivio Konsequenz – De Simone. Ospitato nei locali del Museo Casa Morra il Fondo realizza la possibilità di accesso e fruizione di spazi fisici appositamente destinati alla consultazione di archivi\, spartiti\, manoscritti\, pubblicazioni e opere visive dei principali compositori venuti a contatto con la Fondazione Morra e con la factory Konsequenz. \n  \nDEVI MORIRE (dissing love)\nbattle\, responsorio\, blind date \n11h-21h Durational Performance – non stop\nMuseo Hermann Nitsch \n“Giocavamo a un gioco\, Philip Guston e io.\nEravamo gli ultimi artisti.\nCome in tutte le rappresentazioni escatologiche\,\nla fine del mondo non era che la fine di un’epoca.\nIl “niente” era per noi più che un gioco filosofico:\nun vero e proprio punto di partenza e di arrivo.\nÈ a tutti chiaro che si comincia con niente\,\nma è meno evidente che dopo anni di lavoro si arriva a molto meno.” \n(Morton Feldman\, Lectures 1984) \n  \nGli ultimi artisti\, da soli: respirano solo perché sono l’uno con l’Altro.Si cullano\, si uccidono.\nCome se queste persone\nvolessero sconfinare oltre\nma è come se stessero\nin una condizione paradossale.\nNon sono sicuri di conoscersi\, eppure sembrano fatti l’una per l’altra. “Devi morire.” – si ripetono a vicenda. Un leitmotiv. Ascoltano. Non esistono. La volontà è un concetto aberrante.\nDevi morire.\nCercano\, senza trovare.\nSi augurano il nulla.\nDanzano sulla soglia. \nSono loro senza altro.\nScollamento della realtà\nFunerale. Spazio vuoto. Senso della perdita di un poeta.\n(Antonio Neiwiller\, Indicazioni di lavoro\ntratte da appunti di Loredana Putignani\, Napoli 1992) \nDue pianoforti\, le musiche di nessuno. Lo spazio che si svuota e si riempie. \nBotta e risposta\, odi et amo.\nLo spettatore può ascoltarli\, può non-esistere\, gioca con loro.\n–\nL’ arte schietta e sincera del battle è una prerogativa della strada. Nell’hip-hop\, nel voguing\, nella street dance i performers non si pongono problemi di galateo nello sfidarsi a duello: si contrappongono\, si misurano\, si provocano\, si dissano e\, reciprocamente protetti dalla bellezza di voli tecnicamente sublimi\, o meglio uniti in quella bellezza\, si mandano elegantissimamente a quel paese.\nIl Responsorio è invece una prerogativa del tempio e forse il perfetto contrario del battle: qui i praticanti sono chiamati a unire i loro intenti – anzi le loro anime – per perseguire insieme l’oggetto di una comune aspirazione\, per diventare insieme una cosa sola.\nDEVI MORIRE è il grido di battaglia di ogni dissing\, il motto apparentemente feroce di ogni scontro antagonista. Tradotto in latino significa semplicemente: memento mori. \nMorire vuol dire anche non apparire\, sparire\, non esprimere\, non esprimersi\, non raccontarsi\, non essere più.\nCerto\, più facile a dirsi: è un koan/paradosso da legnate sulle spalle punitive programmate. \nDEVI MORIRE può essere il più tenerissimo augurio: augurarsi il nulla. \nSi more danzando\,\nbevendo\, mangiando\ncon quella carogna\nmorire bisogna. \n(Anonimo\, La Passacaglia della Vita\, da Canzonette Spirituali e Morali\, Milano 1657) \nMarino Formenti è considerato uno dei musicisti più interessanti della sua generazione. Elogiato dal Los Angeles Times come “un Glenn Gould per il XXI secolo”\, la sua dedizione al nuovo e all’inaspettato lo porta a sviluppare costantemente nuove esperienze concertistiche e progetti inediti.\nLe sue esibizioni comprendono interpretazioni delle opere più recenti\, improvvisazioni e riflessioni individuali sui capolavori classici; i suoi progetti più includono spesso forme di musica non occidentale e popolare.\nIn recital pianistici piuttosto innovativi (“Kurtag’s Ghosts”\, “Liszt Inspections”\, “Torso”) Marino Formenti crea un intenso dialogo tra le opere e i repertori in una sorta di flusso continuo. Questo approccio radicalmente nuovo è stato presentato al Lincoln Center di New York\, al Festival di Lucerna\, alla Wigmore Hall di Londra\, alla New York Philharmonic\, alla Konzerthaus Wien e così via. \nLa sua esplorazione dell’esperienza musicale lo ha portato a sviluppare performance piuttosto radicali\, al di là del recital tradizionale. \nIn “Nowhere” vive\, mangia\, dorme e si esibisce per diverse settimane in uno stesso spazio\, aperto al pubblico e trasmesso in streaming su Internet 24 ore su 24\, 7 giorni su 7. Il tempo\, lo spazio\, il suono e l’unione sono esplorati su una scala completamente diversa. “Nowhere2 è stato rappresentato tra l’altro al Festival di Berlino\, al BoCa di Lisbona\, al Teatro Colón di Buenos Aires\, allo Steirischer Herbst di Graz\, a Performatik Bruxelles\, alla Triennale di Milano.\n“One to One” offre un rendez-vous musicale di 2 ore con un singolo visitatore. Pianista e spettatore diventano gradualmente partner della performance. L’allestimento\, assolutamente intimo\, è stato successivamente ampliato fino a un appuntamento di un’intera giornata al buio in “sette studi di comunicazione e musicalità” per la Fondazione Haubrok di Berlino. Originariamente concepito per Art Basel 2013\, è stato eseguito a Graz\, Los Angeles\, Buenos Aires\, Torino e così via.\n“Time to Gather” è un recital di tipo speciale\, senza il muro invisibile tra pianista e pubblico\, senza un programma fisso\, senza un finale prevedibile. Le persone possono interagire e scegliere con il pianista cosa ascoltare\, o suonare con lui e al posto suo.\nNel film musicale “Schubert und Ich”\, Formenti seleziona le voci grezze di cinque non-musicisti di età e formazione diverse per lavorare su brani di Franz Schubert\, lontano dalla resa beneducata e levigata del concerto classico. “Liszt Inspections” è stato etichettato come uno dei “Best Performances of the New York Times” 2015 e delle “Migliori registrazioni del New Yorker” 2014. Joshua Kosman del San Francisco Chronichle ha dichiarato: “Quello che James Joyce ha fatto per il romanzo\, Formenti sembra intenzionato a farlo per il recital pianistico. I risultati sono stati indimenticabili”. È stato Artist in Residence al Lincoln Center di New York\, alla Wigmore Hall di Londra e al Festival “Pèlerinages” di Nike Wagner a Weimar. Nel 2020 è stato artista in residenza al BeethovenFest di Bonn\, nell’ambito delle celebrazioni per il 250° anniversario della nascita di Beethoven. Marino Formenti si è esibito nei festival internazionali di Salisburgo\, Lucerna\, Edimburgo\, Schleswig-Holstein\, Ravinia e Aspen\, nonché nelle principali sale di New York\, Berlino\, Vienna\, Los Angeles\, Parigi\, Londra e Tokyo. Gli impegni orchestrali di Marino Formenti come solista includono esibizioni con la New York Philharmonics\, la Los Angeles Philharmonics\, i Münchner Philharmoniker\, la Cleveland Orchestra\, la Gustav Mahler Chamber Orchestra\, l’Orchestre de Radio France\, la RSO Wien. Come solista\, ha lavorato con i direttori Franz Welser-Möst\, Gustavo Dudamel\, Kent Nagano\, Daniel Harding\, Esa-Pekka Salonen e altri. Come direttore d’orchestra\, ha lavorato su invito di Maurizio Pollini al Teatro la Scala di Milano\, alla Salle Pleyel di Parigi e all’Auditorium Parco della Musica di Roma; ha ideato e diretto altri progetti al Festival Wien Modern\, al Ravenna Festival\, ai Darmstädter Ferienkurse e a Los Angeles\, Chicago\, Vienna e Salisburgo. Come artista\, è ospite di importanti istituzioni e festival d’arte\, come il Palais de Tokio di Parigi\, il Mumok di Vienna\, Art Basel\, MADRE di Napoli\, Portikus di Francoforte o la Fondazione Gulbenkian di Lisbona.\nI suoi collaboratori per la musica da camera sono stati Gidon Kremer\, Lars Vogt\, Nicolas Altstaedt\, Jörg Widmann\, Emmanuel Pahud\, Tabea Zimmermann\, Caroline Widmann\, Barbara Hannigan e l’attore Ulrich Matthes. Ha lavorato a stretto contatto con alcuni dei più grandi compositori del nostro tempo\, come György Kurtág\, Helmut Lachenmann\, Salvatore Sciarrino\, Olga Neuwirth\, Bernhard Lang\, Georg Friedrich Haas e Beat Furrer. È insegnante-conduttore dell’Ensemble ENM dell’Università Mozarteum di Salisburgo. Per i suoi successi musicali è stato premiato con il Belmont-Prize 2009 della Forberg-Schneider-Stiftung di Monaco. \nAndrea Riccio\, pianista indicato dal quotidiano italiano “la Repubblica” come “…un vero virtuoso del pianoforte…”\, e dalla rivista musicale “Konsequenz” come musicista di “straordinaria lucidità interpretativa\, che unisce una tecnica solida e robusta ad un suono limpido e pulito”\, suona regolarmente in sedi di prestigio come il Teatro San Carlo di Napoli\, Teatro Ristori di Verona\, Villa Pignatelli di Napoli\, Auditorium Amedeo di Savoia di Roma\, Regio Conservatorio di Napoli\, Mozarteum di Salisburgo\, Villa Lysis di Capri\, Chiesa Luterana di Napoli\, Belvedere di San Leucio di Caserta\, Chiesa di San Vittoria de L’Aquila\, Villa Vicina di Salisburgo\, Monastero delle Trenatré\, Teatro Galleria Toledo\, Museo Hermann Nitsch e Casa Morra di Napoli. Suona in qualità di solista con l’Orchestra “CDM” di Tivoli il concerto k.415 di W.A. Mozart in doppio appuntamento nel centro Italia. Sempre alla ricerca di nuovi orizzonti\, con un repertorio che spazia dalla musica barocca alla musica d’avanguardia\, si dedica anche alla scoperta e alla diffusione della musica contemporanea\, anche collaborando con Marino Formenti e l’Ensemble Neue Musik.\nPartecipa alla realizzazione della collana di risonanza nazionale ed internazionale “Approdi\, avanguardie musicali a Napoli” edito da “Konsequenz”\, registrando brani contemporanei di autori napoletani\, solistici e cameristici.\nÈ vincitore di concorsi internazionali\, tra cui lo ‘Ischia International Piano Competition’ di Napoli\, ‘Piana del Cavaliere International Piano Competition’ di Carsoli\, ‘Premio Nicola di Stefano’ di Barletta\, ‘Don Enrico Smaldone Piano Competition’ di Salerno; Top Prize Winner e “Premio Franz Liszt 2019” al “Italian Republic Piano Competition” di Viterbo\, per essersi distinto nella migliore esecuzione del compositore ungherese. È stato finalista dello “Steinway Piano Competition” in Italia.\nNato a Napoli nel 2001\, Andrea Riccio ha iniziato gli studi a 10 anni con Dario Candela e Girolamo de Simone\, e a 18 anni consegue il Triennio Ordinamentale Summa cum Laude dal Conservatorio “San Pietro a Majella” di Napoli. È laureato dalla Universität Mozarteum di Salisburgo\, dove ha seguito il corso di Master of Arts in Piano Performance sotto la guida di Cordelia Höfer-Teutsch. Ha seguito le masterclass di Pasquale Iannone\, Rena Shereshevshkaya\, Antoinette Van Zabner\, Yves Henry.
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SUMMARY:Rassegna cinematografica - Archivi Mario Franco terzo appuntamento
DESCRIPTION:Giovedì 01 giugno alle ore 18.00 presso gli Archivi Mario Franco di Casa Morra prosegue la rassegna cinematografica correlata alla mostra MILLEUNO ALT ARRIGO LORA TOTINO\, inaugurata lo scorso mese di marzo\, con il supporto della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee (@museomadre)\, per l’edizione 2023 di Progetto XXI. \nIl ciclo di sei proiezioni\, curato dal regista Mario Franco\, propone lo sguardo collaterale di alcuni tra gli artisti e autori\, la cui visionarietà e le cui avanguardie di appartenenza hanno in qualche modo contribuito alla formazione artistica e poetica di Lora Totino. \nIngresso gratuito – I film di questo terzo appuntamento sono: \nRené Clair\, Francis Picabia\, ENTR’ACTE (1924\, 22’) \nJean Vigo\, Boris Kaufman\, À PROPOS DE NICE (1930\, 25’) \nLuis Buñuel\, LAS HURDES (1932\, 28’00’’) \nRené Clair\, (Parigi\, 1898 – Neuilly-sur-Seine\, 1981)\, tra i maestri del cinema mondiale\, è considerato da Henri Langlois il regista che meglio incarna lo spirito del cinema francese.\nFrancis Picabia (Parigi\,1879 – Parigi\,1953)\, dadaista\, fu determinante per introdurre l’arte moderna (intesa come modernità e modernismo) negli Stati Uniti.\nJean Vigo (Parigi\, 1905 – Parigi\, 1934) è da molti considerato uno dei maestri del cinema\, nonostante la sua breve vita.\nLuis Buñuel ( Calanda\, 1900 – Città del Messico\, 1983) è uno dei più celebri esponenti del cinema surrealista. Dopo le prime opere surrealiste realizza questo documentario anarchico su una regione spagnola dove si trovano numerosi villaggi che vivono in miseria e malattia in una terra senza pane.
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SUMMARY:Rassegna cinematografica - Archivi Mario Franco secondo appuntamento
DESCRIPTION:Giovedì 25 maggio alle ore 18.00 presso gli Archivi Mario Franco di Casa Morra prosegue la rassegna cinematografica correlata alla mostra MILLEUNO ALT ARRIGO LORA TOTINO\, inaugurata lo scorso mese di marzo\, con il supporto della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee\, per l’edizione 2023 di Progetto XXI. \nIl ciclo di sei proiezioni\, curato dal regista Mario Franco\, propone lo sguardo collaterale di alcuni tra gli artisti e autori\, la cui visionarietà e le cui avanguardie di appartenenza hanno in qualche modo contribuito alla formazione artistica e poetica di Lora Totino. \nIngresso gratuito – I film di questo secondo appuntamento sono: \nWalter Ruttmann\, LICHTSPIEL (OPUS 1-2-3-4) (1921\, 22’09’’) \nLászló Moholy Nagy\, SCHWARZ\, WEISS\, GRAU (1930\, 5’30’’) \nOskar Fischinger\, R1\, EIN FORMSPIEL (1927\, 7’) – STUDIE NR. 8 (THE SORCERER’S APPRENTICE 1931\, 4’) – TOCCATA AND FUGUE IN D MINOR (1940\, 9’30’’) – MÜNCHEN BERLIN WANDERUNG (1927\, 5’) \nMarcel Duchamp\, John Cage DISCS (da DREAMS THAT MONEY CAN BUY 1947\, 4’00’’) \nHans Richter FILMSTUDIE (1926\, 3’43’’) – VORMITTAGSSPUK (1928\, 9’08’’) \nWalter Ruttmann\, regista cinematografico\, (Francoforte sul Meno 1887 – Berlino 1941)\, esponente dell’avanguardia cinematografica: i suoi film\, a lungo invisibili\, sono realizzati con delle pennellate su una lastra di vetro e filmate in stop motion. Oskar Fischinger (Gelnhausen\, 1900 – Los Angeles\, 1967) è stato autore di cortometraggi d’animazione astratta studiando il rapporto tra suono-segno. La sua arte venne considerata come Arte degenerata per cui si esiliò negli Stati Uniti e nel 1936 decise di trasferirsi a Hollywood. Hans Richter (Berlino\, 1888 – Locarno\, 1976)\, è uno dei massimi teorici e sperimentatori di estetica cinematografica. Ha dedicato le sue ricerche all’esigenza di articolare lo spazio figurativo in un movimento che uscisse dai limiti del quadro tradizionale.
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SUMMARY:CHRISTOPH ERB GERRY HEMINGWAY MAGDA MAYAS
DESCRIPTION:CHRISTOPH ERB GERRY HEMINGWAY MAGDA MAYAS\nsassofono tenore e sassofono soprano – batteria – pianoforte \nSONIC TOPOGRAPHIES\nuna guida a quello che possiamo sentire ma non possiamo vedere \nCasa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\nsabato 13 maggio 2023 ore 21:00\ningresso libero fino ad esaurimento posti \nIn anteprima italiana\, Christoph Erb\, Gerry Hemingway e Magda Mayas si esibiscono nella performance SONIC TOPOGRAPHIES una guida a quello che possiamo sentire ma non possiamo vedere sabato 13 maggio 2023 alle ore 21:00 presso Casa Morra Archivi d’Arte Contemporanea\, organizzata in collaborazione con Complus Events\, Fondazione Morra e E-M Arts associazione culturale. \nChristoph Erb al sassofono tenore e sassofono soprano\, Gerry Hemingway alle percussioni e Magda Mayas al pianoforte: la loro performance è libera e decisamente improvvisata. Non ci sono confini in questa vibrante interazione tra corpi\, strumenti e silenzio\, il tessuto sonoro sorprende con nuovi panorami uditivi. Queste sonorità risultano imponenti\, eruttive\, a volte brutali\, talvolta calme o ipnotiche. Una possibilità unica di partecipare ad una spettacolare\, coraggiosa ed eccitante performance. \nLe altre due date del tour\, promosse da Complus Events con il supporto di Pro Helvetia Fondazione Svizzera per la Cultura\, KANTON LUZERN Kulturförderung SWISSLOS\, SIS Schweizerische Interpretenstiftung\, Fondation Nicati-de Luze\, sono a Roma venerdì 12 maggio all’Auditorium Rai Radio 3 Suite e domenica 14 maggio al SIC12 artstudio. \nDal 2009 Gerry Hemingway tiene delle lezioni sull’arte delle percussioni alla Hochschule di Lucerna (Università di Scienze Applicate e Arti) dove dal 2019 anche Magda Mayas insegna improvvisazione. \nBathing Music è la prima performance del trio eseguita il 9 ottobre 2020 al Neubad di Lucerna\, e quattro giorni dopo Dinner Music il 13 ottobre 2020 al Misterioso Jazz club di Zurigo; entrambe le registrazioni sono pubblicate da Veto Records. www.veto-records.ch \nUniti dall’intuizione che i suoni ondulanti e monotonamente picchiettati hanno un particolare effetto quando si sfregano e si stratificano\, Erb soffia piccole fluttuazioni e colpi come echi di fischi diffusi dal vento\, Hemingway fa ticchettare il metallo dei cimbali come campane immerse sott’acqua\, e Magda Mayas si abbandona alle vibrazioni emesse dalle corde preparate che tremano in un movimento rapido e vivace. \nChristoph Erb (1973\, Svizzera) è attivo con la sua etichetta indipendente Veto Records dal 2007; nel 2011 si trasferisce a Chicago per una residenza di alcuni mesi e qui crea numerose collaborazioni con i musicisti improvvisatori come Fred Lonberg-Holm\, Michael Zerang\, Jason Adasciewicz\, Tomeka Reid\, Jim Baker\, Frank Rosaly e molti altri. www.erb.li \nGerry Hemingway (1955\, USA) impegnato nell’improvvisazione generata senza istruzioni\, strutture o accordi preordinati\, compositore\, cantante e film-maker\, componente dell’Anthony Braxton Quartet dal 1983 al ’94. www.gerryhemingway.com \nMagda Mayas (1979\, Germania) allieva del geniale pianista improvvisatore Misha Mengelberg\, ha affinato la tecnica del pianoforte preparato e sviluppato un particolare modo di suonare le corde attraverso preparazioni e oggetti che sono estensioni dello strumento stesso. www.magdamayas.com \nMedia Partner
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SUMMARY:Rassegna cinematografica - Archivi Mario Franco
DESCRIPTION:Domani giovedì 11 maggio alle ore 18.30 presso gli Archivi Mario Franco di Casa Morra prenderà il via la rassegna cinematografica correlata alla mostra MILLEUNO ALT ARRIGO LORA TOTINO\, inaugurata lo scorso mese di marzo\, con il supporto della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee (@museomadre)\, per l’edizione 2023 di Progetto XXI. \nIl ciclo di sei proiezioni\, curato dal regista Mario Franco\, eccezionalmente presente a questo primo incontro\, proporrà lo sguardo collaterale di alcuni tra gli artisti e autori\, la cui visionarietà e le cui avanguardie di appartenenza hanno in qualche modo contribuito alla formazione artistica e poetica di Lora Totino. \nIngresso gratuito – I film del presente appuntamento saranno: \nMarcel Duchamp\, dal NU DESCENDANT UN ESCALIER al ANÉMIC CINÉMA (1995\, 15’35’’) \nMax Ernst\, DESIRE (da DREAMS THAT MONEY CAN BUY 1947\, 9’38’’) \nMan Ray\, LES MYSTÈRES DU CHÂTEAU DE DÉ (1929\, 27’) \nFernand Léger\, THE GIRL WITH THE PREFABRICATED HEART (da DREAMS THAT MONEY CAN BUY 1947\, 7’18’’) \nUna veloce panoramica su Duchamp (Blainville-Crevon 1887 – Neuilly-sur-Seine 1968)\, l’artista più importante del movimento dada e tre filmati di tre artisti tra i maggiori esponenti delle cosiddette avanguardie storiche: Max Ernst (Brühl\, 1891 ‒ Parigi\, 1976) uno dei grandi intellettuali a tutto campo del Novecento\, che ha attraversato\, da protagonista\, correnti e mutamenti nello spirito del tempo. Man Ray\, pittore\, fotografo e cineasta (Filadelfia\, 1890 – Parigi\, 1976)\, tra gli sperimentatori più noti in ambito foto-cinematografico. Fernand Henri Léger (Argentan 1881 – Gif-sur-Yvette\,1955)\, pittore cubista caratterizzato dall’assunto che i tempi moderni sono segnati da “velocità e contrasto”.
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SUMMARY:PARADISE NOW - Masterclass Living Theatre Europa
DESCRIPTION:Living Theatre Europa\nin collaborazione con\nCSR AMÀLA\ne Fondazione Morra\npresenta \nPARADISE NOW\nCHI SIAMO? DA DOVE VENIAMO? DOVE ANDIAMO?\nRITUALI E TEATRO POLITICO\nmasterclass intensiva\nsulla tecnica del Living Theatre\ndiretta dal regista Gary Brackett \nDAL 22/04 AL 01/05 2023\nCasa Morra – Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/C\, Napoli \n  \nL’azione è evocare reciprocamente lo spirito di se stessi\, e in se stesso capire il genio degli altri\, e successivamente esprimerlo. Comunicazione. Il momento di apoteosi quando un collectivo di individui diventa se stesso. Dov’è il regista? Lei-lui sono degli splendidi partecipanti\, non più alienati dagli attori\, gli attori dal regista. \nJulian Beck\, La vita del teatro \n  \nOggi viviamo immersi in opposti apparentemente inconciliabili e soffriamo tutti per una comunità mancante che potrebbe guarire le ferite dell’alienazione.\n1968: Il Living Theatre si riunisce per chiedersi quale sia la domanda scottante del contemporaneo.\nPartendo da questo stesso quesito\, ogni partecipante del laboratorio contribuirà al processo di creazione collettiva.\nIl nostro punto di partenza per questo lavoro sono le creazioni collettive di The Living Theatre\, alcuni dei più importanti capolavori del teatro moderno che hanno cambiato per sempre il ruolo tra attore e regista\, tra il pubblico e l’artista: Mysteries and Smaller Pieces\, Frankenstein\, Antigone\, Paradise Now e Sei Atti Pubblici. \nIl laboratorio è aperto ad attori professionisti e non.\nUn lavoro di creazione collettiva finalizzato alla realizzazione dello spettacolo. Al termine del laboratorio è prevista una performance dimostrativa del lavoro svolto. \nLa call completa è scaricabile QUI. \n  \nPer maggiori informazioni \nCSR AMÀLA\nCristiana: 349 2343967\nAnna Rita: 348 3385520\nassociazioneamala@gmail.com \nFONDAZIONE MORRA\nSalita San Raffaele 20/C\, Napoli\ninfo@fondazionemorra.org\nwww.fondazionemorra.org
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SUMMARY:milleuno ALT - Arrigo Lora Totino
DESCRIPTION:milleuno ALT – Arrigo Lora Totino \nun progetto a cura di Giovanni Fontana\, Giuseppe Morra e Patrizio Peterlini\ndal 16 marzo al 31 luglio 2023 \ncon una programmazione di incontri e performances 16 – 17 – 18 marzo 2023 \nCasa Morra Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/C\, Napoli \nLa Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee\, in collaborazione con Fondazione Morra\, nell’ambito dell’edizione 2022 di Progetto XXI\, con lo scopo di dare continuità alla manifestazione Mille Nanni tenuta a Casa Morra nel 2022\, inaugura la seconda edizione con milleuno ALT – Arrigo Lora Totino. Il dispositivo espositivo nasce dalla collaborazione tra la Fondazione Morra\, la Fondazione Bonotto e la Fondazione Berardelli\, come sintesi della poliedricità di Lora Totino – fra i maggiori protagonisti della scena avanguardistica contemporanea – espressa da un’ampia gamma di tecniche interdisciplinari\, intermediali\, sinestetiche e da molteplici testimonianze d’archivio. L’incessante curiosità\, l’inquieta ricerca e il forte senso di libertà creativa definiscono nuovi spazi visivi\, verbali e acustici\, con un linguaggio di espressione altamente sperimentale fatto da cromofonemi\, verbotetture\, poesie ginniche\, fotodinamiche simultanee\, mimodeclamazioni\, concerti bruitisti\, poesia e musica liquida\, nonché “pappapoemi” e “macchine celibi”. La dualità dei risultati di Lora Totino\, basata sulla fusione dinamica tra ricerca scientifica innovativa e pratica artistica sperimentale\, lo ha reso una figura paradigmatica che opera in un’intersezione di numerosi generi\, istituzioni e aree di interesse. \nSeguendo le attitudini relazionali di Lora Totino e la sua fitta rete internazionale di scambi e collaborazioni intellettuali\, da ricondurre a una dimensione di impegno socio-culturale precursore di nuove energie creative\, sono state programmate tre giornate di incontri con i performer Giovanni Fontana\, Alessandra Sorrentino\, Girolamo De Simone\, Lello Voce\, Luigi Cinque\, Andrea Rossi Andrea\, Renato Grieco\, e gli studiosi Barbara Anceschi\, Patrizio Peterlini\, Alessandra Acocella\, Pasquale Fameli\, Domenico Mennillo\, Giancarlo Alfano\, Giuseppe Andrea Liberti\, Valentina Panarella\, Stefania Zuliani. \nCome asse tangente inedita\, Domenico Mennillo ha selezionato dei documenti e “costellazioni” attraverso un percorso critico e analitico dal prezioso Archivio Arrigo Lora Totino (acquisito dalla Fondazione Morra dagli anni Ottanta con il supporto di Lou Braghin Lora Totino). \nInoltre all’interno del percorso espositivo sarà presente VADUZ 1974\, un’installazione sonora di Bernard Heidsieck\, altro grande protagonista della poesia sonora internazionale\, amico e sodale di Lora Totino in diversi progetti e iniziative. \nDa maggio a luglio\, negli spazi degli Archivi Mario Franco\, sarà presentato un programma speciale di sei proiezioni cinematografiche\, relative alle avanguardie storiche\, con particolare attenzione al Futurismo e alle sperimentazioni degli anni Sessanta e Settanta\, a cura di Mario Franco. \nLa produzione artistica intermediale di Arrigo Lora Totino innesca un’ulteriore esplorazione della corrente d’avanguardia relativa alla poesia visiva e all’uso della parola in tutte le sue declinazioni. La Fondazione Morra intende porsi come soggetto di connessione\, ricucendo esperienze parallele e prefigurando possibili percorsi di ricerca per il futuro. \nProgetto XXI è la piattaforma attraverso la quale la Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee si propone\, sin dal 2012\, di esplorare da un lato la produzione artistica emergente\, nella sua realizzazione teorico-pratica\, e dall’altro le pratiche artistiche più seminali degli ultimi decenni\, nella loro esemplare proposta metodologica. Il progetto contribuisce così alla produzione e alla diffusione di narrazioni e storiografie alternative del contemporaneo e alla definizione di un sistema regionale delle arti contemporanee basato sulla collaborazione e l’interscambio fra istituzioni pubbliche e private operanti nella Regione Campania. \nLa mostra è finanziata con fondi POC (PROGRAMMA OPERATIVO COMPLEMENTARE) Regione Campania. \nFondazione Donnaregina per le arti contemporanee / museo Madre\nVia Luigi Settembrini\, 79\, 80139 Napoli\nTel.: +39 081.239.56.53\nSito: www.madrenapoli.it
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SUMMARY:Due giorni con Dean M Roberts
DESCRIPTION:DUE GIORNI CON DEAN M ROBERTS\nvenerdì 10 e sabato 11 marzo 2023\nCasa Morra Salita San Raffaele 20/C Napoli \nAotearoa New Zealand experimental film program a cura di Dean M Roberts\nSolo Performance di Dean M Roberts\nvenerdì 10 marzo 2023 dalle ore 19:30 \nCritical Analysis and Contextual Awareness in Improvisation and Contemporary Music and Sound Arts\ncondotto da Dean M Roberts\nTony Conrad: Completely in the Present di Tyler Hubby\nsabato 11 marzo 2023 dalle ore 11:00 \nVenerdì 10 e sabato 11 marzo 2023 a Casa Morra Archivi d’Arte Contemporanea\, due giorni di eventi a cura di Dean M Roberts\, tra i principali professionisti della musica contemporanea in Nuova Zelanda\, attivo dalla metà degli anni 1990 ad oggi con più di 20 album ed incarichi come professore in studi sonori\, ecologia acustica ed intermedia arts. \nVenerdì 10 marzo si inizia alle ore 19:30 con Aotearoa New Zealand experimental film program\, quattro opere filmiche il cui denominatore comune è lo straordinario paesaggio della Nuova Zelanda. Le videoproiezioni spaziano intorno a vibranti osservazioni globali\, associazioni e traduzioni extralinguistiche: The Other Mother di Ronnie Van Hout riflette su tormentati rapporti familiari\, Apple Pie di Sam Hamilton è progettato per funzionare anatomicamente come una struttura complessa vivente\, Horse di Jessica Bluck indaga il senso della vita attraverso la rivisitazione di fatti storici del 1869 durante le Guerre Māori per le Terre\, Erewhon di Gavin Hipkins è il viaggio del narratore verso una società immaginaria in cui il vegetarianismo è la legge e le macchine sono bandite. \nA seguire\, solo performance di Dean M Roberts: un’eccezionale esecuzione per voce e chitarra elettrica che intreccia elementi di rock\, elettro-acustica\, minimalismo e improvvisazione in cicli di canzoni insolitamente coinvolgenti. \nSabato 11 marzo alle ore 11 inizia il workshop Critical Analysis and Contextual Awareness in Improvisation and Contemporary Music and Sound Arts condotto da Dean M Roberts\, professore presso The Institute of Speculative and Critical Inquiry: Collaborative Experimentation in Sound alla Berkeley University in Portogallo. \nIl workshop è progettato per studenti\, professionisti o partecipanti curiosi di qualsiasi età dai 18 ai 100 anni e non richiede alcuna esperienza musicale\, soltanto un puro interesse per il suono\, la partecipazione sociale e la sperimentazione. I partecipanti possono essere strumentisti\, sperimentatori elettronici\, poeti\, attori\, registi\, studenti impegnati in performance art e studi sonori\, o chiunque è interessato a un workshop di sperimentazione collaborativa nel suono… \nIl punto di partenza del workshop è la proiezione alle ore 12:00 aperta a tutti di Tony Conrad: Completely in the Present\, un documentario di Tyler Hubby che esamina la vita pionieristica e le opere del film-maker\, musicista\, artista ed insegnante Tony Conrad. \nDopo la proiezione e la discussione del film\, è data l’opportunità di esplorare l’ambiente sonoro e documentare i suoni di una “passeggiata sonora”. Forse alcune persone desiderano registrarsi suonando uno strumento\, o formare un gruppo per improvvisare\, incoraggiati a camminare per le strade\, i giardini urbani\, la metropolitana\, ecc. ed esplorare l’esperienza sonora. \nDurante il workshop\, sono assegnati alcuni compiti guidati\, ad esempio il gruppo è incoraggiato a partecipare a un esercizio vocale collettivo basato sulla partitura istruttiva della compositrice Pauline Oliveros così come sulla partitura grafica Treatise del compositore Cornelius Cardew\, un fondamentale ‘Visual Score’ per gli improvvisatori. \nIl workshop culmina in un incontro alle ore 19:00 in cui il gruppo contemporaneamente riproduce il diario audio raccolto individualmente nel pomeriggio. Il riferimento è la filosofia di John Cage del rumore randomizzato e semi-organizzato così come la musica di R. Murray Shaefer\, e la partitura All Cracked Medias di Dean M Roberts. \nIl workshop è in lingua inglese – quota di partecipazione € 10\,00 \nPer l’iscrizione inviare un’e-mail a info@fondazionemorra.org
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SUMMARY:Luciano Cilio – Dialoghi del presente
DESCRIPTION:Casa Morra – Archivi d’Arte Contemporanea\nLuciano Cilio – Dialoghi del presente \na cura di Giuseppe Morra e Girolamo De Simone\nArchivio Konsequenz – De Simone\nIncontri di studio e formazione \nMercoledì 1 marzo 2023\, ore 18\,00\nSalita San Raffaele 20/c\, 80136 Napoli \nOggi per musica contemporanea si ‘malintende’ tutta la musica successiva a John Cage e soprattutto ai suoi imitatori. Si tratta di musica sperimentalistica che ha avuto una sua funzione importante\, ma che ritengo abbia ora esaurito il suo compito. Per contemporanea io intendo invece la musica attuale\, quella che si fa oggi. Ecco perché ho intitolato il mio LP “Dialoghi del presente”.\nLuciano Cilio\, 1977 \nMercoledì 1 marzo 2023 (ore 18\,00) si terrà al Museo Casa Morra\, a Napoli\, un incontro di studio e formazione dedicato a Luciano Cilio\, per celebrare il 40° anniversario della scomparsa\, avvenuta a Napoli nella notte tra il 20 e il 21 maggio del 1983. \nL’evento prevede prime esecuzioni di musica elettronica ispirate dinamicamente alla memoria del compositore e performances live sul pianoforte appartenuto a Luciano Cilio. Lo strumento\, restaurato da Gennaro Mitilini\, è stato donato alla Fondazione Morra da Girolamo De Simone\, e risuonerà per la prima volta in pubblico dopo tanti anni negli spazi di Casa Morra\, grazie alla grata partecipazione di pianisti/compositori di chiara fama\, quali Eugenio Fels\, considerato l’interprete storico di Luciano Cilio\, Lorenzo Pone e Andrea Riccio. Ma il senso dell’operazione\, che intende sostenere un ricordo di Cilio dinamico\, proiettato e declinato al futuro\, quindi propulsivo\, creativo e immaginativo\, non sarebbe stato compiuto senza la partecipazione di numerosi giovani che a loro volta azioneranno lo storico strumento\, un piano a rullo Zimmermann\, tra i quali il jazzista Alessandro Silvestro\, il pianista/compositore Domenico Di Francia e il multistrumentista-performer di musica elettronica Francesco De Simone. \nLuciano Cilio\, Dialoghi del presente è il secondo appuntamento di un ciclo che consolida la presenza di un polo di riferimento internazionale per le musiche contemporanee: l’Archivio Konsequenz – De Simone. Ospitato nei locali di Casa Morra\, l’Archivio realizza la possibilità di \naccesso e fruizione di spazi fisici appositamente destinati alla consultazione di archivi\, spartiti\, manoscritti\, pubblicazioni e opere visive dei principali compositori venuti a contatto con la Fondazione Morra e con la factory Konsequenz. Tra questi: Enore Zaffiri\, Pietro Grossi\, Giuseppe Chiari\, Daniele Lombardi\, Max Fuschetto e molti altri. \nIl programma del primo incontro prevede la visione di documenti e video inediti commentati da Giuseppe Morra\, Gabriele Montagano e Girolamo De Simone. \nPer l’occasione\, inoltre\, verrà presentata al pubblico la nuova edizione a stampa della “Quarta Sonata” di Luciano Cilio realizzata da Girolamo De Simone per le Edizioni Konsequenz-Liszt. \nMusica lieve come soffio \nQualche anno fa chiudevo un certo discorso su Luciano Cilio con questa frase: “ma noi siamo ancora qui\, esausta crepa di un sistema che per riprodursi ha la necessità di azzerare qualsiasi voce desideri essere autenticamente libera”. Volevo segnalare l’ostinazione\, ma anche la stanchezza\, degli amici storici di Luciano nel mantenerne viva la memoria e la musica. \nOggi\, evidentemente\, esistono anche altri ‘fiancheggiatori’ non rassegnati a subire la profonda ingiustizia di un sistema culturale che ha pervicacemente ignorato e soppresso alcune delle più autentiche esperienze di produzione musicale nate nelle nostre città. \nAnche oggi vi sono molti giovani la cui vita è come sospesa\, alla diuturna ricerca di nuovi dialoghi\, urla che potrebbero squarciare il silenzio di quanti intendono solo ‘conservare’ e ‘restaurare’; giovani che non riescono a vivere di ciò che fanno\, amano\, producono. Ciò rende attualissimo ragionare sulla vicenda umana e artistica di Cilio\, perché in questa anomalia italiana risiede la ragione profonda del suo gesto estremo. \nAnni fa composi un brano intitolato con semplicità “Luciano”. Brevissimo\, lieve come soffio\, evocava le atmosfere dei suoi Dialoghi\, quasi chiudendo un cerchio. Ne pubblicai lo spartito in un libro\, in ossequio al compimento\, che solo salva\, e con duplice auspicio: che tanti possano in futuro innamorarsi e suonare questa musica; e che il mondo istituzionale di questo esausto paese possa finalmente svegliarsi\, riconoscere e far propria l’emergenza/emersione di tanta altra produzione rimossa e ancora ignorata.\nGirolamo De Simone \nLa partitura assente \nPrimo quadro: Gilles Deleuze e la ferita\nOgni segno è segno di un presente\, di una ferita \nLa morte di Luciano è ciò che resta della ferita. Noi siamo ciò che resta della ferita. Una sutura pronta a sanguinare appena ci strappano dal presente. Un segno che viene dal passato\, traccia che non ha ancora fatto i conti con il dolore\, con la perdita\, con la dimenticanza. Ogni segno è segno di un presente\, di una ferita e la cicatrice è il segno non della ferita passata\, ma del fatto presente di aver ricevuto una ferita. \nE così Luciano è l’errore necessario della sua città\, della nostra città che ci inchioda al non detto. È l’errore di Napoli e del suo apparire imperfetto. \nQuando Napoli negli anni ’80 era splendore e fuoco\, illuminata da quello che oggi Paolo Sorrentino chiamerebbe entusiasmo immotivato\, Cilio inciampava sulla scena artistica con la sua imperfezione. Una costellazione poetica che si alimentava di produzioni marginali al margine del sapere veicolato. La scrittura di Luciano si rappresentava come delirio incodificabile\, suono che sfigurava la grammatica traducendo il limite in linguaggio. Il suono imperfetto e liquido di Cilio si offriva come abbandono del linguaggio alle grammatiche dell’esistenza. \nIl suono di Cilio si tra – mutava in sentire liquido\, in visioni e audizioni della città porosa. Si poteva intercettare solo se si attraversava nomadi il mondo.\nMa Napoli non era pronta per generare nuove grammatiche e sintassi. \nSecondo quadro: A.J. Greimas \nOgni nostro apparire è imperfetto  \nNapoli vive la dissipazione come atto ontologico. Esiste per perdersi. Si perde e si inebria di grazia e bellezza. Si può solo resistere. La resistenza è sempre una scrittura a margine e Cilio era questo margine dove il suono vive di ricordi non conciliati. Noi lavoriamo l’imperfezione del nostro esistere. Ogni nostro apparire resta imperfetto. Siamo in attesa. Viviamo nell’attesa di procurare interstizi di solitudine e di silenzio a partire dai quali avremo finalmente qualcosa da dire.\nLa breve parabola di esistenza di Cilio ci ricorda che i suoni bisogna lasciarli andare e trattenere solo quello che non hanno detto o non hanno potuto dire. Le parole e i suoni hanno una loro vita che nulla dicono se ancorate al testo generativo. Bisogna generare una grammatica del discorso che prenda forma dal corto circuito generato dall’incontro tra la vita e l’incidente del linguaggio. Ci ricorda che il dolore è sempre carico di senso\, che bisogna tacere. Avere coraggio di tacere per dare spazio all’unica parola necessaria… in attesa che la parola possibile diventi silenzio.\nGabriele Montagano
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SUMMARY:IL MUSEO CHE VERRÀ - CALL FOR PROPOSAL
DESCRIPTION:CASA MORRA – ARCHIVI D’ARTE CONTEMPORANEA\ne ICOM-CAMPANIA \npresentano \n  \nIL MUSEO CHE VERRÀ\ncomunità | ricerca | innovazione\nII EDIZIONE\n  \nCALL FOR PROPOSAL\nDAL 9 FEBBRAIO AL 31 MARZO 2023\nSei uno studente o un giovane professionista?\nRaccontaci la tua idea per ripensare il ruolo sociale dei musei connessi alle giovani generazioni ed entra in ICOM Italia. \n  \nQUANDO\nDal 9 febbraio al 31 marzo 2023 \nORGANIZZATO DA\nFondazione Morra e ICOM-Campania \nIN COLLABORAZIONE CON\nRegione Campania\nUniversità degli studi della Campania Luigi Vanvitelli\nAccademia di Belle Arti di Napoli\nPrime Minister | Scuola di politica per giovani donne\nMediateur | Museinforma\nFAI Campania. \nREQUISITI PER LA PARTECIPAZIONE \nGiovani professionisti museali under 35 e studenti iscritti regolarmente per l’anno accademico 2023 ad un corso di laurea/accademia di belle arti/dottorato/scuola di specializzazione/master inerenti all’ambito museale (Museologia\, Museografia\, Museotecnica\, Beniculturali\, Storia dell’arte\, Restauro architettonico\, Archeologia\, Comunicazione e Gestione dei beni culturali\, Conservazione e Diagnostica dei beni culturali\, etc.) residenti in Campania. \nINFO E ISCRIZIONI\ncampania@icom-italia.org \nVerranno selezionate le migliori 50 proposte che sapranno dare forma alla loro idea di museo pensato in una relazione sociale con la propria comunità\, sviluppando un’ipotesi di prospetto di innovazione sociale.\nSaranno privilegiati gli elaborati che vedranno i musei come riferimenti importanti per le comunità di prossimità\, musei pensati e vissuti non solo come custodi di tesori artistici e testimoni di memorie\, ma soggetti attivi in grado di incidere sul miglioramento del benessere della collettività. \n  \nSCARICA LA CALL COMPLETA QUI. \nVAI AL FORM DI PARTECIPAZIONE \n  \nISCRIZIONE GRATUITA \nDEADLINE\n31.03.2023 \n  \nInfo e contatti: \nFONDAZIONE MORRA\ncasamorra@fondazionemorra.org \nCOORDINAMENTO REGIONALE CAMPANIA DI ICOM ITALIA\ncampania@icom-italia.org
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SUMMARY:Nick Teplov - Laboratorio Avella
DESCRIPTION:Fondazione Morra e Laboratorio Avella\npresentano \nNICK TEPLOV – LABORATORIO AVELLA \nVenerdì 6 gennaio 2023\ndalle 10:00 alle 14:00\nLaboratorio Avella di Casa Morra\nSalita San Raffaele 20/C\, Napoli \nL’artista Nick Teplov terrà una lezione di tecniche di ceramolle e fotoincisione. \nNick Teplov è un artista\, regista e graphic designer. Ha studiato arti grafiche a San Pietroburgo e a Burg Giebichenstein University ad Halle in Germania.\nSi occupa di incisione\, fotoincisione e fotografia analogica. Attualmente vive e lavora a Lipsia. \nnickteplov.com\nig @bureau44 \n  \n 
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SUMMARY:CASA MORRA E IL MUSEO HERMANN NITSCH VI AUGURANO BUONE FESTE
DESCRIPTION:CASA MORRA – ARCHIVI D’ARTE CONTEMPORANEA \nSalita San Raffaele 20/C Napoli \nvi aspettiamo tutti i giorni\nmar-ven 10:00-18:00\nsab 10:00-14:00 \nCasa Morra resterà chiusa\n24\, 25\, 26 e 31 dicembre 2022 e 1 gennaio 2023 \ncasamorra@fondazionemorra.org | www.casamorra.org \n  \n\n		\n		\n			\n				\n			\n		\n\nMUSEO HERMANN NITSCH\nVico Lungo Pontecorvo 29/c\, Napoli \nvi aspettiamo tutti i giorni\nlun-ven 10:00-19:00\nsab 10:00-14:00 \nil Museo resterà chiuso\n24\, 25\, 26 e 31 dicembre 2022 e 1 gennaio 2023 \ninfo@museonitsch.org | www.museonitsch.org
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SUMMARY:Neapolitan Dialogues II
DESCRIPTION:Venerdì 9 dicembre\, alle ore 18.30\, presso Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\, le artiste Cansu Çakar e Serra Tansel\, in dialogo con Lea Nocera\, professoressa di Lingua e letteratura turca de L’Orientale di Napoli\, condurranno un talk d’artista. L’incontro sarà moderato da Vittorio Urbani\, referente dei rapporti internazionali di Fondazione Morra. \nNeapolitan Dialogues II si pone come momento conclusivo della seconda edizione del programma “Neapolitan Dialogues”\, che prevede scambi di residenze di artisti provenienti dalle città di Istanbul e Lisbona. Processo mobile e libero da ogni forzatura o da obblighi performativi\, il progetto di residenze attiva una serie di riflessioni che gli artisti possano interiorizzare\, assimilare e rielaborare nei propri percorsi personali. Nella prima edizione del 2021\, la residenza è stata assegnata agli artisti Cagri Taskin e Huo Rf. \nCansu Çakar e Serra Tansel condurranno una conversazione con il pubblico\, presentando le proprie pratiche e attivando un momento di dialogo e di immaginazione collettiva. \n“Neapolitan Dialogues” è sostenuto da Elgiz Museum (Istanbul) e T-One Foundation (Istanbul). \n  \nCansu Çakar “Nella mia ricerca mi interesso alle vaglie presenti nell’immaginario estetico\, riscontrabili nelle influenze occidentali e “moderne” sulla pratica pittorica dei paesi orientali. A ciò si intreccia l’interesse per i contesti sociali e culturali. Nel mio lavoro pittorico metto in relazione i motivi decorativi tradizionali con questi temi. Credo che a definire la realtà non siano idee e concetti “importati”\, ma piuttosto dei valori estetici lasciati nell’oblio e dimenticati nella complessità delle stratificazioni sociali.  \nUtilizzando le tecniche e i linguaggi dell’arte tradizionale come mediazione\, e investigando le problematiche del contemporaneo\, sottolineo l’assurdità del conflitto fra mondo moderno e mondo tradizionale. Credo ardentemente che un linguaggio non muoia mai\, ma semplicemente cambi forma e sopravviva\, e per questo mi interesso a linguaggi artistici antichi. \nNonostante sia un tema ancora dibattuto\, molti accademici credono che nell’antichità non si conoscesse il sistema della prospettiva frontale. Vorrei lasciare la domanda aperta\, dato il mio punto di vista sugli affreschi di Pompei. Il fatto che la tecnica compositiva bidimensionale\, che si riscontra nella pittura miniata a cui mi interesso\, sia concepita come pittura senza prospettiva\, è un’informazione falsa e superficiale\, e questo è un problema che spesso sottolineo. Nelle pittura miniata si adotta in realtà un approccio molto attento a diversi tipi di prospettive. La prospettiva plurale è un modo per attraversare la realtà in molti modi\, secondo diversi punti di vista\, mentre si descrive e costruisce uno spazio. Questa\, inoltre\, è un modo di inserire il soggetto e l’osservatore nel dipinto\, si può quindi dire che è una “forma simbolica” che esprime un tipo di cultura new-age.  \nHo il desiderio di attraversare le stratificazioni dei materiali\, delle storie\, delle strutture sociali che formano la città di Napoli nella sua complessità\, e ho intenzione di dare a queste una forma visiva. Cosi come le narrazioni che partono dal basso e giungono alla superficie\, i fenomeni di classe che colorano le strade nei piani terreni\, o le terrazze vuote che si affacciano sul mare\, saranno elementi allusivi di dipingere Napoli\, cercando di comprenderne la complessità.”  \nSerra Tansel “Abbiamo tentato di attraversare la città di Napoli con sguardi differenti: in primo luogo con uno sguardo da esterne\, da estranee o turiste\, poi da collaboratrici e tentando di stringere alleanze con le persone che vivono nella città\, nella serie di attività in cui siamo state impegnate. La molteplicità di queste posizioni ha fatto sì che\, nei nostri approcci\, curiosità e familiarità coesistessero. \nIn Turchia\, quando qualcuno non chiude la porta dietro di sé lasciando una stanza\, si usa dire: “Il villaggio da cui provieni non ha una porta?”. Credo che questo modo di concepire la privacy sia legato ai processi di modernizzazione e di civilizzazione\, che ci inducono all’estraniazione e alla costruzione di confini sempre più netti. Napoli ha molte porte aperte; non perché abbia mancanza di privacy o segreti\, ma perché è possibile nascondere qualcosa potenziandone la visibilità o la narrazione. Ho l’impressione che questa città abbia modalità numerose e complesse di elaborare la privacy\, che non consiste necessariamente nel chiudere le porte. Questa intimità condivisa nello spazio pubblico\, le modalità con cui le persone si riappropriano delle strade\, la struttura per formativa della città stessa\, sono gli aspetti che più mi hanno interessata della città e su cui ho intenzione di lavorare nel mio processo di resistenza.” \nL’evento sarà tenuto in lingua inglese con traduzione in italiano simultanea.  \nCansu Çakar (1988\, Istanbul) vive e lavora a İzmir. Nella sua ricerca\, intreccia i linguaggi artistici tradizionali\, come il disegno decorativo e la miniatura\, con pratiche e processi contemporanei\, con l’intento minare ogni sistema stereotipato e categorizzante. Çakar pone particolare attenzione verso l’immaginario visivo dominante ed elabora pratiche di ripensamento dei sistemi di potere secolarizzato\, con un particolare focus sulle questioni di genere. \nFra i più recenti progetti si ricordano NATURE AND STATE\, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden (Baden-Baden\, 2022); Fore-Edge Painting\, MACRO Museo d’Arte Contemporanea di Roma e Bibliotheca Hertziana (Roma\, 2021); The 6th Ural Industrial Biennial of Contemporary Art\, The Optical and Mechanical Plant (Yekaterinburg\, 2021); BB11- 11th Berlin Biennale for Contemporary Art\, The Crack Begins Within\, KW (Berlino\, 2020); Miniature 2.0\, Pera Museum (İstanbul\, 2020); The Crime of Mr. Adolf Loos\, Axel Vervoordt Gallery (Antwerp\, 2019); Cappadox Contemporary Art Program (Cappadocia\, 2018); Linear Transcendency” at the Lab- Darat al Funun (Amman\, 2016); SALTWATER: A Theory of Thought Forms. 14th Istanbul Biennial- 100°- FLO (İstanbul\, 2015). \nSerra Tansel (1989\, Istanbul) vive e lavora a Londra. Nella sua ricerca si concentra sugli intrecci\, sulle relazioni\, sui legami esistenti fra corpi e mondo\, sulle modalità di costruzione di confini nei contesti urbani\, domestici\, nelle strutture in generale. Adottando un approccio interdisciplinare e lavorando su contesti culturali e sociali specifici\, le pratiche di Tansel si insinuano nelle culture mainstream\, minandone le strutture e alterandone le logiche. Serra Tansel è parte del collettivo musicale Makkam e uno dei volti di Hayırlı Evlat. \nFra i più recenti progetti si menzionano SH/FT\, No Show Space (Londra\, 2021); A Question of Taste\, Pera Museum (Istanbul\, 2021); “Passion can create drama out of inert stone”?!\, Peak\, Elephant & Castle Shopping Mall (London\, 2020); Higher\, Pilot Gallery\, (Istanbul\, 2020).
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SUMMARY:Cluster di memoria
DESCRIPTION:Giovedì 1 dicembre 2022\, alle ore 18:00\, si terrà a Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea un incontro di studio e formazione dedicato al compositore fiorentino Daniele Lombardi\, attivo a Napoli grazie a una stretta collaborazione con Fondazione Morra e con la rivista di musiche contemporanee Konsequenz.\nCluster di memoria sarà un’occasione per presentare un ciclo di iniziative volte a consolidare la presenza di un polo di riferimento internazionale per le musiche contemporanee: l’Archivio Konsequenz – De Simone. \nOspitato negli spazi di Casa Morra\, l’Archivio Konsequenz – De Simone offre possibilità di accesso a spazi destinati alla consultazione di archivi\, spartiti\, manoscritti\, pubblicazioni e opere visive dei principali compositori\, venuti a contatto con Fondazione Morra e con la factory Konsequenz.\nIl programma del primo incontro prevede la visione di documenti video inediti di Daniele Lombardi\, commentati da Giuseppe Morra\, Gabriele Montagano e Girolamo De Simone. Ci si riferirà ai testi delle “Autointerviste” dedicate al pianismo e ai pianisti. Al termine\, Chiara Mallozzi eseguirà dal vivo “Grafemi 2\, per violoncello solo” (1979)\, uno dei più interessanti lavori per arco di Daniele Lombardi. \nPer Daniele\, chez Morra \nDaniele Lombardi (1946 – 2018)\, pianista\, compositore e artista visivo\, ha condotto per anni una ricerca sulla fusione e la convergenza tra suono\, segno e colore\, nel compimento di una traslazione visiva delle emozioni sonore\, e tuttavia rimbalzando tale ambito emozionale da un linguaggio all’altro. Ha usato il bianco/nero\, alludendo all’alternanza dei tasti di un pianoforte\, come può notarsi dai tipici e ampi pannelli bianco-neri posti/esposti a sfondo\, quasi silhouettes\, del piano da concerto nel suo laboratorio d’arte fiorentino.\nChi però ha davvero ascoltato la musica di Daniele Lombardi\, sa che questi segni nulla più mantengono di meramente speculativo: essi si traducono in effettive\, nuove\, sonorità\, specie laddove vengano riprodotte dal vivo\, al pianoforte\, con strabiliante gesto esecutivo del loro autore\, o al violoncello\, come avviene ad esempio in “Grafemi 2” (1979). In Mitologie 5 (2003)\, filmato che mi donò un anno prima della scomparsa\, e che verrà riproposto in occasione di “Cluster di memoria” (Casa Morra\, negli spazi destinati all’Archivio Konsequenz – De Simone\, giovedì 1 dicembre 2022)\, Lombardi ramifica altri analoghi\, innovativi percorsi video\, tracciati in modo seminale già dalla home-art di Pietro Grossi. Alle immagini\, oggi riconoscibili come parte integrante del suo stile\, uccelli-suono\, per usare una visione ricorrente in molti musicisti e poeti\, Lombardi accostava naturaliter l’esecuzione della Musica Virtuale 17\, nella caparbia esplorazione\, quella dell’immagine in movimento\, tipica anche di altra sua produzione.\nDaniele Lombardi ha sortito successo e affermazione al di là dei confini italiani; e trovato\, specie nell’ambito dell’Arte (costellazione tradizionalmente più avanzata rispetto alle asfittiche programmazioni della musica ‘contemporanea’ nostrana)\, grata accoglienza presso Fondazioni\, Musei\, Edizioni d’Arte. Egli è oggi consegnato alla storia\, a mio avviso\, come uno dei più importanti ‘visivisti’ italiani\, ultimo erede di una tradizione\, ancora non sufficientemente celebrata\, partita forse nel nostro Paese dalle ‘azioni’ gestual-concettuali di Giuseppe Chiari\, con i tipici e celebri ‘attacchi’ con colori o inchiostri a fogli di musica e a strumenti musicali.\nLombardi ha pubblicato pianistici manuali ‘divergenti’\, con inusuali grafie\, curato edizioni\, tracciato itinerari sulla musica d’arte\, promosso concerti e manifestazioni pubbliche nelle principali città europee e negli Stati Uniti. Celebri\, qui in Italia\, le performances per decine di pianoforti\, allineati per strade o in piazze delle città. E fu il primo a mostrarne la possibilità anche a Napoli. Konsequenz\, rivista/movimento che nacque nel 1994 in questa stessa città\, si avvalse della sua scrittura\, come della vicinanza della musica fiorentina di ricerca: Giancarlo Cardini\, Pietro Grossi\, Giuseppe Chiari furono infatti\, assieme a Daniele Lombardi\, nostri forti\, leali\, e indimenticabili fiancheggiatori e ispiratori. Con questo spirito ne riproponiamo la musica\, con cluster di memoria\, appunto: accordo/disaccordo di note ravvicinate per intervalli di seconda\, simili a un piccolo grappolo d’uva… \nGirolamo De Simone
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SUMMARY:Charles Bernstein - ECO / ECHO
DESCRIPTION:Venerdì 25 novembre\, alle ore 18.30\, presso Casa Morra. Archivi di Arte Contemporanea\, verrà presentato il volume Eco/Echo di Charles Bernstein\, edizioni del verri\, curato da Carla Buranello e con le traduzioni di Luigi Ballerini\, Gherardo Bortolotti\, Carla Buranello\, Marco Giovenale\, Milli Graffi. \nEco/Echo raccoglie le poesie scelte dall’autore\, a partire da Senses of Responsibility del 1979 fino agli ultimi testi pubblicati quest’anno negli Stati Uniti in Topsy-Turvy. Durante la serata\, l’autore realizzerà una performance relativa ai testi in inglese del volume\, letti in italiano dai poeti Giovanna Marmo e Tommaso Ottonieri; inoltre\, la serata prevede la presenza di Giancarlo Alfano\, docente di Letteratura Italiana all’Università degli Studi di Napoli Federico II\, della direttrice editoriale di edizioni del verri Barbara Anceschi e di Domenico Mennillo\, Direttore Scientifico della sezione Archivi di Casa Morra. \nIl volume presentato a Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea non è un’antologia con testo a fronte\, ma un libro bifronte: da una parte i testi in inglese\, dall’altra\, capovolto il volume\, le traduzioni a cura dei poeti italiani che hanno collaborato con Bernstein\, nell’elaborazione della poesia sperimentale. Il volume accoglie inoltre un saggio di Bernstein sui rapporti tra poesia americana contemporanea e poesia italiana. \nPer Bernstein la eco/echo-poetica è pensare alla scrittura ¬come forma di ascolto verso una “risonanza non lineare di un motivo che rimbalza su un altro. Ancora di più\, è la sensazione di allusione in assenza di allusione. In altre parole\, l’eco che sto cercando è uno spazio vuoto: l’ombra di una fonte assente” \nCharles Bernstein (New York\, 1950)\, poeta e saggista statunitense\, è fondatore e redattore con B. Andrews della rivista L=A=N=G=U=A=G=E (1978-81)\, ed esponente di punta dei Language poets. Ha insegnato alla State University of New York a Buffalo e alla University of Pennsylvania\, dove è professore emerito in inglese e letteratura comparata. È co-fondatore e co-curatore\, assieme ad Al Filreis\, di PennSound e curatore e co-fondatore\, con Loss Pequeño Glazier\, di The Electronic Poetry Center. Tra i libri più recenti: Topsy-Turvy (2021)\, Near/Miss (2018)\, Pitch of Poetry (2016)\, Recalculating (2013)\, Attack of the Difficult Poems: Essays and Inventions (2011)\, All the Whiskey in Heaven: Selected Poems (2010).
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SUMMARY:Gli Archivi
DESCRIPTION:L’impegno di Casa Morra. Archivi di Arte Contemporanea nel conservare\, tutelare e valorizzare i fondi archivistici prosegue negli anni. \nSu prenotazione\, è possibile visionare e svolgere ricerca presso: \nFondo Arrigo Lora Totino i materiali provenienti dall’archivio privato dell’artista torinese coprono l’arco temporale 1964 – 2016. Il Fondo\, seguendo l’organizzazione impostata originariamente da Lora Totino\, è stato ripartito nelle seguenti sezioni tematiche: Corrispondenza; Documentazione professionale; Documentazione a stampa; Documentazione Grafica; Documentazione Fotografica; Documentazione audio e video; Biblioteca privata. Il fondo è attualmente in corso di digitalizzazione. \nArrigo Lora Totino\, Amore tutto tatto dalla serie “Fotodinamiche Simultanee”\, 1975. © Amedeo Benestante / Courtesy Fondazione Morra \n  \nArchivio Storico del Living Theatre composto da circa 8.800 unità archivistiche\, è ripartito in 5 Fondi: Fondo Fotografico Living Theatre; Fondo Bibliografico Living Theatre; Fondo Living Theatre; Fondo Garrick Beck; Fondo Fondazione Morra. Si è conclusa nel 2022 la fase di digitalizzazione dell’Archivio. \nThe Living Theater\, Sei Atti Pubblici\, 1973 © Libero De Cunzo / Courtesy Fondazione Morra \n  \nArchivio Henri Chopin il materiale\, oggetto di una prima fase di  inventariazione\, concerne il periodo di sperimentazione delle neo-avanguardie. L’archivio è diviso in cinque sezioni: Documentazione varia (lettere\, dattiloscritti e monoscritti originali\, inviti\, cartoline\, fotografie); Riviste; Libri; Manifesti; Dischi. \nHenri Chopin\, Carpet’s project\, 1985. / Courtesy Fondazione Morra \n  \nPer prenotazioni e informazioni scrivere a: info@fondazionemorra.org\, specificando i campi di interesse e le finalità delle ricerche. \n 
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SUMMARY:Diciottesima Giornata del Contemporaneo - Mille Nanni
DESCRIPTION:Sabato 8 ottobre 2022 si celebra la XVIII Giornata del Contemporaneo\, manifestazione promossa da AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani\, che da diciotto anni coinvolge musei\, fondazioni\, istituzioni pubbliche e private\, gallerie\, studi e spazi d’artista per raccontare la vitalità dell’arte contemporanea in Italia. \nQuest’anno\, Fondazione Morra rinnova il proprio interesse per l’appuntamento\, aprendo gratuitamente al pubblico gli spazi della collezione permanente di Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\, ospitanti inoltre “Mille Nanni”\, mostra temporanea dedicata all’artista e amico Nanni Balestrini (1935- 2019)\, a cura di Giuseppe Morra. \n  \n“Mille Nanni”\, inaugurata il 1 luglio 2022\, in occasione dell’omonimo programma di incontri a lui dedicati\, restituisce al pubblico il percorso dell’artista\, riconsegnandone la complessità del pensiero\, attraverso l’esposizione di materiale d’archivio\, collages\, opere scultoree degli anni Novanta\, scritti in prosa e poesie. \nL’opera di Nanni Balestrini è segnata da un potente impegno creativo e politico\, manifestato attraverso un’instancabile ricerca sperimentale\, in grado di spaziare fra i diversi linguaggi espressivi. Acuto osservatore e protagonista della contemporaneità\, Balestrini ci invita a non guardare la realtà in modo monolitico\, ma ad attraversarla sempre con mille sguardi\, mille visioni\, per moltiplicarla\, stravolgerla\, sfidarla. L’universo dell’artista si compone di costellazioni di parole poetiche\, denudate\, talvolta violente\, volte alla ricerca di autenticità nel mondo dell’inautenticità neocapitalista. \n  \nA completamento della sala permanente già dedicatagli\, “Mille Nanni” si dispiega come una mostra diffusa negli spazi di Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\, gettando luce sull’approccio multidisciplinare dell’artista\, con particolare attenzione verso il suo sentire poetico. \n  \nsempre più in fretta/ ispira col naso/ batte sempre uguale/ ritrovarsi ridotti/ qui ancora a dire fare/ per arrivare a/ adesso non respirare/ sani e salvi e non sapere/ più chi siamo né (Nanni Balestrini\, Caosmogonia\, 2010).
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SUMMARY:Reverie - Sogno 5 : Icaro
DESCRIPTION:Venerdì 30 settembre 2022\, dalle ore 17.00\, Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea a Napoli ospiterà Reverie nell’azione performativa “Sogno 5: Icaro”.\nProgetto a cura di Isabella Morra e accompagnato da un testo di Piero Tomassoni. \nA conclusione del suo ciclo sul sogno\, condotto negli anni come alfabeto privilegiato di ricerca\, l’artista toscana reinterpreta in chiave contemporanea la figura di Icaro della mitologia greca\, dedicando alla città di Napoli la sua ultima performance sul tema onirico. Negli spazi esterni di Casa Morra\, Reverie\, sorretta da una gru\, riattualizzerà per il pubblico il fatidico volo di Icaro.\nIl mito di Icaro porta su di sé il peso della disobbedienza alle imposizioni\, alle regole\, alle leggi del mondo. È una sfida a ciò che rassicura\, è desiderio di superare i limiti umani\, è guardare verso l’alto e andare oltre; ma anche incoscienza e sfrontatezza del giovane e del sognatore\, la cui inesperienza diventa\, nell’opera di Reverie\, un esperire onirico e acquista un significato totalmente nuovo e attuale.\nIl suo Icaro è “contemporaneo”: una figura genderless\, con protesi al posto delle braccia\, che l’artista ha rappresentato anche attraverso alcune sue opere-indivenire: apparirà come una maestosa scultura in cera rossa\, elaborata sul calco della propria schiena\, e un paracadute della seconda guerra mondiale su cui è inserito un innesto in raso che riporta\, con la grafia cucita dall’artista\, l’incipit della biografia del nuovo Icaro\, ovvero la storia che ha dato vita al lavoro nel suo complesso e alla performance stessa.\nLa storia del progetto\, come sempre accade per l’artista\, nasce con l’intento di costruire dimensioni e memorie collettive che diventano territorio di condivisione tra artista e pubblico. Nell’open space di Casa Morra\, il rapporto fra Reverie e il pubblico si consoliderà nella comunione di una tensione emotiva\, secondo un’empatica relazione in cui le energie si fondono con il corpo dell’artista. \nIl mito di volare\, di toccare l’intangibile\, il cielo\, non esisterebbe senza il suo opposto: la caduta. Essi sono antimeri di una stessa radice: la spinta verso l’oltre\, un viaggio che accomuna l’uomo fin dai suoi primordi. (Isabella Morra) L’Icaro contemporaneo\, però\, si ricolloca nella storia in modo nuovo\, celebra la vita con le sue difficoltà\, solitudini\, pesi e sofferenze; è l’insieme di tutti gli esseri umani. “Icaro” è da secoli in Amazzonia il canto terapeutico e sapienziale che si tramanda da maestro a discepolo\, da pianta a guaritore. Oggi diventa anche il mantra di Reverie. (Piero Tomassoni) \nPer l’occasione\, gli spazi espositivi di Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea saranno aperti al pubblico dalle ore 16:00. \n  \nReverie (Vinci\, 1994) vive a Milano dedicando ad Arte ogni momento\, azione e ogni rosa della sua vita. Il suo nome anagrafico\, che coincide col nome che ha scelto per la vita e per l’arte\, è una dedica alla Poetica della rêverie di Bachelard (nomen omen). Lavora sulle contaminazioni\, interferenze di sguardi e reazioni concettuali ed emotive\, a partire dall’interiorità e dalla solitudine più profonda. Elabora performance che rappresentano la collettività\, la contemporaneità e il sentire tra reale e virtuale; dalla scintilla dell’intuizione elabora testi che infine materializza\, costruendo personalmente tutti gli elementi necessari all’azione. Attraverso l’antropologia\, la letteratura\, la filosofia\, la psicanalisi e le scienze\, ha fatto dello studio sul sogno\, anche “a occhi aperti”\, un’originale ricerca tesa a sviluppare un linguaggio artistico per indagare la realtà\, attraversando gli archetipi in quanto memorie e “sogni collettivi”. Su questo tema ha realizzato diversi lavori e ha pubblicato il volume “librosogni” con l’editore Skira (2021). Recenti mostre e performance: Il corpo dei sogni (mostra personale\, 2022\, Basilica di San Celso\, Milano); Sogno 5: Icaro (2022\, Casa Morra – Fondazione Morra\, Napoli);  Sogno 4: alba lunare (2021\, Festa della Ceramica\, Montelupo); Sogno 3: la camera degli specchi (2021\, FOG\, Triennale\, Milano); Sogno 2: The Sleeping Muse (2020\, Palazzina Liberty Dario Fo e Franca Rame\, Milano\, in collaborazione con Fondazione Mudima e a cura di Raffaella Perna); Sogno 1: l’archetipo del sé (2019\, Fondazione VOLUME!\, Roma). \nDialogo fra R e I – Intervista Isabella Morra \nUn Icaro per Reverie – Testo Piero Tomassoni \n  \n 
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SUMMARY:LABORATORIO VITTORIO AVELLA - CORSO DI ARTI GRAFICHE
DESCRIPTION:4 luglio – 10 ottobre 2022\nINIZIO 4 LUGLIO ORE 10:00\nLaboratorio Avella – Casa Morra\nSalita San Raffaele 20 c\, Napoli \nA cura di Vittorio Avella e Giovanni Timpani \nDopo l’ultima esperienza del 2021\, riparte il 4 luglio 2022 il Laboratorio Avella con un corso dedicato alle arti grafiche nella sede di Casa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea. Per la sua quarta edizione il laboratorio curato da Vittorio Avella e Giovanni Timpani propone un programma finalizzato all’apprendimento delle tecniche dell’incisione e di stampa d’arte tradizionali e sperimentali. I partecipanti verranno coinvolti in attività teorico-pratiche volte all’acquisizione di conoscenza e competenze nell’ambito culturale e professionale della Grafica d’Arte. \nProgramma \n– Introduzione storico-culturale alle Arti Grafiche \n– Progettazione e realizzazione di matrici incise attraverso tecniche tradizionali e sperimentali: \nxilografia\, linoleumgrafia\, puntasecca\, bulino\, maniera nera\, acquaforte\, acquatinta\, cera molle\, collografia\, carborundum\, metodo Hayter e metodo Goetz \n-Realizzazione di stampe d’arte originali: stampa a incavo\, stampa a rilievo\, stampa sperimentale\, monotipie. \nDurata e costo \nIl corso prevede 10 lezioni che si terranno nei mesi di luglio\, settembre e ottobre. Ogni lezione avrà la durata di 8 ore (10.00 – 18.00). \nLa quota di partecipazione al corso è di euro 500\,00. \nLa Fondazione Morra rilascerà ai partecipanti un attestato di frequenza al termine del corso.      \nSi allega alla presente il Modulo d’iscrizione\, che dovrà essere compilato e inviato\, insieme a un breve curriculum\, all’indirizzo casamorra@fondazionemorra.org \nIl Laboratorio Avella\, fondato nel 1978 a Nola da Vittorio Avella e Antonio Sgambati\, ha sede dal 2016 a Casa Morra. Rientrando nell’ambito del progetto Il Quartiere dell’Arte\, un percorso di rigenerazione degli standard urbani immateriali attraverso il rilancio delle filiere culturali e creative\, mira a recuperare il rapporto con l’artigianato artistico\, ancora vivo nella città di Napoli. \nModulo di Iscrizione
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SUMMARY:Mille Nanni – 3 luglio
DESCRIPTION:1-3 luglio 2022 – Omaggio a Nanni Balestrini\nOPENING 1 LUGLIO ORE 18:30\n1 luglio – 30 ottobre 2022 \nCasa Morra. Archivi d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nUn progetto di Andrea Cortellessa e Giuseppe Morra\nA cura di Maria Teresa Carbone\, Andrea Cortellessa e Ada Tosatti \nh.19.00\nDiscussione a partire da Nanni Balestrini millepiani condotta da Ada Tosatti con la partecipazione di Cecilia Bello Minciacchi\, Tommaso Ottonieri\, Emanuela Patti\, Chiara Portesine\, Gian Paolo Renello. \nh.20.30\nLetture di Mariano Bàino\, Biagio Cepollaro\, Laura Cingolani e Fabio Lapiana\, Gabriele Frasca\, Tommaso Ottonieri\, Lello Voce; reading performance L’esplosione su testi di Balestrini dei Fumofonico (Rosaria Lo Russo con Fausto Berti\, Matteo Zoppi\, musica di Michael Nannini). \nSaluti e ringraziamenti di Rossana Campo \nL’esplosione \nReading performance \nA cura di Rosaria Lo Russo \nCon Rosaria Lo Russo\, Matteo Zoppi\, Fausto Berti \nMusica Michael Nannini \nIl reading performance da L’esplosione (2019) è un omaggio all’opera testamentaria di Nanni Balestrini\, il suo ultimo libro di poesia visiva. Le voci di tre lettori performer sono in scena per dare corpo fonico a tre dei sei movimenti\, o meglio canti\, di un’opera tutta giocata sui multipli del tre. C’è infatti una mozione dantesca solenne in questo poemetto breve che ripercorre ricombinandola la vicenda umana dall’alfa delle prime tracce umane dell’arte neolitica all’omega apocalittico dell’antropocene in fase terminale. Una mozione dantesca palingenetica\, seppure con la consueta sospensione del giudizio – che qui però si fa magnifica tensione (e tenzone interna fra le tre voci) – struttura ogni pagina con tre terzine in andata e tre terzine di ritorno\, nel movimento dell’impaginazione da sinistra a destra\, a formare una cuspide. Il segno di una verticalità non metafisica ma immanente alla condizione umana. E’ la geometria dello stupore e del disastro dell’esperienza\, sia individuale che storica e collettiva\, dall’esplosione iniziale dell’ominazione all’esplosione della fine\, di una vita esemplare di poeta come della nostra specie animale. La geometria del montaggio tipica della poesia di Balestrini\, percorsa in questo poemetto da una temperatura emotiva elevatissima\, raggiunge qui un nitore commovente\, quasi L’esplosione fosse piuttosto un’opera prima che un congedo. \nBrochure L’esplosione \n\n		\n		\n			\n				\n			\n				\n				Mille Nanni\, Casa Morra\, Napoli\, 2022 Photo Serena Schettino Courtesy Fondazione Morra\n				\n			\n				\n			\n				\n				Mille Nanni\, Casa Morra\, Napoli\, 2022 Photo Serena Schettino Courtesy Fondazione Morra\n				\n			\n				\n			\n				\n				Biagio Cepollaro\, Mille Nanni\, Casa Morra\, Napoli\, 2022 Photo Serena Schettino Courtesy Fondazione Morra\n				\n			\n				\n			\n				\n				Laura Cingolani e Fabio Lapiana\, Mille Nanni\, Casa Morra\, Napoli\, 2022 Photo Serena Schettino Courtesy Fondazione Morra \n				\n			\n				\n			\n				\n				Rosaria Lo Russo e Fumofonico\, Mille Nanni\, Casa Morra\, Napoli\, 2022 Photo Pietro Previti
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