BEGIN:VCALENDAR VERSION:2.0 PRODID:-//Fondazione Morra - ECPv6.15.20//NONSGML v1.0//EN CALSCALE:GREGORIAN METHOD:PUBLISH X-WR-CALNAME:Fondazione Morra X-ORIGINAL-URL:https://www.fondazionemorra.org/it/ X-WR-CALDESC:Eventi per Fondazione Morra REFRESH-INTERVAL;VALUE=DURATION:PT1H X-Robots-Tag:noindex X-PUBLISHED-TTL:PT1H BEGIN:VTIMEZONE TZID:Europe/Rome BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20150329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20151025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20160327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20161030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20170326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20171029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20180325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20181028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20190331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20191027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20200329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20201025T010000 END:STANDARD END:VTIMEZONE BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20190119 DTEND;VALUE=DATE:20190120 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201110T104156Z LAST-MODIFIED:20201110T104259Z UID:1884-1547856000-1547942399@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Tre caleidoscopi giganti DESCRIPTION:19 gennaio 2019\nOPENING ORE 12:00\nMuseo Hermann Nitsch – Terrazza dei profumi e dei colori\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nA cura di DNA Maratea Contemporanea in collaborazione con la Fondazione Morra. \nIl Museo Hermann Nitsch è lieto di ospitare Tre caleidoscopi giganti\, un evento organizzato da DNA Maratea Contemporanea in collaborazione con la Fondazione Morra per la cerimonia inaugurale di Matera Capitale Europea della Cultura 2019.\nIl terrazzo del Museo Hermann Nitsch diventa il luogo ideale per ampliare lo sguardo su tutto quello che rappresenta la storia culturale della Basilicata dentro e fuori la storia dell’Italia e dell’Europa.\nI Caleidoscopi del titolo sono apparecchi fantastici\, nei cui tubi si nascondono riflessi multipli di immagini\, spesso simmetriche\, tratte dai colori del logo di Matera 2019\, che rompono lo spazio visivo perché capaci di moltiplicare le forme. Il risultato sono figure che raccontano avvicendamenti fantastici a cui è possibile associare figure e paesaggi che riconducono ai tanti attraversamenti che i luoghi e la loro storia rendono finalmente visibile agli occhi dei visitatori.\nCon il titolo e il riconoscimento europeo di Capitale della Cultura\, Matera\, insieme al territorio della Basilicata e del Mezzogiorno\, mostra una possibile empatia della Resilienza del Capitale naturale con quello culturale. Questa nuova immagine del territorio\, ricca di potenziale\, ci dice che l’Europa non è né lontana\, né nemica\, ma che è anch’essa resiliente quanto necessario\, almeno in occasione di questo evento.\nIl caleidoscopio (dal greco καλειδοσκοπεω\, “vedere bello”) moltiplica i luoghi della città per far leggere la prospettiva visiva che da Matera si allarga a tutto il territorio della Macroarea Europea del Mediterraneo: finalmente la governance orizzontale tra le istituzioni appare come strategia del possibile\, nonostante la malinconia civile sia ancora in campo.\nLo spazio delle utopie e delle distopie previsto dal logo si trasforma in spazio delle utopie desiderate\, cioè del futuro aperto realizzabile.\nLa morfologia dei Sassi\, lascia spazio alla geomorfologia dell’intera Basilicata che appare come Terra Madre\, un femminile che diventa visibile mettendo in orizzontale la tradizionale mappa della geografia fisica.\nAi colori della geomorfologia è possibile aggiungere i colori della geografia scritta dalla Natura e a queste due mappe sovrapporre quella scritta dalla storia culturale dell’umanità.\nIl Caleidoscopio su Matera ci dice che l’economia da sola non basta e la resilienza della Comunità Europea che verrà è ancora più importante\, perché detta il tempo dell’incontro necessario tra diversità territoriali che la storia ha reso mosaico multiplo delle regioni di un’Europa a civiltà plurale. Questa si mostra ancora bella perché la resilienza del Capitale Culturale a Matera è dentro la storia del Potenziale Naturale e la geografia scritta dai popoli è qui ben visibile.\nL’evento è a cura di Pasquale Persico\, Mimmo Longobardi e Pompeo Limongi.\nSul Terrazzo del Museo Nitsch la cuoca napoletana Teresa Iorio offrirà per l’occasione una degustazione sorprendente di una pietanza napoletana.\nLa Società Italiana Design della comunicazione visiva\, protagonista a Matera\, vorrà guardare dal Caleidoscopio del Museo i colori della città gemella di Matera\, Plovdiv\, che dalla Bulgaria festeggia anch’essa l’anno europeo della cultura. \n\n \n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Tre caleidoscopi giganti\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2019 © photo Mimmo Longobardi Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/tre-caleidoscopi-giganti/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/trecaleidoscopicigiganti_invito_web_def.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20181218 DTEND;VALUE=DATE:20181219 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201112T164217Z LAST-MODIFIED:20210115T171833Z UID:2429-1545091200-1545177599@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Mario Costa - L'uomo fuori di sé DESCRIPTION:18 dicembre 2018\nINIZIO ORE 17:30\nSala conferenze del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nMiniconvegno a partire da un libro.\nCon interventi di: Mario Costa\, Vincenzo Cuomo\, Maria D’Ambrosio\, Matteo D’Ambrosio e Filippo Fimiani. \n  \nIl Museo Hermann Nitsch è lieto di ospitare il miniconvegno Mario Costa. L’uomo fuori di sé (Mimesis\, Milano 2018) a cui interverranno\, oltre allo stesso Costa\, studiosi di vari settori.\nL’incontro sarà un’occasione per discutere del contributo dato da Mario Costa\, e dai suoi studi\, nel dibattito internazionale sull’impatto estetico-antropologico delle nuove tecnologie.\nCon riferimento alle sue recenti pubblicazioni\, e a quelle a lui dedicate\, si rifletterà sulla inedita prospettiva teorica inaugurata da Costa\, già nei primi anni Ottanta dello scorso secolo\, con concetti quali “estetica della comunicazione”\, “sublime tecnologico”\, “blocco comunicante”\, “estetica del flusso”\, ed ora “esternalizzazione tecnologica”.\nIn particolare\, il dibattito verterà sulle seguenti pubblicazioni: \nMario Costa\, L’uomo fuori di sé. La fotografia\, il fonografo e il telefono nella Parigi del XIX secolo\, Mimesis\, Milano 2018\nMario Costa\, Artmedia. L’oggetto estetico dell’avvenire. Storia di un progetto scientifico\, Kaiak Edizioni\, Tricarico 2017\nAA.VV.\, Arti e tecniche nel Novecento. Studi per Mario Costa\, Kaiak Edizioni\, Tricarico 2017\nMario Costa\, Technology\, communication and aesthetics of de sublime\, in AA.VV.\, Viva Voce. Conversations with italian philosophers\, State University of New York\, 2017 \nMario Costa (Torre del Greco 1936) filosofo e innovatore degli studi di Estetica\, alcuni suoi libri come Il sublime tecnologico (1990/1998)\, L’estetica dei media (1990/1999)\, La disumanizzazione tecnologica (2007)\, Dopo la tecnica (2015)\, ben noti in Italia e tradotti all’estero\, hanno dato l’avvio ad un dibattito internazionale sulle trasformazioni indotte dalle nuove tecnologie nell’arte e nell’estetica\, ed hanno aperto il campo ad una filosofia della tecnica del tutto ignorata in Italia. È stato professore ordinario di Estetica presso l’Università di Salerno dove nel 1985 ha fondato e diretto “Artmedia”\, laboratorio permanente sul rapporto tra tecno-scienza\, filosofia ed estetica. Ha contemporaneamente insegnato all’Università “L’Orientale” di Napoli e alla “Sophia-Antipolis” di Nizza. \n  \nSINOSSI DELLE PUBBLICAZIONI\nMario Costa\nL’uomo fuori di sé. La fotografia\, il fonografo e il telefono nella Parigi del XIX secolo\nMimesis\, Milano 2018\nIl libro tratta degli effetti estetico-antropologici prodotti dalla apparizione\, nell’Ottocento\, delle prime tecnologie dell’immagine e del suono\, la fotografia\, il fonografo e il telefono\, ritenendo Parigi il luogo privilegiato di osservazione. Muovendosi sul doppio piano delle esplorazioni storiche e della teoria\, Costa ci consegna alla fine un quadro che\, ad un tempo\, getta luce sulle origini e indica la strada che stiamo percorrendo.\nMario Costa\nArtmedia. L’oggetto estetico dell’avvenire. Storia di un progetto scientifico\nKaiak Edizioni\, Tricarico 2017\nIl libro ripercorre la storia di “ARTMEDIA”\, il Seminario/laboratorio permanente di estetica dei media e della comunicazione creato e diretto da Costa presso l’Università di Salerno\, per il quale\, tra l’altro\, tra il 1985 e il 2009\, sono stati organizzati\, tra Salerno\, Napoli e Parigi\, 10 convegni internazionali che hanno coinvolto un centinaio di teorici e di artisti di tutto il mondo.\nVincenzo Cuomo e Igor Pelgreffi (a cura di)\nArti e tecniche nel Novecento. Studi per Mario Costa\nKaiak Edizioni\, Tricarico 2017\nIl libro contiene\, in omaggio a Mario Costa\, saggi di Roberto Barbanti\, Maurizio Bolognini\, Vincenzo Cuomo\, Matteo D’Ambrosio\, Diana Danelli\, Paolo D’Angelo\, Alice de Carvalho Lino\, Derrick de Kerckhove\, Roberto Diodato\, Filippo Fimiani\, Fred Forest\, Fabio Galadini\, Dario Giugliano\, Giuseppe O Longo\, Aldo Marroni e Carla Subrizi. Con un disegno di Gianfranco Baruchello.\nMario Costa\nTechnology\, communication and aesthetics of de sublime\, in AA. VV. Viva Voce. Conversations with italian philosophers\nState University of New York\, 2017\nSi tratta di una lunga intervista\, all’interno di un volume collettaneo in inglese che ne raccoglie altre ventidue\, nella quale Costa espone i principi della sua estetica e della sua filosofia della tecnica.\nL’obiettivo del libro è quello di permettere ai maggiori filosofi italiani\, tramite una serie di domande e risposte\, di esporre le linee fondamentali del loro pensiero. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/mario-costa-luomo-fuori-di-se/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Mario-Costa_Luomo-fuori-di-se_copertina_2018_Mimesis.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181123T160000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20181123T210000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201113T112107Z LAST-MODIFIED:20210115T172531Z UID:2441-1542988800-1543006800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:SMASHING THE MYTH - Performing art from Croatia DESCRIPTION:23 novembre 2018\nOPENING dalle 16:00 alle 23:00\nMuseo Hermann Nitsch \nScala Filangieri\nQuartiere Intelligente  \n  \nA cura di Adriana Rispoli e Zvonimir Dobrović. \nEvento organizzato da Quartiere Intelligente e Domino Project in collaborazione con Museo Hermann Nitsch\nCon il supporto di Ministero della Cultura della Repubblica di Croazia. \nSi ringraziano per la collaborazione DeA Capital per il Consorzio Ex Olivetti di Pozzuoli\, Ciro Esposito e Alessandra Gigante. \nAbbattereAbbattereAbbattere questo il fil rouge dei lavori in mostra e l’intenzione dei suoi organizzatori. Con un’accezione positiva\, Smashing the Myth celebra la distruzione come atto semantico per la costruzione di nuove realtà\, per il superamento dei limiti e delle categorizzazioni\, e per l’abbattimento dei confini fisici ed identitari. La performance come espressione artistica preferenziale contiene in luce le caratteristiche di dissolvimento del linguaggio e di osmosi tra le diverse forme d’arte ed in questa occasione si presenta nelle sue innumerevoli accezioni: dall’intervento nello spazio urbano al coinvolgimento diretto del corpo\, dall’azione simbolica alle sinestesie audio visive\, trovando nei primi esperimenti di video performance nell’Est Europa una sorta di battesimo generazionale. Smashing the myth presenta uno spaccato dell’arte croata oggi in qualche modo iconoclasta e provocatoria che restituisce un’immagine forte e combattiva di una generazione di artisti che se da un lato afferma con fierezza le proprie radici\, dall’altro reclama\, a ragione\, un’idea dell’arte libera dalla scure dell’economia e dal predominio del capitale. Oltre al costante interrogarsi sul valore e il potere dell’arte nella società\, è sempre presente il confronto diretto con la storia dell’arte in senso lato: dall’utopia russa dei primi del ‘900 all’amara ironia sul mercato dell’arte contemporanea\, passando per l’azzeramento delle barriere tra arte e vita. \nARTISTI: Igor Grubić\, Bruno Isaković\, Sanja Iveković\, Siniša Labrović\, Alen Sinkauz – Nenad Sinkauz\, Sandra Sterle. \n  \nPROGRAMMA \nMUSEO HERMANN NITSCH\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nDalle 16.00 alle 21.00 \nIgor Grubić | Smash the Myth\nBruno Isaković | Fade Into\nSanja Iveković | Inter nos\nDalle 19.00 alle 21.00 \nSiniša Labrović | Artist Index \nIgor Grubić: Smash the Myth\nFotografia e banner dall’intervento nell’ex Fabbrica Olivetti\nMUSEO HERMANN NITSCH \nQualsiasi sia il medium scelto o la modalità di intervento fino ad includere lo stile personale di vita\, Igor Grubic applica coerentemente una visione politica al suo modo di vivere e quindi di fare arte. Smash the Myth è in qualche modo una tautologia con cui Grubic dichiara\, parafrasando l’ideologia radicale del poeta russo della rivoluzione Vladimir Mayakovsky\, che l’arte NON POLITICA non esiste perché qualunque espressione artistica\, o anche il solo pensiero\, non può che essere un gesto politico e riflettere la responsabilità che l’artista ha nei confronti della società. La sola scelta di esporsi ad un pubblico – e di scegliere a quale pubblico esporsi compreso quello del mero mercato dell’arte – è un atto politico. La serie Smash the Myth consiste in microinterventi negli spazi urbani in cui Grubic appone\, in maniera temporanea e talvolta illegale\, un banner in luoghi iconici di varie città. Iniziata a metà anni ’90 con il progetto Micro-Museum of Revolutionary Heritage la serie ha toccato diverse città come Berlino\, presso il Soviet War Memorial di Treptower Park e Dresda di fronte all’Accademia di Belle Arti\, e approda ora a Napoli nella mitica fabbrica Olivetti. Fondata nel 1955 su progetto dell’architetto razionalista Luigi Cosenza\, la ex Fabbrica Olivetti è simbolo della visione umanistica di un industriale illuminato la cui missione imprenditoriale era direttamente collegata al benessere dei suoi lavoratori. Con un’impostazione socialista ante litteram per l’Italia\, Adriano Olivetti\, a Pozzuoli come nelle altre sedi italiane delle sue fabbriche\, aveva voluto per i suoi dipendenti un luogo in simbiosi con la natura e dotato di tutti i servizi necessari convinto che il lavoro fosse strumento di riscatto sociale. All’interno di questo piccolo eden dei lavoratori\, Grubic ha scelto di apporre il suo “motto” su quella che un tempo era stata la biblioteca\, luogo per antonomasia per l’arricchimento dello spirito. \nIgor Grubić (Zagabria\, Croazia 1969) è noto per il suo attivismo politico e morale e per le sue operazioni negli spazi pubblici\, spesso nati in un’atmosfera misteriosa di anonimato\, che mirano a generare nuovi significati come la serie 366 Liberation Rituals (2008) o Black Peristyle (1998). Attivo dagli anni 90 il suo lavoro include performance\, fotografia e video e dal 2000 inizia a lavorare anche come produttore di film. I suoi lavori sono stati esposti in numerose rassegne ed istituzioni internazionali tra cui Manifesta 4 (Frankfurt); Tirana Biennial 2; 11.Istanbul Biennial; 4.Fotofestival (Mannheim); Manifesta 9 (Genk); Gwangju Biennale 20th Anniversary Special Project; ‘East Side Stories’ Palais de Tokyo (Paris); Thessaloniki biennale 5- Ident-alter-ity; ‘The Value of Freedom’\, Belvedere 21 (Vienna); ‘Zero Tolerance’\, Moma PS1 (NY). In Italia tra le altre ha partecipato a Present Future ad Artissima nel 2001 e alle mostre Il Piedistallo vuoto e Gradi di Libertà al Museo Civico Archeologico e al Mambo di Bologna nel 2014 e nel 2015. Nel 2016 è stato ospite del Quartiere Intelligente con la proiezione del film Monument.\nRappresenterà la Croazia alla prossima 58° Biennale di Venezia.\nBruno Isaković: Fade Into\nMUSEO HERMANN NITSCH \nFade Into è una performance di lunga durata concepita in relazione diretta con collezioni permanenti in musei e gallerie. L’artista sceglie un’opera d’arte e inscena una live installation relativa al suo valore politico ed artistico. Durante le cinque ore di performance\, un insieme di interpretazioni e connotazioni dell’opera scelta diventano la “tela” sulla quale il performer proietta la sua voce e il suo corpo.\nElementi costitutivi della performance sono riferimenti testuali che esaminano nello specifico il medium dell’opera\, il suo contesto\, il contenuto\, lo sfondo storico e le sue particolarità. Leggendo queste tracce e offrendole al pubblico\, l’artista riempie lo spazio con prospettive intangibili e aspetti corporei\, in stretta relazione con l’opera selezionata ed il suo immediato contesto. I contorni fisici e i confini tra il corporeo e l’intangibile diventano gradualmente sfocati mentre il corpo del performer si fonde in un colore che\, infine\, domina lo spazio. Questo avviene attraverso lenti\, minuziosi movimenti ripetitivi con i quali l’artista dipinge il suo intero corpo fino al dissolversi degli stessi movimenti\, lasciando lo spettatore davanti all’immobilità scultorea del performer. L’incarnazione di tutti i significati accennati ed espressi emerge come un’installazione dal vivo che offre un cambio di paradigma ai visitatori in relazione a uno spazio e un’opera d’arte particolari in un museo.\nLa performance Fade Into è stata realizzata al Reina Sofia di Madrid\, al MAMBO di Bologna\, Museo d’Arte Contemporanea di Zagabria e alla Glucksmann Gallery a Dublino\, usando sempre un’opera diversa come punto di riferimento. \nBruno Isaković è un performer e coreografo residente a Zagabria. Laureato nel 2009 in danza contemporanea alla Amsterdam School of the Arts\, dal 2011 al 2015 è stato membro del Contemporary Dance Studio\, la più antica compagnia di danza contemporanea croata. È anche fondatore e direttore artistico del Sounded Bodies Festival di Zagabria dedicato all’esplorazione delle relazioni tra voce e movimento\, suono e corpo.\nIsaković conduce regolarmente workshop e insegna lezioni di danza (Bilgi Università delle arti performative – Istanbul\, Dipartimento di danza contemporanea all’Accademia d’Arte Drammatica – Zagabria\, TSEKH Summer School – Mosca\, ecc.).\nHa vinto numerose borse di studio tra cui il Jury Award e il Best Solo Dance al Solo Dance International Festival di Budapest\, e il Premio Nazionale Croato 2016 come miglior coreografo per lo spettacolo “Denuded”.\n  \nSanja Iveković: Inter nos (1978)\nVideo\, 60 minuti\, bianco e nero\, suono\nCourtesy MSU\, Zagreb\nMUSEO HERMANN NITSCH \nUno dei primi lavori di Sanja Iveković\, il primo in assoluto in cui fa uso della registrazione nella performance con videocamere\, Inter nos\, enfatizza l’interazione instaurata tecnicamente con il pubblico. L’opera partecipativa consisteva in due stanze collegate da due circuiti televisivi chiusi\, senza un collegamento audio\, e uno spazio d’ingresso dove avveniva una trasmissione diretta per il pubblico. “Durante l’intera azione\, io sono chiusa in una stanza\, quindi invisibile al pubblico. I visitatori entrano uno alla volta nella seconda stanza. Tra di noi si sviluppa un dialogo mentre interferisco con l’immagine sullo schermo del visitatore provocando una sua particolare reazione. Contemporaneamente\, il resto del pubblico riceve l’immagine dello stesso partecipante.” (Sanja Iveković)\nL’indagine sulle forme di relazione tra artista e pubblico\, l’angolo di visione e l’interazione tra oggetto e osservatore sono alla base della ricerca artistica di Sanja Ivekovic. \nFin dalla sua prima apparizione nel contesto della “New Art Practice” in Jugoslavia nei primi anni ’70\, Sanja Iveković (nata nel 1949 a Zagabria) esplora la costruzione di immagini mediatiche per rivelare e sovvertire le forme di potere che esse nascondono ed usarle poi per i propri scopi. Il suo impegno femminista – legato principalmente all’immagine della donna a alla sua critica mediatica – si è esteso nel tempo ad un’analisi delle condizioni istituzionali e dei rituali del mondo dell’arte. Iveković è stata tra i primi artisti in Jugoslavia a combinare performance e video arte e a coinvolgere attivamente il pubblico in forma di presenza e assenza reali. Negli anni ’90 il suo lavoro diventa più politicamente orientato\, avviando importanti progetti come attivista politica. Iveković ha esposto in numerose mostre internazionali\, tra cui le tre più recenti Documenta a Kassel\, Tate London e MOMA New York.\n  \nSiniša Labrović: Artist Index\nMUSEO HERMANN NITSCH \nBasata sulla discussione in corso sui sistemi del mercato e del marketing dell’arte\, questa performance si inserisce al momento giusto in un dibattito attivo da molto tempo sui MITI costruiti dal mercato dell’arte che oggi tocca l’acme arrivando a mettere all’asta un’opera\, farla a pezzi sotto lo stupore di tutti e immediatamente rivalutarla con un doppio valore. È questo l’elemento sorprendente\, persino creativo\, del mercato dell’arte\, la sua aleatorietà. Pertanto\, ormai la conditio sine qua non per la sopravvivenza e il successo nella scena contemporanea di un artista passa esclusivamente per il mercato attraverso il lavoro del gallerista. Un artista è tale solo se è “rappresentato”\, e se il proprio lavoro è offerto in vendita in una delle importanti fiere d’arte internazionali. La performance celebra coloro che ce l’hanno fatta\, quelli che hanno un nome\, quelli che sono indicizzati. Allo stesso tempo\, rimpiange coloro che sono rimasti indietro e che formano il mare magnum degli anonimi\, degli sconosciuti… ma il dispiacere per chi è rimasto indietro si mescola con lacrime di invidia. \nSiniša Labrović è un artista multimediale originario di Sinj\, una piccola città della Croazia. La sua comparsa nel panorama artistico croato negli anni 2000 è stata a dir poco esplosiva. Sin dall’inizio ha stimolato l’immaginazione del pubblico\, dei media e dell’intera comunità artistica in Croazia attraverso un lavoro che\, nella sua semplicità\, può essere descritto come politico\, crudo\, umoristico e brillante\, ma soprattutto sempre audace e diretto. Le sue performance hanno affrontato e confrontato temi scottanti della pedofilia\, della corruzione\, dell’abuso di potere politico o della mitologia del nazionalismo\, così come genuine questioni filosofiche sull’essere\, sul senso dell’esperienza umana o sulla responsabilità sociale. Nel 2005 ha attirato l’attenzione dei media mondiali (Reuters\, BBC\, Ansa\, New York Post\, The Guardian\, The New York Times\, NBC\, ABC) con il lavoro “Flock.org” in cui i veri concorrenti in un reality show erano delle pecore. Sue opere sono in collezione al Museo d’Arte Contemporanea di Zagabria\, alla Galleria di Belle Arti di Spalato\, al Museo di Arte Moderna di Dubrovnik e fanno parte di numerose collezioni private. Nel 2009 espone all’11° Biennale di Istanbul e nel 2012 rappresenta la Croazia alla 13° Biennale di Architettura di Venezia\, intitolata Common Ground\, insieme a Pula Group\, Hrvoslava Brkušić\, Igor Bezinović e Boris Cvjetanović.\n  \nSCALA FILANGIERI | QUARTIERE INTELLIGENTE\nScala Montesanto 3\, Napoli\nDalle 21.15 alle 21.30 \nSandra Sterle | Visiting Reality \nIniziato a Belgrado nel 2012 e proseguito a Parigi nello stesso anno\, il progetto Visiting Reality si basa sull’idea che l’identità nazionale coincida con il MITO su cui si costruisce il mondo contemporaneo a tal punto che i popoli iniziano a credere che quest’identità\, sia l’essenza del loro essere. Siamo tutti consapevoli del fatto che la storia è più complessa e che il fatto che ci identifichiamo con un certo popolo solo in base ai meri i confini geografici sia un semplice eufemismo. Con la sua carriera da artista\, Sterle ambiva ad espandere la sua coscienza sulla complessità del sé e del mondo contemporaneo ed invece constata nel presente solo il senso di decadimento che permea l’ambiente sociale e politico in cui vive. La performance mette a confronto la mitologia nazionale di due paesi utilizzando come dispositivo artistico i kitsch souvenir turistici che in fin dei conti si rivelano piuttosto simili qualitativamente ed esteticamente. Fracassandoli al cospetto del pubblico e ridotti in polvere\, formano una sorta di realtà astratta. Si è finalmente così in grado di iniziare a “leggere” oltre il “materiale” mentre ci si avvicina alla complessità di cui sono fatte le nostre vite. L’artista usa l’atto della distruzione come metodo di creazione mettendo sotto esame due forze opposte. \nSandra Sterle è originaria di Spalato e usa diversi linguaggi artistici quali film\, installazione\, fotografia e performance. È docente di performance art e video all’Accademia d’Arte di Spalato in Croazia. Si è diplomata presso il Dipartimento di Scultura dell’Accademia di Arti Visive di Zagabria e ha proseguito i suoi studi presso il Dipartimento di Cinema e Video della Kunstakademie di Düsseldorf\, 1995-96 (con il professor Nan Hoover). Le sue opere sono state presentate in numerose istituzioni artistiche internazionali: Museo d’Arte Contemporanea\, Zagabria; Kunsthalle Fridericanum\, Kassel; Museo Ludwig\, Aachen; Museo d’Arte Moderna\, Arnhem; Gate Foundation\, Amsterdam; W139 Gallery\, Amsterdam; Museo de Arte & amp; Disegno Contemporaneo\, Costa Rica; Museo Nazionale Centro d’Arte Reina Sofia\, Madrid; Instytut Sztuki Wyspa\, Gdansk; Accademia di Berlino\, Berlino; Museet per Samtidskunst\, Roskilde; Fundacio Antoni Tapies\, Barcellona; Location 1 Gallery di New York; Artist Space\, New York; ecc. Le sue opere fanno parte di diversi archivi pubblici e collezioni tra cui MMSU\, Fiume; Galleria d’Arte a Spalato e di collezioni private.\nQUARTIERE INTELLIGENTE\nScala Montesanto 3\, Napoli\nDalle 21.30 alle 22.30 \nAlen Sinkauz e Nenad Sinkauz\nVideo by Ivan Marusic Klif\nPerformance audio visiva \nLo stile performativo di Alen e Nenad Sinkauz attira immediatamente il pubblico con un’abile tecnica d’improvvisazione\, frutto in realtà di un preciso processo per creare istantaneamente composizioni inaspettate. Gli elementi sonori e visivi dei loro concerti sono ulteriormente definiti dall’architettura e dalle caratteristiche acustiche dello spazio in cui giocano\, condizionando l’esito di ogni esibizione. Grazie ad una complessa elaborazione delle principali fonti di suono come chitarre\, bassi\, oggetti di varia natura\, microfoni e pick-up\, oltre alla “field recording”\, il sistema di amplificazione e la qualità di risonanza dello spazio diventano una parte significativa del quadro sonoro finale. Questa performance è una sinergia tra tutti gli elementi che sono riuniti non solo sul palco ma ovunque nello spazio. Il materiale musicale che viene creato da questo continuo accumulo e aggiornamento di suoni rimanda all’industrial\, alla techno e al noise\, ma allo stesso tempo resta avvolto in un’atmosfera astratta che nel tempo assume forme semplici e sempre diverse. La performance gioca sul potere sinestetico del suono\, da un lato appagando la fiducia nel riconoscimento e dall’altro introducendoci più in profondità nella struttura stessa del suono. \nAlen Sinkauz e Nenad Sinkauz\, originari di Pola\, Istria\, sono laureati e poi specializzati in studi di filologia musicale ed etnomusicologia a Padova. Come compositori e interpreti\, negli ultimi 20 anni hanno preso parte a vari progetti musicali\, teatrali\, di danza contemporanea\, multidisciplinari\, radiofonici\, sonori e cinematografici. Il loro lavoro artistico\, soprattutto dal vivo\, è principalmente orientato all’esplorazione di forme musicali non convenzionali\, musica improvvisata e creativa.\nHanno composto la colonna sonora per l’acclamato lungometraggio Zvizdan / The High Sun di Dalibor Matanić (Il premio della giuria “Un certain regard” al Festival di Cannes 2015) e per il film croato-norvegese Goran diretto da Nevio Marasović (Golden Arena premio per la migliore colonna sonora al Pula Film Festival\, 2017). Negli ultimi due anni composto colonne sonore di numerosi film croati e internazionali\, tra cui i cortometraggi d’animazione “Technement” di Branko Farac e “Kako se kalio čelik/Come si temperava l’acciaio” di Igor Grubić. Nel 2002 i fratelli Sinkauz fondano una band\, East Rodeo\, coinvolgendo un gruppo internazionale di musicisti jazz e rock che mettono insieme musica avant-rock\, elettronica\, noise e improvvisata\, pubblicando tre album con musicisti di fama internazionale come Marc Ribot\, Greg Cohen e Warren Ellis. Nel 2010 i fratelli Sinkauz hanno fondato il festival internazionale di musica sperimentale e improvvisata a Pola\, chiamato Audioart. Hanno suonato e presentato le loro opere in innumerevoli festival\, gallerie\, club e svariati luoghi negli Stati Uniti\, in Europa e in Giappone.\n\n \n \n \n \n \n \n Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 \n© photo Amedeo Benestante\nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Siniša Labrović “Artist Index”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Siniša Labrović “Artist Index”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Alen Sinkauz e Nenad Sinkauz\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/smashing-the-myth-performing-art-from-croatia/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Smashing-the-Myth-invito.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180622T140000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180706T190000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201113T162635Z LAST-MODIFIED:20201216T165439Z UID:2561-1529676000-1530903600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Jeanne Liotta - Break the sky DESCRIPTION:22 giugno 2018 – 6 luglio 2018\nOPENING 22 GIUGNO ORE 14:00\nCapriata del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nLa video-installazione In This Immense Space Hidden Things Appear Before Us e le opere di Jeanne Liotta\, in collaborazione con Microscope Gallery New York. \nLa video installazione di realtà aumentata In This Immense Space Hidden Things Appear Before Us\, come Sky TV di Yoko Ono del 1966 – a cui il lavoro rende omaggio – trasmette un collegamento dal vivo del cielo esterno nella capriata. L’appropriazione e la dimestichezza d’uso delle nuove tecnologie da parte di Liotta consentono all’opera di estendersi oltre i limiti del cielo visibile. Le immagini video riprese in tempo reale dagli smartphone installati sul tetto dell’edificio sono sovrapposte a rendering computerizzati di pianeti\, stelle\, costellazioni e altri corpi celesti\, nonché a stazioni spaziali\, “spazzatura” e altri oggetti noti nell’orbita terrestre. \nIl video dal vivo fruibile nell’orario pomeridiano del Museo – dalla luce del primo pomeriggio all’oscurità della sera – agevola l’esperienza di movimento della nostra Terra\, specialmente in relazione ad altri pianeti e sistemi stellari: la nostra posizione di Napoli ruota a circa 750 miglia orarie sull’orbita del pianeta attorno al sole alla velocità di 67.000 miglia orarie nel sistema solare che circola nella galassia a 483.000 miglia orarie\, ecc. \nInoltre in mostra ci sono delle selezioni di due serie correlate di acquerelli e inchiostri su carta ed una serie di fotogrammi dell’artista. \nGli acquerelli Bruno Studies si basano sulla sagoma della statua di Giordano Bruno\, che si trova a Roma in Piazza Campo de’ Fiori\, dove nel 1600 fu arso sul rogo per aver rifiutato di revocare quelle che erano considerate visioni eretiche\, come insistere che il nostro sole è solo uno dei tanti e l’universo è infinito\, e spesso incorporano il testo dei suoi scritti De l’Infinito\, Universo e Mondi (1584). \nLa serie Nightly Studies – acquerelli gansai e inchiostro sumi su carta – trova Liotta mentre crea le sue mappe del cielo di notte osservato da varie località del mondo durante le sue ricerche. L’uso dettagliato e multistrato di sfumature di blu insieme all’applicazione minimale e gestuale di inchiostro nero sulla pagina attirano connessioni visive tra la scala umana e quella cosmica: schizzi di inchiostro formano la Via Lattea\, un puntino di colore una galassia lontana. \nLa serie di fotogrammi Articuli realizzati a mano in camera oscura si ispirano all’immaginario e alla struttura dei diagrammi copernicani (xilografie) del filosofo e ex frate domenicano Giordano Bruno. Tra le sue idee c’erano che il sole è una stella\, che altre stelle hanno sistemi solari simili al nostro e che l’universo è infinito. Un ulteriore informazione sugli articoli di Bruno: 42 xilografie iconografiche accompagnano la monografia di Giordano Bruno stampata nel 1588 Articuli centum et sexaginta Adversus Matematicos (Centosessanta Articoli contro i matematici). I diagrammi non sono rappresentazioni rigorose della meccanica celeste\, ma strumenti descrittivi e immaginari per una rappresentazione eliocentrica del mondo\, che Bruno ha immaginato non come singolare ma come spazio multidimensionale di possibilità infinite. \nJeanne Liotta realizza film\, video\, e anche video-proiezioni\, opere su carta\, e fotografie\, con tematiche che spesso si intersecano tra arte\, scienza\, filosofia naturale ed effimero. Il suo film 16mm più noto Observando El Cielo ha ricevuto numerosi riconoscimenti\, tra cui il Tiger Award al Rotterdam International Film Festival\, ed è stato votato tra i migliori film del decennio da The Film Society of Lincoln Center. Nel 2013 Anthology Film Archives ha presentato The Real World at Last Becomes a Myth\, una retrospettiva completa delle sue opere in film e video\, e nel 2014 Jeanne ha ricevuto una commissione per lavorare con gli scienziati del clima NOAA a Boulder\, Colorado per creare un’opera di proiezione a 360 gradi per Science on a Sphere. I suoi collage The Tiffany One-Cuts estratti da pagine del New York Times sono stati incorporati nelle installazioni dell’artista Nancy Shavers per la Derek Eller Gallery (2016) e per il Padiglione USA/Biennale di Venezia (2017).\nhttp://www.jeanneliotta.net/ \n\n \n \n \n \n \n \n Installation view\, Break the sky\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2018 \nJeanne Liotta \nCourtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/jeanne-liotta-break-the-sky/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/INDEPENDENT-FILM-SHOW-18th-Edition-cartolina-LIOTTA_page-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180621T203000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180623T203000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20181113T165513Z LAST-MODIFIED:20210305T144052Z UID:2567-1529613000-1529785800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:INDEPENDENT FILM SHOW 18th Edition DESCRIPTION:21 giugno 2018\nVigna San Martino\nCorso Vittorio Emanuele 340\, Napoli \n22 e 23 giugno 2018\nBelvedere Museo Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nINDEPENDENT-FILM-SHOW-18th-Edition-PROGRAMMA-2018 \nIndependent Film Show 18th edition\, rassegna internazionale dedicata al experimental film\, coordinata da Raffaella Morra e organizzata da E-M ARTS associazione culturale\, incrementa le esperienze sensoriali dei propri ospiti che per tre giorni possono partecipare alla proiezione di films in pellicola 16mm (molti in prima visione Italiana)\, al concerto di Bernhard Schreiner\, e alle expanded cinema performances di Jeanne Liotta\, Canecapovolto\, Bea Haut\, e Helga Fanderl\, da giovedì 21 giugno in Vigna San Martino\, venerdì 22 e sabato 23 giugno sul Belvedere Museo Nitsch. Dal 22 giugno al 6 luglio nella Capriata Museo Nitsch è fruibile la video-installazione In This Immense Space Hidden Things Appear Before Us e le opere su carta di Jeanne Liotta\, in partnership con Microscope Gallery New York. \nIl solstizio estivo del 21 giugno offre l’occasione di eseguire il primo programma nella preziosa Vigna San Martino e concede a un selezionato pubblico di partecipare\, su invito\, ad una lunghissima notte di proiezioni e live expanded cinema performances fino al sorgere del sole. \nDue films di Jeanne Liotta\, artista americana che\, riprendendo le teorie di Ralph Waldo Emerson\, interseca l’arte\, la scienza e la filosofia naturale nel suo complesso science project: proiettati e modificati dal vivo dall’artista\, Affect Theory(2013)\, composto da due films sistemati in posizione planetaria e satellitare\, e Path of Totality\, realizzato a seguito dell’eclissi solare totale dell’agosto 2017\, ci trasportano all’interno di un allineamento celestiale. \nCanecapovolto\, formato a Catania nel 1992 sul modello della confraternita filosofica\, sperimenta la “dissonanza cognitiva”\, circuit bending e radiodrammi\, collages su carta… è tra le zone d’ombra tra ascolto e visione che fonda la sua identità ed il suo messaggio: il video Nembutal (2015) è preludio per NAGNAGNAG performance circuit bending\, ovvero la modifica dei circuiti di strumenti musicali\, giochi per bambini etc. e la pianificazione del corto circuito come prassi espressiva per suggerire il caos! Musica e Rumore diventano improvvisamente categorie dai confini instabili. È un punto di non-ritorno. Il Circuit bending sta alla Musica come il Found footage sta al Cinema. \nIl programma Free your perceptions a cura di Raffaella Morra è un viaggio della mente o uno studio profondo dell’apparato filmico e delle possibili raffigurazioni prodotte dall’interazione con l’osservatore che partecipa ad un’avventura della percezione libero da preconcetti e classificazioni. \nI dieci films e video esplorano i confini della conoscenza: Christin Turner nel HD video Vesuvius at Home (2017) disvela una simbiosi tra il cinema\, la memoria e la spirale del tempo\, e Victory to Loss Ratio (2013-14) di Bernhard Schreiner prova ad ottenere immagini e suoni sincronizzati nella mente; nel film Heat Shimmer (1978) Arthur e Corinne Cantrill trasformano il paesaggio dell’Australia centrale in vari gradi di luccichii\, mentre Paul Clipson in Sphinx on the Seine (2009) medita su una serie di brevi ed enigmatiche immagini da ogni luogo del mondo. Vicky Smith in My Moon Her World (1995) combina l’animazione con l’azione dal vivo trattata – pixellata\, rifilmata\, in slow motion\, e in Réminiscences (2001-2020) di Olivier Fouchard le immagini girate ad Auvergne nella primavera del 2001 assumono l’aspetto di cose sognate dai colori irreali con l’aggiunta di found footage; Comfort Stations (2018) di Anja Dornieden & Juan David González Monroy è un test psicologico trovato per caso e di cui non si sa nulla degli autori; I don’t think I can see an island (2016) di Christopher Becks e Emmanuel Lefrant è un film di avventure non-euclidee simbolicamente autentiche; Take-Off (2006) è un’opera collaborativa originata dal work-in-progress tra Katherine Liberovskaya e il compositore Al Margolis che attivano una relazione tra immagini\, suoni e i processi di montaggio; Heliocentric (2009) dei Semiconductor usa la fotografia time-lapse e il tracciamento astronomico per disegnare la traiettoria del sole attraverso una serie di panorami.Di solito è quasi impossibile visualizzare come la terra si muove intorno al sole\, anche se sappiamo che è vero\, invece ‘vediamo’ il sole che si muove intorno a noi. \nBea Haut è artista e film-maker in forma espansa\, multimediale e spesso reattiva all’ambiente\, le sue opere alludono alla percezione di momenti\, spazi e azioni interconnessi tra loro. Venerdì 22 giugno per il programma Matters of Being Bea Haut ha scelto undici films di film-makers del Regno Unito che provano a penetrare la materialità enigmatica della pellicola filmica\, evocando una zona interattiva tra oggetto e soggetto\, in cui sorge un intreccio di vitalità\, esistenza ed evento. \nCripps at Acme (1981) di William Raban è la documentazione della performance di Steve Cripps\, artista selvaggiamente sregolato e forse genuinamente instabile di quel tempo. The Hut (1973) di John Smith è un esperimento con dei ritmi visivi che anima le fotografie fisse di un edificio in disfacimento. Attraverso un intreccio ritmico il film Chameleon (1990) di Tanya Syed si muove silenziosamente verso un punto di confronto con il mondo esterno\, enfatizzato in modo sconvolgente dall’unico suono del film. Talking to a Stone (1993) di Inger-Lise Hansen crea un equilibrio fragile e illusionistico tra le forze di creazione e distruzione nel tempo. 9 Objects (2016) di Bill Leslie fa parte di un progetto dal titolo ingannevolmente semplice\, ‘cosa succede alla scultura quando viene filmata e fotografata?’ e in pratica esplora le potenziali relazioni tra gli oggetti scultorei e i diversi media di rappresentazione. Due films di Laura Hindmarsh: Self Registration (2015) un atto di auto-allineamento utilizzando la stampa a contatto manuale e Finding Focus (2016) girato a Lake George in Australia per provare a dar soluzioni ai miti che circondano l’improvvisa fluttuazione del volume del lago. Mary Stark in Button Box Blast (2016) filma l’esplosione di una scatola di bottoni in uno schema casuale di luci e suoni ottici. Due films di Jenny Baines entrambi in doppia proiezione 16mm per documentare due brevi performances: Untitled (Insertional) (2014) due cineprese bolex\, una corda\, due artiste e un albero\, e Untitled (#1 25/25 x 10/4) (2016) correre intorno a un albero ripetutamente finché ci si lega ad esso. Vicky Smith in Small things moving in Unison (2018) si confronta con i problemi puramente plastici che persistono nel film realizzato a mano\, dei segni di registrazione nello stesso punto su una serie di fotogrammi. \nPer approfondire la dinamica di creazione filmica\, nel programma Mattering and Uttering Bea Haut rivela la sua opera filmica selezionando dieci films bianco/nero: lavorare con il film 16mm in modo materialista e fai-da-te consente una risposta concreta tra l’artista e i propri materiali. Questo diventa un intreccio di pensiero\, essere e fare\, che attiva un’organizzazione sia di sé che del materiale. Si inizia da Pending (2016)\, un film performance di 100 piedi di lunghezza (30\,48 metri) formato dal pubblico in un ‘loop dal vivo’ prima di esser proiettato\, creando un’empatia tra spettatori e artista. \nSabato 23 giugno lo splendido tramonto fruibile dal Belvedere del Museo Nitsch è ideale panorama per il concerto The magnetism of knowing and not knowing di Bernhard Schreiner: una performance in cui le strutture sonore sono sviluppate dal vivo sulla base della ‘composizione istantanea’ (chiamatela improvvisazione se si vuole)\, usando una cetra\, degli effetti e dei loop\, del software (per l’elaborazione dal vivo di input) e tante piccole parti per interferire con le corde della cetra (martelletti\, pennelli\, molle metalliche\, fermacapelli\, archetto\, ecc.). \n“…Una volta che si è sviluppata una soddisfacente struttura di auto-mixing si potrebbe lasciar sola per un po’ (oppure non)\, forse permettendomi di fare un passo indietro e ascoltare le trasformazioni di auto-mixing in evoluzione. Potrei tornare a interferire ulteriormente con la configurazione\, la sovraincisione\, ecc. o anche ricominciare il concerto da zero (oppure non).”   Bernhard Schreiner \nHelga Fanderl continua ad innovare le tecniche di impressione e montaggio della pellicola Super 8mm e dalla metà degli anni ‘80 ha realizzato oltre seicento films\, ognuno di circa tre minuti\, montati in fase di ripresa nella cinepresa. I suoi film si originano da un’osservazione intensa e da un affinato approccio d’improvvisazione con reazioni rapide e tempismo di risposta. \nConstellations è un montaggio temporaneo di ventiquattro brevi films (1992-2016) di alcuni aspetti dell’opera di Helga Fanderl che evocano corrispondenze e contrasti\, sperimentando così un’intensa forma di microcosmo e nello scorrere silenzioso dei fotogrammi si può fluttuare in un limbo di associazioni mentali senza tempo e spazio. \n“…Maneggiare il proiettore\, cambiare le bobine\, mettere a fuoco e fare il quadro\, introdurre personalmente i miei programmi e discutere del mio modo di fare cinema – tutto questo contribuisce a creare un evento dal vivo e una performance unica che corrisponde in pieno alla poetica dei miei films”.  Helga Fanderl URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/independent-film-show-18th-edition/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch,Vigna San Martino ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/INDEPENDENT-FILM-SHOW-18th-Edition.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180411T183000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180411T200000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201116T114102Z LAST-MODIFIED:20210304T144238Z UID:2608-1523471400-1523476800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:“Auerhaus” / “La nostra casa” di Bov Bjerg DESCRIPTION:11 aprile 2018\nLETTURA E DIBATTITO ORE 18:30\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nHöppner\, Vera\, Pauline\, Cäcilia\, Harry… un gruppo di amici e una promessa: la loro vita non sarebbe stata un semplice avvicendarsi di nascita-scuola-lavoro-morte. Per questo motivo e per proteggere chi fra loro – Frieder – ha tentato il suicidio\, decidono di andare ad abitare tutti insieme in un’ex fattoria. Una casa in cui vivere senza adulti\, un luogo condiviso nella Germania degli anni Ottanta che battezzano Auerhaus.\nUna storia di gioventù\, di amicizia e amore\, una magica alchimia che Bov Bjerg crea tra questi sei ragazzi idealisti che impareremo a sentire molto vicini e che\, pagina dopo pagina\, ci conquisteranno al punto da voler vivere nell’Auerhaus\, lottare insieme a loro per la felicità\, come se fosse una questione di vita o di morte. \nDialogano con l’autore\, Franco Filice (traduttore dell’edizione italiana) e la germanista Daniela Allocca. \nBov Bjerg\, nato nel 1965\, è scrittore e cabarettista. Vive a Berlino\, dove ha fondato diversi palchi letterari. Autore del romanzo „Deadline” (2008) e del volume di racconti „Die Modernisierung meiner Mutter” (2016)\, la sua fama è legata soprattutto al romanzo „Auerhaus” (Aufbau Verlag – Blumenbar\, 2015\, tradotto in Italia da Keller editore)\, che in Germania è rimasto per ben due mesi nella top ten della narrativa e per quasi nove nella lista dei best seller. Un libro che ha conquistato tutti\, critici e lettori\, giovani e adulti\, rappresentato a teatro e letto nelle scuole\, e che presto approderà anche sul grande schermo. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/auerhaus-la-nostra-casa-di-bov-bjerg/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Cover-La-nostra-casa-copyright-Keller-editore.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20180212 DTEND;VALUE=DATE:20180213 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20210225T140628Z LAST-MODIFIED:20210225T140628Z UID:5296-1518393600-1518479999@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Antonio De Luca. Navigare la rotta DESCRIPTION:12 febbraio 2018\nINIZIO ORE 17:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \n  \nNella prestigiosa cornice del Museo Hermann Nitsch di Napoli\, ospite della Fondazione Morra\, lunedì 12 febbraio alle ore 17:00 si svolgerà un evento-presentazione dell’antologia delle liriche del poeta-marinaio Antonio De Luca. \nI testi\, presenti anche nelle traduzioni in dodici idiomi ad opera di altrettanti poeti madrelingua\, saranno declamati dall’attrice Margherita Vicario\, accompagnata dalla performer Irene Gallardo e dalla musicista Julia Primicile Carafa. \nNavigare la rotta\, come sottolinea anche Luciano Canfora\, è «un tributo alla grecità». Il poeta ci porta con sé nei suoi vagabondaggi per terra e per acqua\, tra Itaca\, Atene e perfino Bisanzio. Nota\, infatti\, Paolo Mieli che «il mare di De Luca è quello da cui viene tutta la nostra civiltà». \nLa presentazione\, introdotta da Giuseppe Morra\, direttore del Museo\, verrà poi arricchita dagli interventi di Maria Margotta e Francesco D’Episcopo\, dell’Università Federico II di Napoli\, Michele Bernardini\, dell’Università L’orientale di Napoli e Andrea Simi\, scrittore e grecista. All’evento prenderanno parte anche l’autore\, Antonio De Luca\, e l’editore\, Sandro Teti. \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/antonio-de-luca-navigare-la-rotta/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/02/locandina-antonio-de-luca.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171202T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20171202T230000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201117T104026Z LAST-MODIFIED:20201123T140830Z UID:2657-1512241200-1512255600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:VOCI E ALTRI INVISIBILI: RZECZY COSE DESCRIPTION:2 dicembre 2017\nDOPPIO SPETTACOLO ORE 19:00 E 21:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nA partire dal 2 dicembre la Casa del Contemporaneo – centro di produzione napoletano riconosciuto dal MiBACT\, nato dall’incontro di tre anime artistiche in dialogo tra loro per storia e confronti comuni: Le Nuvole\, Salerno Contemporanea e la Compagnia Enzo Moscato.  – presenta la rassegna “Voci e altri Invisibili”\, performance\, spettacoli\, proiezioni e incontri in luoghi non teatrali ma d’arte contemporanea. \nLa rassegna si affianca alla programmazione 2017-18\, Young\, in corso al Teatro dei Piccoli\, dedicata al teatro per l’infanzia e ragazzi. \nPrimo appuntamento\, sabato 2 dicembre\, con Deflorian-Tagliarini\, a seguire: Enzo Moscato\, i Fratelli Dalla Via\, Il Nullafacente di Santeramo-Bacci\, un incontro con Virgilio Sieni e la proiezione della sua prima opera-video\, R.OSA di Silvia Gribaudi con Claudia Marsicano\, le Albe di Martinelli e Montanari con il loro primo film e le Letture Campianesi. \nOtto titoli per tre luoghi d’arte contemporanea della città si avvicenderanno da dicembre fino alla primavera inoltrata tra il Museo Nitsch\, Casa Morra e il Museo MADRE che ospiteranno nei loro spazi e ambienti un percorso alla ricerca del contemporaneo e del dialogo tra le forme e i linguaggi\, con date uniche in prima assoluta a Napoli. \nUna proposta che vuole confermare la ‘vocazione contemporanea’ del centro di produzione e alimentare il dialogo tra linguaggi e forme d’arte e stimolare connessioni e confronti tra gli spazi cittadini. \nIl titolo della rassegna Voci e altri Invisibili prende spunto dalla creazione di Enzo Moscato\, in forma di performance\, secondo appuntamento in programma e anche omaggio al drammaturgo\, attore e regista\, appena candidato agli Ubu per il premio alla carriera. Il calendario della rassegna propone una scansione di appuntamenti\, uno o due volte al mese\, fino alla fine di aprile: \nsi inizia con la compagnia Deflorian/Tagliarini che presenta per la primavolta a Napoli RZECZY/COSE\, ideazione e performance di Daria Deflorian e Antonio Tagliarini\, che arrivano a Napoli dopo una lunga residenza e una tournée in Francia e il successo del loro ultimo spettacolo Il cielo non è un fondale (sabato 2 dicembre – Museo Nitsch; doppio spettacolo: ore 19 \ 21 *spettacolo per numero limitato di persone). \nIl secondo appuntamento è con Enzo Moscato e il suo VOCI E ALTRI INVISIBILI \n(da cui il titolo della rassegna) una performance che si avvicina alle storie di fantasmi\, “un incontro dell’umano e del familiare con l’elemento mitico e favoloso che da sempre a Napoli abita i cuori e le case” (sabato 10 febbraio – “Casa Morra”) \nA fine febbraio arrivano dal Veneto i Fratelli Dalla Via\, Marta e Diego\, che tra il comico e il surreale portano a Napoli DRAMMATICA ELEMENTARE\, il loro “dissacrante abbecedario contemporaneo in forma di racconto” (domenica 25 marzo – Casa Morra) \nIn doppio appuntamento\, al Museo Madre arriva il teatro della Toscana\, da Pontedera a Napoli\, l’atteso testo di Michele Santeramo – IL NULLAFACENTE – regia di Roberto Bacci definito “un paradosso sulla ricerca della felicità” compiuto da quattro attori (tra cui lo stesso Santeramo) (sabato 24 e domenica 25 febbraio – Museo Madre). \nAl Museo Madre\, a fine marzo\, è in programma un incontro per conoscere meglio il lavoro di Virgilio Sieni\, coreografo e danzatore che\, del contemporaneo e della ricerca sugli spazi e sul gesto\, anche quotidiano e imperfetto\, applicato alla danza ha fatto il proprio stile. Sieni presenterà la sua prima volta come film-maker nell’opera-video\, IL GIARDINO DELLE ERBACCE. \nIn aprile arriva al MADRE Silvia Gribaudi con R.OSA 10 esercizi per nuovi virtuosismi uno spettacolo al confine tra danza e performance che raccoglie ovunque consensi e curiosità. In scena Claudia Marsicano\, giovane attrice di grande talento\, dalla fisicità dirompente\, napoletana di origine e milanese di adozione\, candidata al premio Ubu (giovane attrice-under 35) per il secondo anno consecutivo (domenica 8 aprile – Museo Madre). \nA fine aprile\, chiusura di stagione al MADRE: doppio appuntamento con il Teatro delle Albe di Marco Martinelli e Ermanna Montanari che presentano il loro primo film\, ispirato allo spettacolo teatrale VITA AGLI ARRESTI DI AUNG SAN SUU KYI\, di Marco Martinelli\, con Ermanna Montanari\, Elio De Capitani\, Sonia Bergamasco e gli attori del Teatro delle Albe. Ermanna Montanari\, in forma di lettura scenica presenta Letture Campianesi (letture\, ricordi\, Immagini dall’infanzia) sua prima opera letteraria in collaborazione con Oblomov edizioni.  (sabato 28 aprile; domenica 29 aprile – Museo MADRE) \nVoci e altri invisibili è una rassegna di otto appuntamenti “fuori sede e fuori tempo” rispetto al calendario canonico pensata in collaborazione con FONDAZIONE MORRA e FONDAZIONE DONNAREGINA per le arti contemporanee\, peraccogliere e declinare insieme contenuti trasversali e ospitarli insieme in città: una particolare sinergia tra i luoghi e gli artisti che hanno accettato il nostro invito\, contribuendo a creare un’interessante rete di confronti e collaborazioni che si è intessuta per poter restituire alle compagnie invitate e al pubblico napoletano una proposta di novità assolute provenienti dalla scena nazionale\, in una visione che si allarga alla danza\, al cinema e\, in generale alle intersezioni tra le forme d’arte. \nImportante è stata e sarà la costruzione di una relazione con STANZE\, la rassegna di teatro in luoghi alternativi e ‘non teatrali’ – a cura di Alberica Archinto e Rossella Tansini – che in sette anni è diventato un appuntamento immancabile per Milano e che propone spettacoli inediti facendo conoscere luoghi inaspettati. Nata su ispirazione della frase di Brecht (dal Discorso agli attori-operai danesi sull’arte della osservazione) “Siete venuti qui per fare del teatro\, ma ora dovete dirci: a che cosa serve? ”STANZE è fedele al principio di ridurre le distanze tra gli spettatori e le esperienze della scena contemporanea. Una formula che cresce negli anni\, si è allargata oltre il confine milanese\, riuscendo nella scommessa di esplorare “altri” spazi e tentare nuovi incontri. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/voci-e-altri-invisibili-rzeczy-cose/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/2-12-2017-voci-e-altri-invisibili-G.jpg ORGANIZER;CN="Casa del Contemporaneo":MAILTO:info@casadelcontemporaneo.it END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171124T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20171124T230000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201117T105336Z LAST-MODIFIED:20201117T105336Z UID:2661-1511557200-1511564400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion - musica ascoltata raramente II Edizione DESCRIPTION:24 novembre 2017\nAPERTURA PORTE ORE 20:00 INIZIO ORE 21:00\nChiesa di San Giuseppe alle Scalze\nSalita Pontecorvo 65\, Napoli \nFrancisco Meirino [CH] + Kanaka [IT] \nLa Digestion-musica ascoltata raramente\, è lieta di annunciare l’apertura della seconda stagione\, dopo il successo che ha caratterizzato un primo anno di attività all’insegna della novità e della sperimentazione. Il festival\, risultato della sinergia tra le associazioni Phonurgia e EM-Arts e la Fondazione Morra\, mette al centro i linguaggi più innovativi dell’arte sonora contemporanea\, concentrandosi\, quest’anno\, sulla relazione tra il suono e lo spazio. Durante i sei eventi del festival tra Novembre ‘17 e Giugno ‘18\, alcuni dei luoghi più antichi\, nascosti e non convenzionali della città di Napoli verranno riscoperti e reinterpretati attraverso le opere sonore di artisti internazionali\, diventando così scena performativa per stabilire un contatto con la cultura musicale autoctona e internazionale\, tra ascoltatori e ambienti architettonici. Dalla psicoacustica di Florian Hecker alla scultura del suono di Thomas Koner\, dal detournement dei giradischi di Otomo Yoshihide all’elettroacustica per oggetti di David Toop\, fino all’installazione/performance di Pierre Berthet e Rye Nakajima nel magico Cimitero delle Fontanelle\, questa seconda edizione del festival intraprende un percorso nella sperimentazione contemporanea\, esplorando il potere del suono che si fa materia concreta\, fisica e sensibile. Significativo ai fini dell’incisività del festival La Digestion\, per la volontà di stabilire solide relazioni per la vita culturale napoletana\, è il patrocinio concesso dal Comune di Napoli e la partnership con Istituti di cultura straniera quali il Goethe Institut e la Pro Helvetia\, Fondazione svizzera per la cultura. \nDopo l’incredibile anteprima dell’illustre William Basinski nella Chiesa di San Potito\, l’avvio ufficiale di questa seconda entusiasmante edizione è Venerdì 24 Novembre\, con le potenti tessiture elettroniche del musicista svizzero Francisco Meirino e il futuristico audio-video dei nostrani Kanaka\, ambientati nella suggestiva Chiesa di San Giuseppe alle Scalze\, nel quartiere Montesanto\, grazie alla collaborazione dall’associazione Le Scalze. \nUn lavoro di video-mapping e paesaggio sonoro immersivo del gruppo Kanaka fa rivivere le meravigliose architetture della Chiesa\, e a seguire lo svizzero Francisco Meirino propone un live set in quadrifonia potente e dinamico\, in grado di conciliare impatto sonoro e incredibile ricchezza di dettaglio. \nLa poetica del compositore svizzero è\, del resto\, assolutamente originale: interessato in particolare ai malfunzionamenti delle apparecchiature elettroniche\, Meirino opera uno speciale lavoro di registrazione e composizione dei suoni generate da queste macchine desuete\, evidenziandolo sgretolamento di un mondo solo apparentemente dominato dall’efficienza tecnologica. Grazie alla sua originalità e alla sua incredibile abilità di manipolazione e composizione dei materiali sonori più disparati\, Francisco Meirino è diventato negli ultimi anni uno degli artisti sonori più importanti del panorama sperimentale\, apprezzatonei festival di tutto il mondo. \nLa seconda edizione de La Digestion ha\, tra i suoi tanti propositi la dedizione di offrire al pubblico la possibilità di avvicinarsi a un tipo di musica ascoltata raramente\, e non solo attraverso le serate performative\, ma anche riunioni dedicate all’ascolto assorto e conferenze tenute da teorici specialisti di questo linguaggio. Anche agli artisti è offerta la possibilità di insinuarsi capillarmente tra la pietra storica di Napoli\, mediante delle mini-residenze\, per poter familiarizzare con il tessuto partenopeo e ideare un’ambientazione specifica per la performance musicale. Workshop\, laboratori e inedite interviste radiofoniche saranno inoltre elementi di un anno di lavoro che intende tracciare nuovi percorsi nella vita culturale della città. \nUn format innovativo e multidisciplinare per offrire esperienze sonore uniche\, affondando nella ricerca di una “musica concreta” che\, ben nota nel contesto internazionale\, ha difficoltà ad affermarsi nella città. L’invito è sintonizzarsi su una musica da sentire con il corpo e con la mente\, una musica da lasciar entrare con stupore\, una musica da digerire. \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-ii-edizione-3/ LOCATION:Chiesa San Giuseppe delle Scalze\, Salita Pontecorvo\, 65\, Napoli\, Italia CATEGORIES:Casa Morra,Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/24-11-2017-la-digestion_LOCANDINA-MEIRINO-1.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171124T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180106T190000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201117T111205Z LAST-MODIFIED:20210408T095040Z UID:2666-1511550000-1515265200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:LA ROSA DEI 20 / PROJECTLAB Artisti & Studenti dell’Accademia di Belle Arti a Napoli DESCRIPTION:24 novembre 2017 – 6 gennaio 2018\nOPENING 24 NOVEMBRE ORE 19:00\nBiblioteca del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nA cura di Guglielmo Gigliotti e Loredana Troise \nArtisti invitati:\nMarisa Albanese\, Angelo Casciello\, Carolina Ciuccio\, Libero De Cunzo\, Maurizio Elettrico\, Sergio Fermariello\, Lucia Gangheri\, Christian Leperino\, Roberto Marchese\, Lello Masucci\, Domenico Mennillo\, Enza Monetti\, Aulo Pedicini\, Gianni Pisani\, Carmine Rezzuti\, Rosy Rox\, Mimma Russo\, Quintino Scolavino\, Marianna Troise\, Marco Zezza. \nLa mostra La rosa dei 20 / projectlab Artisti & Studenti dell’Accademia di Belle Arti a Napoli\, che si terrà presso il prestigioso Museo Hermann Nitsch (sale della Biblioteca)\, è il punto d’arrivo di un’indagine sulla percezione e il senso dell’arte contemporanea\, realizzata tramite la messa a punto di venti laboratori in cui venti artisti napoletani\, diversi per biografie\, stili e sensibilità\, accettando con disponibilità e amicizia l’invito dei curatori\, hanno interagito con gli allievi dell’Accademia di Belle Arti di Napoli\, condividendo visioni\, passioni ed esperienze. Condotto nell’ambito della cattedra di Storia dell’Arte Contemporanea del prof. Guglielmo Gigliotti di cui Loredana Troise è cultrice e lungo l’Anno Accademico 2016-17\, il progetto (disposto\, diretto e seguito in tutte le sue molteplici fasi dai curatori) si è rivelato\, oltre che una preziosa opportunità\, per l’intreccio di inedite esperienze e collaborazioni\, anche un modello relazionale armonico\, in progress\, inteso come bisogno formativo e prospettiva etica ineludibile per chi si orienta all’apprendimento in settori come quello delle arti. La partecipazione al farsi dell’arte sperimentata nei workshop\, si è infine tradotta in una interessante mostra\, composta da 20 opere create dagli artisti (dipinti\, sculture\, fotografie\, installazioni e video) che\, coniugando pensiero ed eleganza compositiva\, hanno interpretato le rotte e le tendenze dell’arte d’oggi: “la rappresentazione grafica delle direzioni di derivazione dei venti\, al di là del gioco verbale riferito al numero degli artisti partecipanti\, si configura – per dirla con i curatori – una buona allegoria della vita del contemporaneo a Napoli\, mossa\, tra bonacce e tempeste\, da direttrici energetiche multiple”. \nIn mostra\, anche i numerosi storyboard elaborati dai corsisti\, collegati idealmente alle trame delle opere\, a richiamare il dialogo e la sintonia fra le parti: un approccio fondamentale che va sempre preservato e incrementato sebbene in nuove forme come preziosa risorsa intellettuale\, utile a rispondere alle sfide del presente. \nPer l’occasione\, sarà pubblicato dalla casa editrice arte’m – un catalogo con i testi di Giuseppe Gaeta\, Giuseppe Morra\, Loredana Troise\, Guglielmo Gigliotti. \n\n \n \n \n \n \n \n La Rosa dei 20 – Artisti&Studenti dell’Accademia di Belle Arti di Napoli\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2017\nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n La Rosa dei 20 – Artisti&Studenti dell’Accademia di Belle Arti di Napoli\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2017 Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n La Rosa dei 20 – Artisti&Studenti dell’Accademia di Belle Arti di Napoli\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2017 Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n La Rosa dei 20 – Artisti&Studenti dell’Accademia di Belle Arti di Napoli\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2017 Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-rosa-dei-20-projectlab-artisti-studenti-dellaccademia-di-belle-arti-a-napoli/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/La_Rosa-dei-20_im-copertina.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20170705T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20170722T190000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201117T124340Z LAST-MODIFIED:20201123T140756Z UID:2699-1499281200-1500750000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Hamza Halloubi - How Far is Far? DESCRIPTION:5 luglio – 22 luglio 2017\nOPENING 5 LUGLIO ORE 19:00\nSala Conferenze del Museo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nA cura di Alessandra Troncone \nNegli spazi del Museo Hermann Nitsch\, inaugura How Far is Far?\, mostra personale di Hamza Halloubi\, a cura di Alessandra Troncone. La mostra nasce in occasione di una residenza presso Casa Morra e presenta per la prima volta in Italia alcuni lavori video dell’artista. \nLa ricerca di Hamza Halloubi (Tangeri\, 1982; vive a Bruxelles) si muove tra la narrazione personale e quella storica\, utilizzando il video come mezzo espressivo fluido\, capace di condensare il reale in immagini e storie che oscillano tra il fatto reale e la finzione poetica. Nelle sue opere\, temi di grande complessità quali l’esilio\, i silenzi storici\, i rapporti tra arte e dimensione politica\, sono declinati in una chiave del tutto personale\, che ne lascia intuire la densità senza tuttavia proiettarli in primo piano. Elemento costante è la sensazione di “qualcosa che manca” che dà vita ad atmosfere sospese\, mentre la voce dell’artista ci accompagna in racconti dove memorie personali\, fatti storici e domande esistenziali si mescolano in un’unica narrazione. \nLa mostra è appositamente concepita per gli spazi del Museo Hermann Nitsch e presenta lavori più vecchi insieme a quelli più recenti. Tutto il progetto è strutturato sulla polarità tra staticità e movimento\, orizzontalità e verticalità\, creando una nuova e unica immagine. Tra i video presenti in mostra\, To Leave (2011)\, silenzioso racconto di una partenza ambientato a Tangeri\, città natale dell’artista\, e Letter to Aura (2012)\, anch’esso girato in Marocco\, nel quale la vista di un muro dalla finestra di casa è il punto di partenza per una riflessione sull’emigrazione e le limitazioni alla libertà di circolazione. \nHamza Halloubi (Tangeri\, 1982) ha studiato a La Cambre di Bruxelles\, dove attualmente vive. È stato in residenza presso la Rijksakademie van beeldendekunsten di Amsterdam (2015-2017). Tra gli spazi che hanno ospitato sue mostre personali vi sono il Museum De Pont di Tilburg\, c-o-m-p-o-s-i-t-e a Bruxelles\, KIOSK a Gent\, il BOZAR- PalaisdesBeaux-Arts a Bruxelles. Tra le collettive\, ha partecipato alla Marrakech Biennale 5 (2014)\, alla ThessalonikiBiennial (2015)\, alla mostra Close-Up presso l’EYE Filmmuseum di Amsterdam (2016)\, alla mostra In the Belly of the Whale presso il Witte de With a Rotterdam (2016)\n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/hamza-halloubi-how-far-is-far/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Hamza-Halloubi.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20170622T200000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20170624T200000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201117T151406Z LAST-MODIFIED:20201117T151406Z UID:2703-1498161600-1498334400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:INDEPENDENT FILM SHOW 17th Edition DESCRIPTION:22 giugno – 24 giugno 2017\nINIZIO PROIEZIONI ORE 20:00\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nINDEPENDENT FILM SHOW 17th edition\, rassegna internazionale dedicata al film sperimentale indipendente\, coordinata da Raffaella Morra e organizzata da E-M ARTS associazione culturale\, si svolge giovedì 22\, venerdì 23 e sabato 24 giugno al Museo Nitsch con la proiezione dei tre programmi di films 16mm e le tre live expanded cinema performances. Sin dal 2001\, l’Independent Film Show predilige mostrare le più progressive esperienze filmiche\, agendo da propulsore culturale per lo sviluppo di mentalità sensibili ai fenomeni percettivi complessi\, oltre le rigide regole visive e uditive. A caratterizzare l’INDEPENDENT FILM SHOW 17th edition sono l’inventiva delle tecniche di ripresa e di impressione fotografica\, la manualità filmica artigianale amplificata dal Do It Yourself\, la sperimentazione di nuovi agenti di sviluppo organici naturali\, il ritmo dei fotogrammi e\, se fondamentale\, l’inclusione delle tracce audio. La collisione tra immagine e sensazione percettiva potrebbe apparire accidentale\, ma i film-makers dell’Independent Film Show applicano una resistenza alla percezione lineare\, ognuno orientando la propria comprensione visiva in direzioni diverse. \nNel programma Innovative paths in the un-known\, Raffaella Morra ha selezionato sette opere filmiche accomunate da una forte attrazione per l’emulsione filmica e per le trasformazioni alchemiche\, in particolare i processi chimici inconsueti che inscrivono le immagini. Due films realizzati da pionieri del experimental cinema: Two Pictures è un’opera di astrazione filmica tattile e sensuale di Rose Lowder e Carl E. Brown\, e In the Shadow of Marcus Mountain di Robert Schaller\, girato con una cinepresa stenoscopica fatta a mano e in gran parte montato in fase di ripresa attraverso una partitura ritmica. Tra le recenti indagini filmiche\, che provano a penetrare la materialità enigmatica del film ed i diversi stati emotivi: Water film di Dan Browne è una relazione complessa tra le immagini\, i suoni e i processi di montaggio connessi a questioni di legittimità della memoria; ELEMENTs di Julie Murray è un’esplorazione di uno spazio visitato da accidentali figure indistinte\, relazionate l’una all’altra mediante il ritmo dei propri gesti; in Rhus Typhina di Alexandra Moralesová & Georgy Bagdasarov protagonista è una pianta che agisce da agente di sviluppo filmico; River in Castle di Sandy Ding offre ripetuti riferimenti alla magia\, accostando spesso i suoi film a rituali di iniziazione; DOUBT #2 di Josh Lewis esplora i confini della conoscenza manuale\, la lotta corporea e l’enigma persistente del materiale. \nIn sinergia con il festival La Digestion – musica ascoltata raramente\, la proiezione di due films di Hangjun Lee è accompagnata dall’improvvisazione sonora in quadrifonia di Chulki Hong e Will Guthrie. In The Cracked Share il pubblico è immerso in una strana miscela di immagini distorte dalla chimica e da uno sfarfallio aggressivo\, un’ondata di colori esplosivi e forme sconosciute intersecate dall’improvvisazione noise di Hong e di Guthrie. Phantom Schoolgirl Army indaga le condizioni materiali della fotografia (lastre fotografiche\, magnesio) e le sue “convenzioni” (la visuale dei ritratti\, le funzioni del flash)\, ricostruendo esteticamente la dialettica tra immobilità e movimento insita nel cinema. \nVenerdì 23 giugno si proietta Differently\, Molussia di Nicolas Rey\, adattato dal libro Die molussische Katakombe del filosofo tedesco Günther Anders\, scritto tra il 1932 e il 1936\, che il film-maker non ha mai letto. Il film sviluppato a mano\, separato in nove bobine proiettate a caso\, racconta storie e pensieri allegorici di prigionieri politici di Molussia\, un immaginario stato fascista. I nove segmenti rimuginano sul capitalismo\, sull’imperialismo e sulla resistenza. \nNell’expanded cinema performance Scarface di Greg Pope la manipolazione del proiettore 16mm e del proiettore per diapositive\, i microfoni a contatto e i pick-up di chitarra si combinano nello spazio architettonico: l’improvvisazione e la casualità sono anche degli elementi di questo processo dinamico\, partecipando al trattamento distruttivo della pellicola analogica con il culto estinto della lanterna magica. \nSabato 24 giugno A Bright Darkness include tre films e l’expanded cinema performance di Anja Dornieden e Juan David González Monroy\, con il moniker di Ojoboca. Utilizzano i processi di manipolazione del supporto filmico e delle tecniche suggestive per creare l’Horrorism un metodo simulato di trasformazione interiore ed esteriore. In un’intervista\, Juan David González Monroy spiega: “In sostanza\, il cinema è una macchina che ti parla\, ti racconta una storia. Data la dinamica del cinema\, la macchina è programmata dai film-makers per parlare personalmente con ogni singolo membro del pubblico. Abbiamo iniziato a pensare al cinema in questo modo per caso\, ma poiché questo è in sostanza ciò che il cinema fa\, abbiamo scelto di concentrarci su questo aspetto. Naturalmente\, la macchina potrebbe essere folle\, potrebbe mentire\, potrebbe cercare di convincerti di diversi modi per visualizzare il mondo\, oppure potrebbe solo cercare di intrattenerti raccontando una buona storia”. \n  \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/independent-film-show-17th-edition/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/locandina-2017.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20170622 DTEND;VALUE=DATE:20170623 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20210304T161931Z LAST-MODIFIED:20210304T161931Z UID:5598-1498089600-1498175999@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion – musica ascoltata raramente I Edizione DESCRIPTION:22 giugno 2017\nINIZIO ORE 22:00\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nin collaborazione con E-M ARTS INDEPENDENT FILM SHOW 17 edition \nLa Digestion – festival dedicato alla musica di ricerca\, nato dalla collaborazione fra l’associazione culturale Phonurgia (fondata da Giulio Nocera\, Mimmo Napolitano\, Renato Grieco e Andrea Bolognino)\, la E-M ARTS associazione culturale e la Fondazione Morra – torna al Museo Nitsch per il quinto e penultimo appuntamento della sua prima edizione.\nL’attenzione sarà questa volta rivolta alla relazione fra suono e immagine. La performance\, infatti\, è parte del programma dell’INDEPEDENT FILM SHOW\, organizzato da EM ARTS\, che da 17 anni si propone come osservatorio sul cinema sperimentale internazionale con una particolare predilezione per le opere filmiche\, in pellicola 16mm.\nIl coreano Chulki Hong\, noto per l’utilizzo di giradischi e CD-players hackerati\, e Will Guthrie\, batterista dedito all’utilizzo di tecniche estese\, improvviseranno su due pellicole di Hangjun Lee\, filmmaker\, programmatore e curatore indipendente anch’esso coreano.\nI film 16mm di Hangjun Lee sfidano lo spettatore a materializzare un concetto\, piuttosto che a concettualizzare la materia.\nIn accordo con questo approccio la luce non stimola il nervo ottico ma lo attacca\, rendendolo impotente. Nei suoi film il punto di vista non è collocato all’esterno ma all’interno del corpo stesso.\nIn ”The Cracked Share” il pubblico è immerso in una strana miscela di immagini distorte dalla chimica e da uno sfarfallio aggressivo\, un’ondata di colori esplosivi e forme sconosciute. ”Phantom Schoolgirl Army” è basato su una raccolta di ritratti fotografici militari\, ed elabora la storia di spie Nord Coreane travestiti da ragazze di scuola superiore durante la rivolta Yeosu-Suncheon del 1948. Il governo Sud Coreano ha utilizzato questa leggenda come propaganda anti-comunista. L’equipaggiamento hackerato di Chulki e le percussioni di Guthrie trasformano le vibrazioni dell’aria in materiale vivo e tangibile.\nÈ riduttivo parlare di accordo o disaccordo\, sincronia o diacronia; ciò che è in gioco qui è piuttosto una forza aerea che\, d’improvviso e casualmente\, coincide con il movimento della luce.\nConcetti materiali che abitano la dimensione magica ed elusiva che sta fra la luce e il suono. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-i-edizione-5/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/Locandina-ind_DIGESTION-DEF.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20170608T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20170730T190000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201117T165246Z LAST-MODIFIED:20201117T165350Z UID:2711-1496948400-1501441200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Altri enigmi…omaggio a Man Ray - Opere di Fabio Donato 2010_2017 DESCRIPTION:8 giugno – 30 luglio 2017\nOPENING 8 GIUGNO ORE 19:00\nBiblioteca del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nProdurre pensiero è il fine ultimo degli scatti fotografici di Fabio Donato\, che torna ad investigare la trascendenza\, alla ricerca di quell’elemento che rende una figura intrisa di impeto mitologico.\nS’intitola Altri enigmi…omaggio a Man Ray la mostra\, curata da Giuseppe Morra\, che Fabio Donato presenta presso la Biblioteca del Museo Nitsch\, l’8 giugno 2017 alle ore 19.00\, imbastendo un dialogo tra lo straniamento tipico dei soggetti\, animati o inanimati\, ritratti da Man Ray e la quotidianità ermetica della città di Napoli.\nCome proiezioni di immagini mentali\, le fotografie di Donato ritraggono la realtà\, sondandone il mistero che la sottende\, suggerito da forme che inducono all’interrogazione\, al ragionamento su un tempo non ancora concluso. Questo racconto visivo di vocazione concettuale\, che rende attivo lo sguardo del fruitore\, accentua il senso di alienazione che pervade gli oggetti d’uso quotidiano\, fossili di un’archeologia del presente còlti in dettagli evocativi\, componenti fondamentali nell’estetica fotografica di Donato.\nAltri enigmi…omaggio a Man Ray si compone di fotogrammi che\, come indizi\, s’interrogano sulla realtà in termini profondamente esistenziali\, oscillando tra visione interiore e trasformazione oggettiva dell’immagine\, come il metronomo di Man Ray\, a cui la mostra è chiaramente ispirata.\nCome avviene nell’Enigma di Isidore Ducasse\, oggetti-non-oggetti vengono ritratti\, spogliati della loro funzionalità originaria\, recuperabile solo intimamente e non senza retrocessioni e cedimenti\, a testimonianza dell’unica certezza\, quella dell’assurdo. Fabio Donato costruisce un racconto irrazionale\, che mira alla ricerca di senso e unità\, pur sapendo che potrebbe non aver fine\, ma che\, allo stesso tempo\, sottolinea la straordinaria bellezza del mistero della vita.\nLa mostra è accompagnata dal catalogo dal titolo omonimo Altri enigmi…omaggio a Man Ray\, edito da artstudiopaparo\, con testi di Diana Gianquitto\, Olga Scotto di Vettimo\, Maria Savarese e Loredana Troise. \nFabio Donato\nÈ da quasi cinquant’anni anni (1967 ad oggi) che il percorso della ricerca di Fabio Donato si svolge su due binari paralleli. Il primo è quello più professionale\, tutto dedicato alla storicizzazione dei linguaggi artistici (arti figurative\, teatro). Ama definirsi fotoreporter della cultura; lavoro che svolge principalmente a Napoli\, ma con viaggi\, anche molto lunghi\, in ogni angolo del mondo. Lungo le strade dei linguaggi dell’arte ha avuto l’occasione di sperimentare il proprio\, quello della fotografia\, con il punto di vista di uno spettatore privilegiato\, che gli ha permesso di incontrare artisti come J. Beuys\, A. Warhol\, J. Beck\, H.Nitsch\, Eduardo\, Svoboda\, Shimamoto\, e quasi tutti i più importanti operatori delle arti visive internazionali \,con un occhio attento al proprio territorio che gli ha permesso di mettere insieme un archivio ricco di circa 400.000 immagini.\nIl secondo percorso\, (quello che definisce “poetico”)\, si svolge\, da sempre\, su temi come la sospensione del tempo\, la soglia come linea di demarcazione tra spazi\, tempi\, dimensioni mentali contrapposte. Ed ancora il doppio\, il rapporto tra la realtà e la finzione\, l’altro da sé. Il tutto attraverso immagini che\, partendo da dettagli urbani\, divengono territorio di proiezioni mentali.\nTutto ciò come tentativo di provocare “pensiero” in chi legge il suo lavoro\, in un tempo dove l’hobby più diffuso dell’umanità pare sia diventato quello di autoritrarsi in ogni luogo e comunicarlo al mondo intero.\nDa più di vent’anni è docente di Fotografia presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Alcune sue opere sono conservate in collezioni museali in: Italia\, Messico\, Francia\, Brasile\, Cina.\n\n \n \n \n \n \n \n Enigma n°5\, Altri Enigmi…Omaggio a Man Ray\, Biblioteca del Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2017 \nFabio Donato \nCourtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/altri-enigmiomaggio-a-man-ray-opere-di-fabio-donato-2010-2017/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/08-05-2017-Invito_Altri-enigmi-omaggio-a-Man-Ray_Fabio-Donato_page-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20170413T200000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20170521T183000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201119T112810Z LAST-MODIFIED:20201119T112810Z UID:2728-1492113600-1495391400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Monica Biancardi - RiMembra Drammaturgia per immagini DESCRIPTION:13 aprile – 21 maggio 2017\nOPENING 13 APRILE ORE 20:00\nBiblioteca del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nRiMembra. Drammaturgia per immagini è un racconto fotografico\, che l’artista Monica Biancardi costruisce nel tempo\, raccogliendo membra sparse in luoghi differenti\, spazi fisici e mentali\, non aventi relazione alcuna. \nLa mostra\, promossa e organizzata dalla Fondazione Morra\, raccoglie un corpus di immagini concepite come singole unità\, ma che\, nel loro dare forma alla memoria\, si collegano formando un atlante visivo fatto di corrispondenze di varia natura. \nIl critico Lorand Hegyi\, per quindici anni direttore del Museo d’arte moderna di Saint-Étienne e attualmente prestigioso critico e curatore\, a proposito del progetto\, scrive “Monica Biancardi utilizza collage apparentemente semplicissimi\, in cui le diverse immagini di partenza vengono accostate e così unite da collegamenti che emergono dall’analogia formale di elementi figurativi completamente diversi\, si servono di somiglianze che possono riguardare la qualità\, determinate caratteristiche fisiche reciprocamente associabili\, o anche superfici e strutture materiali simili. Destabilizzante è il fatto che non sussiste una spiegazione evidente\, un nesso palese tra i diversi elementi dell’immagine.. ”. \nIl giorno dell’inaugurazione lo scrittore e saggista Gabriele Frasca terrà un intervento poetico\, entrando nel racconto visivo di RiMembra. Sonorizzata da Stefano Perna e frutto di una lunga collaborazione\, l’installazione\, che unisce l’opera visiva di Monica Biancardi al testo sonoro di Gabriele Frasca\, mostra attimi diversi\, momenti colti dall’obiettivo ad una fisicità e ad una temporalità che rifuggono la realtà e che riportano alla mente ricordi belli o brutti. Il tema Ri è difatti attaccato al sostantivo Membra. Sempre Hegyi sostiene che nelle fotografie della Biancardi “alla bellezza della superficie si sovrappone un’irresistibile ricerca di spiegazioni”\, in quanto la rappresentazione genera immagini che si relazionano solo nel corso del tempo\, compiendo un viaggio nella memoria che trascende la singolarità dell’immagine fissa. \nGiovedì 13 aprile alle ore 17.30 sarà inoltre presentato\, presso la Sala Biblioteca del museo Madre\, il libro del progetto RiMembra\, che ha ricevuto il Matronato della Fondazione Donnaregina per le Arti Contemporanee. Edito dalla casa editrice bolognese Damiani\, il libro è stato realizzato in collaborazione con Gabriele Frasca e Lorand Hegyi\, che interverranno alla presentazione insieme al professore Gennaro Carillo\, docente di Storia delle dottrine politiche al Suor Orsola Benincasa di Napoli. Alle ore 20.00 presso la Biblioteca del Museo Nitsch\, l’apertura al pubblico della mostra RiMembra. Drammaturgia per immagini. \nMonica Biancardi\, nata a Napoli nel 1972\, si laurea presso l’Accademia di Belle Arti con una tesi sperimentale sulla fotografia di teatro. Inizia a lavorare giovanissima per importanti registi italiani e stranieri\, (svolgendo parallelamente l’insegnamento di disegno e storia del costume) e realizzando sue personali ricerche fotografiche. La prima di queste\, “Credere”\, a carattere antropologico\, viene acquistata dalla Bibliothèque Nationale de France. La prima mostra “Ritratti”\, inaugurata presso la galleria RiccardoArtivisive in Napoli\, riscuote molto successo tanto da essere invitata al Macba di Barcellona\, a Madrid\, Salamanca\, alla biennale della fotografia di Brescia\, alla mostra sul Dada a Pavia curata da Achille Bonito Oliva che la invita a progettare un’intera cella all’interno della Certosa di Padula\, durante la rassegna “Le Opere e i giorni”. Inoltre uno dei “Ritratti” vince il premio Serrone\, presso la Villa Reale di Monza. Uno dei lavori di un altro suo progetto artistico “Aldilà”\, verrà acquisito dalla nuova Metropolitana di Napoli. Invitata da Antonio Presti a Catania\, realizza un racconto per immagini dal titolo “Viaggio a Librino” con lo scrittore israeliano Mejr Shalev. Nel 2005 organizza una performance in piazza Castello a Milano con tantissime donne intitolata “Un Abbraccio per la pace”\, che ripeterà a distanza di tempo in piazza Dante a Napoli e sul Monte degli Ulivi a Gerusalemme con donne arabe ed israeliane. Su richiesta della Soprintendenza\, nel dicembre del 2006 dedica al padre\, scomparso prematuramente\, il nuovo progetto artistico “Mutamenti” negli spazi di Castel S. Elmo a Napoli che poi andrà a Milano e ad Aarau\, in Svizzera. Dopo diversi viaggi nei territori palestinesi\, Monica realizza una mostra voluta dall’All Quds University di Gerusalemme con la relativa pubblicazione. Nel 2009 realizza su invito della Soprintendenza di Napoli una grande mostra dal titolo “Orientamenti” al Museo di Capodimonte di Napoli dove affronta il tema dell’integrazione culturale che le sta molto a cuore tanto che lo stesso anno\, in forma multimediale presenta il lavoro sulla Palestina\, “Tra le immagini”\, valorizzando l’etnia beduina che presenta al museo MAV di Ercolano. Ha chiuso nel 2012 il suo progetto “Habitus” che viene presentato al museo Marte di Cava dei Tirreni. Nel 2013 vince il “Premio Napoli” per l’arte. L’anno dopo il Mois de la Photo di Parigi\, seleziona ed espone il suo progetto “Credere”. Nel 2015 vince il Premio Dolomiti Contemporanee. Lavora con Shazar Gallery. Le sue opere sono presenti in molte collezioni private di arte contemporanea. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/monica-biancardi-rimembra-drammaturgia-per-immagini/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/13_04_2017_RiMembra_Monica_Biancardi.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20170405 DTEND;VALUE=DATE:20170406 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201119T114041Z LAST-MODIFIED:20210223T101716Z UID:2732-1491350400-1491436799@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Prospettive su ritratti e luoghi: I films di Adele Friedman DESCRIPTION:5 aprile 2017\nINIZIO PROIEZIONI ORE 19:30\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \n“Per più di tre decenni\, Adele Friedman film-maker di Chicago ha forgiato e perfezionato una visione originale con i suoi ritratti silenziosi\, in cui la cinematografia grandangolare e l’ossessiva panoramica estendono gli spazi di appartamenti e giardini\, creando un sensuale panorama dell’ordinario.”\nFred Camper \nIl programma di stasera attraversa 38 anni\, cominciando da un primo ritratto del 1979. Sono inclusi nel programma dei ritratti e dei films di luoghi: natura\, architettura\, giardini\, fiumi.\nQuesti films sono delle prospettive\, così visualizzate dalla film-maker e presentate allo spettatore.\nLe composizioni dello spazio tra persone\, oggetti\, interni ed esterni\, tutti dentro il fotogramma\, sono un elemento critico di ciò che si vede nel film. Queste composizioni cambiano costantemente con il movimento\, sia dei soggetti che della film-maker\, consentendo un’interpretazione e una reinterpretazione.\nI ritratti filmici sono su persone dell’ambito culturale e come le loro vite sono conformate dai propri interni e gusti artistici. Si circondano di ciò che li muove. Le persone non lasciano la propria cultura presso il Museo o l’ufficio; se la portano a casa e vivono con essa. È parte integrante del tessuto quotidiano della propria vita.\nÈ inoltre incluso in questo programma un primo paesaggio onirico che esplora la narrazione strutturale del sogno e del subconscio.\nFriedman sceglie di lavorare in pellicola 16mm per la delicata qualità morbida della luce rivelata attraverso la pellicola filmica\, che trasmette gli strati e le sfumature di tonalità e colore. I films sono silenziosi\, esortando lo spettatore a concentrarsi interamente sull’immagine proiettata. \nAdele Friedman ha ricevuto il suo M.F.A. e la sua laurea in Storia dell’Arte presso l’Art Institute of Chicago. I suoi films sono distribuiti da Light Cone di Parigi\, e ha esposto a livello internazionale nel corso degli ultimi 33 anni\, tra cui E-M Arts di Napoli\, nell’ambito della mostra Fôret; Scratch Proiezione a Parigi; Oesterreichisches Filmmuseum\, Vienna\, Austria; Stadtmuseum Filmmuseum di Monaco di Baviera\, Germania; Frankfurt Deutsches Filmmuseum Kommunales Kino\, Germania; Arsenal\, Kino der Freunde der Deutschen Kinemathek\, Berlino; Fylkingen\, Turbidus Film\, Stoccolma\, Svezia; Innocent Eyes and Lenses Film Festival\, Tokyo\, Giappone; ” Big as Life: An American History of 8mm Film “\, il Museum of Modern Art\, New York; Il 26° New York International Film Festival; Millennium Film Workshop\, New York; The Onion City Experimental Film and Video Festival\, Chicago; il Museum of Contemporary Art\, Chicago; tra le molte altre mostre. Questa è la sua prima mostra personale in Italia.\n\n \n \n \n \n \n \n Adele Friedman\, Red Cloud\, 2017\nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Adele Friedman\, Untitled 1982\nCourtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/prospettive-su-ritratti-e-luoghi-i-films-di-adele-friedman/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/INVITO_OK_page-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20170404T180000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20170410T180000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20210225T141246Z LAST-MODIFIED:20210225T141407Z UID:5301-1491328800-1491847200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Catalogna Bombardata DESCRIPTION:4 aprile 2017\nINIZIO ORE 18:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29d\, Napoli \na cura del Centro di documentazione “Filippo Buonarroti” di Milano \nL’associazione di italiani a Barcellona AltraItalia\, l’Anpi\, l’Anppia e il Centro Filippo Buonarroti sono liete di annunciare la mostra Catalogna Bombardata (Catalunya Bomberdejada)\, realizzata dal Memorial Democratic della Generalitat de Catalunya\, in occasione dell’80esimo anniversario del bombardamento dell’Italia fascista sulla popolazione catalana durante la guerra civile. Nata come progetto itinerante\, la mostra\, composta da sedici pannelli illustrativi che raccontano la vicenda dei bombardamenti che gli aerei italiani inviati da Mussolini a sostegno di Franco colpirono soprattutto Barcellona\, sarà esposta in 58 diverse località italiane\, su iniziativa del Centro Filippo Buonarroti di Milano e di altre venti istituzioni ed associazioni dell’Antifascismo. \nA Napoli\, Catalogna Bombardata sarà ospitata dalla Biblioteca del Museo Nitsch. L’inaugurazione si terrà martedì 4 aprile alle ore 18.00. La mostra sarà inoltre accompagnata\, sia in apertura che in chiusura\, e sempre alle ore 18.00\, da una conferenza stampa\, cui interverranno: Doriano Maglione Centro Filippo Buonarroti\, Giuliano Balbi Università degli Studi della Campania “Luigi Vanvitelli”\, Lorenzo Morricone del Centro di Documentazione Pasquale Martignetti\, Aldo Oliveri della Società Filosofica Italiana-Sezione Napoletana “Giambattista Vico”\, Aurora Spinosa Storica dell’Arte URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/catalogna-bombardata/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/02/LocandinCatalognaBombardataA4-1.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20161127 DTEND;VALUE=DATE:20161128 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20210304T163409Z LAST-MODIFIED:20210304T163556Z UID:5612-1480204800-1480291199@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion – musica ascoltata raramente I Edizione DESCRIPTION:27 novembre 2016\nINIZIO ORE 20:30\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nTorna La Digestion – musica ascoltata raramente\, festival dedicato alla musica di ricerca\, frutto della collaborazione fra l’associazione culturale Phonurgia (fondata dai napoletani Giulio Nocera\, Mimmo Napolitano\, Renato Grieco e Andrea Bolognino)\, EM-ARTS\, la Fondazione Morra e il Museo Hermann Nitsch.\nI tre soggetti culturali\, da decenni attivi nella promozione e nella diffusione delle arti multimediali\, hanno raccolto l’istanza della neonata associazione Phonurgia con la volontà precisa e comune di riportare la città di Napoli al centro del dibattito europeo attorno alle arti analogiche\, digitali e performative.\nIl festival\, che si articolerà in 6 appuntamenti lungo il corso del 2016 e del 2017 a partire dal 22 settembre\, vedrà protagonisti musicisti da tutto il mondo\, dagli Stati Uniti alla Corea\, con particolare attenzione alle espressioni musicali più estreme e radicali.\nIl primo concerto\, che con Kevin Drumm ha posto le basi per un percorso attraverso le forme più inusuali della musicale elettronica\, troverà seguito il 27 novembre\, data del secondo appuntamento\, dedicato questa volta alla musica concreta. Protagonista della serata sarà Valerio Tricoli\, uno dei più vitali e originali interpreti della musica per (e con) nastro magnetico\, autore di dischi ormai di culto come Miseri Lares e Clonic Earth\, pubblicati da PAN. Lavorando con materiali sonori tra i più vari (voci\, oggetti\, strumenti acustici\, suoni sintetici\, suoni d’ambiente) trasformati e manipolati in tempo reale attraverso il mitico registratore a bobine Revox\, Tricoli è capace di dar vita a narrazioni sonore fascinose e perturbanti\, emozionali e occulte\, intrise di una sensazione quasi tattile di tensione. \nIn linea con gli intenti del festival\, non si tratterà di un semplice concerto ma di una residenza presso il Museo Hermann Nitsch\, durante la quale Valerio Tricoli lavorerà insieme ai musicisti napoletani Giulio Nocera\, KNN e SEC_\, per la costruzione di una performance quadrifonica basata sui registratori a nastro e pensata per la capriata del Museo. \nLa residenza è aperta al pubblico nelle date 25 e 26 novembre. \n\n \n \n \n \n \n \n La Digestion – musica ascoltata raramente I Edizione\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2016 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n La Digestion – musica ascoltata raramente I Edizione\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2016 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-i-edizione-7/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/Locandina-Ritorna_-def.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20161120T200000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20161120T200000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201119T151013Z LAST-MODIFIED:20210223T102304Z UID:2758-1479672000-1479672000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Philippe Léonard x Thisquietarmy DESCRIPTION:20 novembre 2016 \nSTART ORE 20:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nAlchemic Rites: Live Expanded Cinema\nGuitar Drones and Dual 16mm Projections \n  \nIl programma Various positions: works from Double Negative\, composto da sette opere realizzate da film makers del collettivo Double Negative (presentato a Napoli nel giugno 2012)\, è preludio a Alchemic Rites: Live Expanded Cinema del film-maker Philippe Léonard e del pionieristico progetto musicale Thisquietarmy. \nPhilippe Léonard si definisce un cercatore di luce\, “…catturo e modello la luce per lasciare una traccia di esperienza…”\, Eric Quach aka Thisquietarmy\, chitarrista e produttore discografico\, crea intense atmosfere di drones e modulazioni sonore\, spingendosi oltre i limiti dello strumento in bilico tra meditazione e tensione. \nIn tour Europeo\, Alchemic Rites: Live Expanded Cinema si adatta alla variabilità dell’ambiente e alla sintonia con il pubblico; Philippe Léonard e Thisquietarmy ci invitano a scorgere la scintilla e la rifrazione sonora in un’intensa intermittenza di apparizioni e sparizioni\, in sintonia con il battere delle palpebre e il ritmo cardiaco. Un momento inestimabile\, che frammenta la linearità del tempo\, sconfigge l’incapacità di fare esperienza ed esplode in sorpresa. \nDal 2004\, Double Negative Collective è una presenza fondamentale del cinema sperimentale Canadese; completamente indipendente e auto-finanziato\, Double Negative Collective permette alle comunità artistiche e sociali di evolversi e produrre quei cambiamenti culturali auspicabili per un’alternativa alla passività fruitiva ed al compiacimento consumistico. \nQui le descrizioni dei films e video che precedono Alchemic Rites: Live Expanded Cinema: \nPhilippe Léonard Roundtrip 2014\, Canada\, 16mm\, colore\, silent\, 3 min. \nUn dittico filmato durante un viaggio tra Montreal e New York. La mia ultima bobina Ektachrome per commemorare un giorno importante quando due si unificano nell’atto di donazione. \nCharles-André Coderre Granular Film – Beirut 2016\, Canada\, 16mm\, colour\, sound\, 6 min. \nLa reminiscenza di un viaggio a Beirut. Il mare\, le palme\, la fusione degli edifici quando le mie palpebre cominciano a chiudersi. I miei ricordi ora hanno una propria vita separata. Granular Film – Beirut è un’opera in corso di realizzazione. \nErin Weisgerber Traces 2014\, Canada\, 16mm\, b/w\, sound\, 5 min. \nTraccia \nn. \n1. \nr. Un segno visibile\, come un’orma\, fatta o lasciata dal passaggio di una persona\, un animale o una cosa. \nb. La testimonianza o un’indicazione della precedente presenza o esistenza di qualcosa; un vestigio. \n2. Un’indicazione a malapena percepibile. \nMalena Szlam Lunar Almanac 2013\, Canada/Chile\, 16mm\, colour\, silent\, 4 min. \n“Lunar Almanac inizia un viaggio attraverso le sfere magnetiche con la sua stratificazione frammentata di un fotogramma singolo\, l’esposizione prolungata di una luna moltiplicata. Filmato in pellicola 16mm Ektachrome e lavorato a mano\, gli artigianali tratti filmici sono impregnati di mistero notturno”. – Andréa Picard \nKarl Lemieux and David Bryant Quiet Zone 2015\, Canada\, 35mm\, colour\, sound\, 14 min. \nAttraverso l’uso di immagini e suoni complessi\, i film-makers Karl Lemieux e David Bryant ci conducono in profondità nel mondo di coloro che soffrono di ipersensibilità elettromagnetica. Combinando elementi di documentario\, film essay e cinema sperimentale\, Quiet Zone sfida i generi\, tessendo insieme una storia insolita in cui il suono e l’immagine distorcono la realtà per rendere palpabile la sofferenza di questi “rifugiati dall’onda”. \nShannon Harris Lacuna 2008\, Canada\, 16mm\, colour\, sound\, 9 min. 30 sec. \nEmergono diverse trame di dolore e di accettazione e l’inquadratura della cinepresa diventa una visuale verso l’interno. Lo spazio è abitato dalla memoria; la memoria diventa un gesto che cerca il passato. Lacuna è una meditazione poetica che naviga in un paesaggio di assenza\, memoria e trasformazione\, attraverso immagine e suono. \nIl processo di ripresa e di montaggio di questo film è stato intuitivo\, molto connesso al processo di elaborazione attraverso una perdita. Nell’estate del 2007 mia madre morì improvvisamente e inaspettatamente di cancro. La mia connessione con lei è forte; è quella tra madre e figlia e tra luogo e casa. Questo film è un poema di immagine/suono\, nonché un documento dell’esperienza e del dolore per la perdita di mia madre. \nEduardo Menz P.O.P. 2013\, Canada\, Super 8mm\, b/w\, sound\, 3 min. 20 sec. \nRitratti filmici che catturano un diverso stato d’animo. \nVarious positions: works from Double Negative\nPhilippe Leonard Roundtrip 2014\, Canada\, 16mm\, colour\, silent\, 3 min.\nCharles-André Coderre Granular Film – Beirut 2016\, Canada\, 16mm\, colour\, sound\, 6 min.\nErin Weisgerber Traces 2014\, Canada\, 16mm\, b/w\, sound\, 5 min.\nMalena Szlam Lunar Almanac 2013\, Canada/Chile\, 16mm\, colour\, silent\, 4 min.\nKarl Lemieux and David Bryant Quiet Zone 2015\, Canada\, 35mm\, colour\, sound\, 14 min.\nShannon Harris Lacuna 2008\, Canada\, 16mm\, colour\, sound\, 9 min. 30 sec.\nEduardo Menz P.O.P. 2013\, Canada\, Super 8mm\, b/w\, sound\, 3 min. 20 sec.\n\n \n \n \n \n \n \n Philippe Leonard x Thisquietarmy\, Museo Hermann Nitsch\, 2016© photo Pietro Previti Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Philippe Leonard x Thisquietarmy\, Museo Hermann Nitsch\, 2016© photo Pietro Previti Courtesy Fondazione Morra\n \n \n\n  \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/philippe-leonard-x-thisquietarmy/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/20_11_16_Fondazione_Morra_Philippe_Leonard_x_Thisquietarmy_2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160922T203000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20170714T203000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201119T124657Z LAST-MODIFIED:20201119T124740Z UID:2751-1474576200-1500064200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion - musica ascoltata raramente I Edizione DESCRIPTION:22 settembre 2016 – 14 luglio 2017\nINGRESSO ALLE PERFORMANCES ORE 20:30 \na cura di Raffaella Morra\, Giulio Nocera\, Mimmo Napolitano\, Renato Grieco \nAl via La Digestion musica ascoltata raramente\, festival dedicato alla musica di ricerca\, frutto della collaborazione fra l’associazione culturale Phonurgia (fondata da Giulio Nocera\, Mimmo Napolitano e Renato Grieco\, giovani musicisti napoletani)\, la E-M Arts\, la Fondazione Morra e il Museo Hermann Nitsch. Da decenni attive nella promozione e nella diffusione delle arti multimediali\, queste tre organizzazioni hanno accolto la sollecitazione della neonata associazione Phonurgia con la volontà precisa e comune di ricondurre Napoli al centro del dibattito Europeo attorno alle arti analogiche\, digitali e performative. \nIl festival si articola in sei appuntamenti dal 22 settembre 2016 a luglio 2017\, con protagonisti internazionali\, dagli Stati Uniti alla Corea\, ponendo attenzione alle espressioni più estreme che normalmente restano fuori dai circuiti delle programmazioni ufficiali. \nObiettivo de La Digestion è mettere in circolo energie\, attivare collaborazioni e dialoghi fra artisti\, illuminare e animare la vitalità di alcuni luoghi cittadini. \nI musicisti sono invitati a permanere nella città per esplorarla\, per collaborare con musicisti Italiani\, incontrare il pubblico e svolgere dei laboratori\, costruire quindi una relazione forte e continuativa con il tessuto di Napoli\, la cui complessità e singolare capacità di traspirare e illuminare il reale ne fanno luogo ideale per il dibattito artistico e la sperimentazione. \nI luoghi del festival sono scelti al fine di penetrare la città a vari livelli. In senso geografico\, dislocando gli eventi in un percorso discendente/ascendente\, dal Museo Nitsch al Centro Storico e viceversa. Sul piano sociale\, selezionando zone che trattengono ancora diverse abilità e relazioni fra quartieri abitati da straordinarie comunità. \nIl titolo del festival è mutuato dal poema sonoro La Digestion di Henri Chopin\, geniale artista Francese della Poésie Sonore\, invitato in Italia dalla Fondazione Morra che ne ha tradotto e pubblicato numerosi libri e ne conserva un’ampia collezione di dattilopoemi. \nHenri Chopin supera la soglia della lettera\, retrocede alla lingua intesa come ‘organo’. \nUn giorno del 1972 Chopin ingoia una piccola sonda microfonica\, registra su nastro magnetico i microrumori della cavità orale\, ecco un nuovo universo. Il gesto avventato di Chopin è in realtà una dichiarazione di intenti; per il poeta si tratta di ingoiare la parola\, fagocitarla\, negarne il primato\, ritornare alla zona in cui si genera la sillaba\, abbandonare il cancro del linguaggio\, digerirlo\, defecarlo\, slegarlo dai suoi vincoli significanti. La voce\, per Chopin\, è segnale interiore e gli impasti sonori si pongono come significative presenze aldilà di ogni convenzione linguistica. \nÈ in questa crepa fra suono e corpo che si inserisce La Digestion\, prima edizione\, un festival da pensare come un viaggio rischioso e irrefrenabile dentro le forme del suono\, nelle intercapedini fra macchine elettroniche e strumenti analogici\, nella caverna dello stomaco e nei cunicoli orofaringei\, alle periferie estreme della materia sonica. \nIdioletto è parola chiave del lavoro curatoriale che ispira il festival. \nL’idioletto\, stando al Dizionario di retorica e stilistica di Angelo Marchese\, è l’uso della lingua proprio di ogni individuo\, il suo linguaggio o ‘stile’ personale\, prescindendo dal gruppo in cui l’individuo è inserito. \nIn ambito retorico-stilistico\, l’idioletto viene associato\, per lo più\, ad una resistenza\, opacità\, singolarità dell’universo comunicativo e\, forse\, ad un’intrinseca contraddittorietà. Tuttavia\, «l’idioletto» – citando Biagio Cepollaro – «non fa che ostentare\, fino all’esasperazione\, come un bimbo o come un saggio\, la valenza drammaticamente comunicativa di chi non scivola nell’illusione della trasparenza». \nÈ per questa ragione che le esperienze artistiche a cui La Digestion rivolge l’attenzione sono non trasparenti e complesse\, degli enigmi che richiedono grandezza d’animo e partecipazione\, per generare continuamente nuove domande. \nDi questo progetto ambizioso di ri-fondazione\, che è inoltre un esperimento di ricongiungimento fra generazioni e fra mondi\, La Digestion è solo il primo passo. \nUn primo anno dedicato interamente alla musica con la ferma intenzione di estendere il festival con sezioni dedicate alle arti multimediali\, al teatro e alla performance. \nProgramma I Edizione\n22 SETTEMBRE – Kevin Drumm\n27 NOVEMBRE – Valerio Tricoli\, AxisMundi\, KNN\, SEC_\n4 FEBBRAIO – Stefano Costanzo\, Marc Baron\n23 MARZO – Michel Doneda + Le Quan Ninh+ Xavier Charles\n23 GIUGNO – Lee Hangjun + Hong Chulki + Will Guthrie (Independent Film Show 17th edition)\n14 LUGLIO – Blood Stereo + Francesco Gregoretti URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-i-edizione/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Casa Morra,Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/27_11_16_La_Digestion_Valerio_Tricoli_AxisMundi_KNN_SEC_2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20160922 DTEND;VALUE=DATE:20160923 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20210304T160802Z LAST-MODIFIED:20210304T160802Z UID:5586-1474502400-1474588799@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion – musica ascoltata raramente I Edizione DESCRIPTION:22 settembre 2016\nINIZIO ORE 20:00\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nProtagonista del primo evento de La Digestion è Kevin Drumm\, figura enigmatica della scena elettronica internazionale e senza dubbio tra più le influenti dell’ultimo ventennio.\nDi stanza a Chicago sin dal 1991\, Kevin Drumm inizia il suo viaggio musicale con la chitarra preparata\, portando lo strumento oltre i suoi stessi limiti attraverso modifiche strutturali\, l’uso di magneti e catene. Si sposta poi sempre più sull’elettronica “rumorosa”\, rivelando sempre nuovi aspetti del suo talento e della sua personalità unica\, capace di esprimere punti di vista inediti sia nella pratica strumentale sia nei lavori di elettronica pura. Drumm fonde senza soluzione di continuità il mondo del suono acustico e il mondo dell’elettronica\, in bilico tra silenzio e deflagrazione\, restando però sempre impeccabilmente musicale.\nHa registrato e suonato\, tra gli altri\, con Tony Conrad\, Phill Niblock\, Jim O’Rourke\, MIMEO\, Mats Gustafsson\, John Butcher\, Thomas Ankersmit\, Taku Sugimoto\, Axel Dörner\, Martin Tétreault\, Ralf Wehowsky… \n  \nLIMITED SCOPE \nPer il primo appuntamento de La Digestion\, Kevin Drumm ha collaborato con un duo di video-maker napoletani. A distanza\, attraverso conversazioni skype e scambi di mail\, Drumm e il duo BN si sono interrogati sul tema della visibilità e dell’udibilità in relazione al concetto di limite. Limitare il raggio del vedibile e dell’udibile o estenderlo oltre i confini che regolano la quotidianità. Condursi\, volontariamente\, in spazi apparentemente angusti per scoprire vallate. Scegliere\, deliberatamente\, di ridurre le possibilità\, di preferire un punto ad un altro. \nI risultati dei loro rispettivi lavori si incontreranno per la prima volta la sera del 22 settembre in un dialogo teso e imprevedibile. \nopening act: Olivier Di Placido \nOlivier Di Placido\, chitarrista francese\, nel corso degli anni ha sviluppato un approccio assolutamente unico al suo strumento che nelle proprie mani si tramuta ora in un giradischi\, ora in un sintetizzatore\, ora in un’orchestra gamelan. Ossessionato dall’esperienza di tutte le possibilità della chitarra\, specialmente le più nascoste e periferiche\, Olivier ha letteralmente inventato un nuovo strumento ibrido\, con il manico non fissato ed i pick-up mobili\, che evoca l’immaginario di un corpo elettrico mutilato e ri-assemblato di volta in volta con cura chirurgica. \nDa più di dieci anni suona in Europa\, collaborando con musicisti e improvvisatori come Mario De Vega\, Artaud Rivière\, Tony Buck\, Anthea Caddy\, Jassem Hindi\, Friz Welch\, SEC_\, Crank Sturgeon\, Francesco Gregoretti… partecipando a festival internazionali. \n\n \n \n \n \n \n \n La Digestion – musica ascoltata raramente I Edizione\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2016 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-i-edizione-3/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/Kevin-Drumm_La-Digestion-22.09.2016.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160725T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160725T230000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201119T172517Z LAST-MODIFIED:20201119T172517Z UID:2770-1469480400-1469487600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Lo schermo in tavola – percorsi cinegastronomici DESCRIPTION:25 luglio 2016\nINIZIO PROIEZIONE ORE 21:00\nBelvedere del Museo Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nIn occasione dell’ultimo appuntamento della rassegna cinematografica Cibo & Cinema\, curata da Mario Franco\, organizzata e promossa dalla Fondazione Morra\, che ha visto svolgersi la proiezione di pellicole con ambientazioni o temi legati all’arte culinaria\, il Belvedere del Museo Nitsch ha accolto un fuori programma. Lunedì 25 luglio 2016 alle ore 21:00 è stato proiettato sulla terrazza del museo il mediometraggio del saggista e critico cinematografico napoletano Alberto Castellano\, Lo schermo in tavola\, co-curato con Carlo Sgambato. “Sono centinaia i titoli che fin dai tempi del cinema muto hanno affrontato il rapporto in generale tra il cinema e il cibo\, che hanno rappresentato e raccontato l’atto del mangiare e del bere\, i riti e i miti della tavola”\, così Castellano nell’introdurre il suo lavoro. Lo schermo in tavola è un montaggio che “racchiude film fondamentali sull’argomento che naturalmente non lo esauriscono\, ma offrono una campionatura quanto più indicativa delle infinite possibilità di rappresentazione cinematografica della gastronomia evidenziando alcuni sotto filoni: la povertà e la ricchezza\, il mangiare per necessità e l’ostentazione di opulenza\, il piacere del cibo e della buona tavola e l’alimentazione ‘mordi e fuggi’\, i casi estremi simbolici e i rituali da cinema di serie B”. La presentazione del mediometraggio è stata seguita dal film Mangiare Bere Uomo Donna del regista taiwanese Ang Lee. \nProgrammazione \nLO SCHERMO IN TAVOLA\nItalia\, 2008\nRegia: Alberto Castellano e Carlo Sgambato\nDurata:30 minuti\nOre 21:45 \nMANGIARE BERE UOMO DONNA\nYinshi Nan Nu – Eat Drink Man Woman\, USA-Taiw. 1994\nRegia: Ang Lee\nDurata: 123 minuti URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/lo-schermo-in-tavola-percorsi-cinegastronomici/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160704T200000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160718T200000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201119T173335Z LAST-MODIFIED:20201119T173411Z UID:2773-1467662400-1468872000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:CIBO & CINEMA - rassegna cinematografica DESCRIPTION:4 luglio – 18 luglio 2016\nINIZIO PROIEZIONI ORE 20:00\nSala Conferenze Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nA cura di Mario Franco \nNell’ambito dell’evento Cibo & Riti\, programmato dalla Fondazione Morra con la partecipazione della Regione Campania\, il Museo Hermann Nitsch ha ospitato la rassegna Cibo & Cinema\, curata da Mario Franco. \nPROGRAMMAZIONE \n4 luglio 2016\nSala conferenza Museo Nitsch\nALICE’S RESTAURANT\nUSA 1969\nREGIA: Arthur Penn\nDurata 111 minuti \n11 luglio 2016\nSala conferenza Museo Nitsch\nIL CUOCO\, IL LADRO\, SUA MOGLIE E L’AMANTE\nThe Cook\, the Thief\, His Wife & Her Lover\, GB-Fr.-Ol. 1989\nREGIA: Peter Greenaway\nDurata 124 minuti \n18 luglio 2016\nSala conferenza Museo Nitsch\nVIRIDIANA\nMex.-Sp. 1961\nREGIA: Luis Buñuel\nDurata 90 minuti URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/cibo-cinema-rassegna-cinematografica/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/02_07_2016_cibo_e_cinema_invito.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160629T200000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160729T180000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20210225T142733Z LAST-MODIFIED:20210225T142733Z UID:5305-1467230400-1469815200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Giovanni Mundula. Non avrà fine. Oggetto smarrito DESCRIPTION:29 giugno – 29 luglio 2016\nOPENING 29 GIUGNO ORE 20:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nIl Ventunesimo secolo ha aperto scenari corrosivi\, un intero pianeta si sgretola tra errori finanziari programmati\, ed orrori così peculiarmente serviti dai media; efficacemente organizzati al solo scopo di inaugurare una “stagione” nel segno dello smarrimento. \nDa nord a sud\, da ovest a est\, del pianeta con casualità vengono prelevati interi territori mediante una gestualità di appropriazione\, immediatamente seguita da una frase identica per ciascuna nazione: “IO SONO GIOVANNI MUNDULA OGGETTO SMARRITO”\, declinata negli idiomi afferenti ai singoli territori rappresentati; affermazione che rivendica l’identità culturale\, ma al tempo stesso la certezza della perdita nella estraneità mediante la sparizione. \nIl presente lavoro performativo ed installativo è stato iniziato nel mese di febbraio 2014 ed inoltre è da valutare nella pratica di un esemplare work in progress\, poiché di fatto “NON AVRA’ FINE”. \nSono rappresentate in modo tridimensionale e contrastante nazioni dal “relativo benessere”\, paesi emergenti\, eredità storiche\, clima e territorio\, statistiche finanziare e politiche assieme a territori devastati da guerre e di conseguenza intere popolazioni relegate nella esclusione sociale con autentiche minoranze nomadi. \nTutto questo fomenta domande per un mandato morale\, un debito dovuto per un lascito identitario al nostro presente\, un presente diviso tra una cupa distrazione ed un’indotta paura. \nGiovanni Mundula\, Non avrà fine. Oggetto Smarrito\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2016\, Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/giovanni-mundula-non-avra-fine-oggetto-smarrito/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/02/Immagine.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160623T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160625T210000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201120T103530Z LAST-MODIFIED:20201120T103530Z UID:2781-1466715600-1466888400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:INDEPENDENT FILM SHOW 16th Edition DESCRIPTION:23 giugno – 25 giugno 2016\nINIZIO PROIEZIONI ORE 21:00\nBelvedere del Museo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nINDEPENDENT FILM SHOW 16th edition\, rassegna internazionale dedicata al cinema sperimentale indipendente\, coordinata da Raffaella Morra\, si svolge giovedì 23\, venerdì 24 e sabato 25 giugno sul Belvedere del Museo Nitsch con la proiezione dei tre programmi di films 16mm e video e delle tre expanded cinema performances. \nUna resistenza alla fissità di classificazione e genere si esprime nei tre giorni dell’Independent Film Show 16th edition che predilige il mescolamento dei procedimenti\, il non finito\, l’errore\, la casualità della scoperta; non c’è una definizione esatta\, una nomenclatura per questo cinema\, ma la pratica continua ad essere artigianale\, il materiale prediletto è il film 16mm e\, quando possibile\, la condivisione dell’atto creativo delle expanded cinema performances. I meccanismi fisici della costruzione filmica\, come le differenti tecniche di impressione fotografica\, le trasformazioni chimiche della pellicola e il processo di metamorfosi della luce\, restano il fulcro di indagine attorno al quale costruire il proprio viaggio conoscitivo. Un’esperienza di disorientamento può assalire lo spettatore inesperto o occasionale\, penetrando in un territorio caratterizzato dall’inatteso. Non c’è un’unica risposta\, né l’illusione della verosimiglianza a cui affidarsi\, invece\, occorre lasciar fluire un turbinio di sensazioni che stimolano un’attività percettiva inusuale e si imprimono nella memoria. \nLa concreta materialità del supporto filmico e la meccanica dell’apparato di proiezione sono ancora saldamente nelle mani dei film-makers\, che ne controllano i minuziosi dettagli di creazione\, e con la chiusura delle grandi società\, come Kodak\, l’incipit è Do It Yourself\, appropriandosi così anche delle fasi di produzione. Un impulso significativo di inventiva e collaborazione tra laboratori filmici artigianali ha sensibilmente ampliato le possibilità di sperimentazione dei film-makers; l’Independent Film Show 16th edition è un’esplorazione fra le esperienze di queste officine: il programma Explorative Journey selezionato da Raffaella Morra è un breve excursus tra le recenti opere filmiche realizzate presso l’Etna e l’Abominable in Francia\, il Filmwerkplatts di Rotterdam\, e il Nanolab in Australia. \nKarel Doing\, film-maker ideatore nel 1990 del laboratorio Studio één e attualmente di Film in Process con Bea Haut (a Napoli in due edizioni IFS\, con le performances Four Eyes del 2006 e Darkloupe nel 2012)\, seleziona il programma Cinematica Erratica\, una celebrazione di un linguaggio filmico sabotato\, in cui accogliere le riprese errate\, le tecniche ed i suoni che normalmente sarebbero visti come imprecisi e difettosi. L’irrazionale è utilizzato come forte antidoto contro i codici di condotta esistenti\, l’assenza è usata per evocare un rinnovato senso di meraviglia\, e dalla collisione del naturale con il tecnologico\, i contorni si sfumano. \nHand and Machine presenta sei films di Richard Tuohy e Dianna Barrie\, cine-sperimentalisti del DIY Australiani\, che esplorano il primitivo apparato del cinema e il rapporto tra la mano e la macchina nell’era post meccanica. In particolare\, essi hanno ideato Chromaflex\, una nuova tecnica foto-chimica che permette il controllo selettivo di immagini negativo e positivo colore e bianco e nero sulla stessa striscia di pellicola filmica e che dette decisioni di selezione siano effettuate in piena luce. \nGiovedì 23 giugno (ore 11:00-15:00) e venerdì 24 giugno (ore 15:00-20:00)\, il metodo Chromaflex è argomento del workshop organizzato in collaborazione con ARK-FILM lab TerzoPianoAutogestito (necessaria l’iscrizione / Palazzo Gravina). \nNelle expanded cinema performances\, l’approfondita conoscenza dell’apparato proiettivo\, l’ambiente\, l’improvvisazione e la casualità si compenetrano in un processo dinamico attivato dalla partecipazione del pubblico: giovedì 23 giugno Portraits di 70FTP (Andrea Saggiomo)\, venerdì 24 giugno Palindrome Series e Pattern/Chaos di Karel Doing\, sabato 25 giugno Dot Matrix e Inside the Machine di Richard Tuohy. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/independent-film-show-16th-edition/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/23_06_2016_indipendent_Film_Show_15_edition.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160604T110000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160605T170000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201120T142058Z LAST-MODIFIED:20201120T142058Z UID:2785-1465038000-1465146000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Cibi & Riti - Nutrimenti dell’arte DESCRIPTION:04 giugno 2016\nSTART ORE 11:00\nBiblioteca del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nIl Museo Nitsch accoglierà gli ospiti sia negli ampi spazi della Biblioteca\, quinta scenica ideale per un allestimento inedito di opere\, selezionate da Giuseppe Morra\, relative a straordinari artisti che sono riusciti a declinare il tema del cibo secondo particolari intuizioni ed elaborazioni individuali\, nel rispetto dell’ insieme; sia nella splendida sala della capriata\, dove avrà luogo la proiezione del film La grande Abbuffata (1973)\, di Marco Ferreri\, prima di cinque pellicole relative ad un programma curato da Mario Franco\, che si svolgerà lungo il mese di luglio (in calce il programma in dettaglio) \n05 giugno 2016\nSTART ORE 16:30\nVigna San Martino\nCorso Vittorio Emanuele 340\, Napoli \nL’evento prosegue con una passeggiata artistico-sensoriale presso la Vigna San Martino\, dove la natura\, oltre che imporsi come catalizzatore specifico dell’arte tout court\, è coordinata imprescindibile per la comprensione del dualismo dialettico statuito fra rito e cibo\, favorendo empatiche relazioni di alleanza col paesaggio. A conclusione del percorso sensorio\, alle 17\,30 il convegno Cibus Gratia Artis\, coordinato da Loredana Troise\, si propone come laboratorio dinamico\, capace di assorbire suggestioni e competenze eterogenee\, dove l’incontro tra le esperienze di professionalità differenti porrà in atto reti poetiche e nuove prospettive intorno alla tematica in oggetto con Federica Del Genio; Mario Franco\, Raffaella Morra; Pasquale Persico e Mario Avallone. \nProgramma Evento URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/cibi-riti-nutrimenti-dellarte/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch,Vigna San Martino ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/04_06_2016CIBO_E_RITI_INVITO-1_pages-to-jpg-0001-1.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160528T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160528T230000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201120T145244Z LAST-MODIFIED:20210305T115027Z UID:2811-1464469200-1464476400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Peter Cramer e Jack Waters - Spaghetti Wrestling DESCRIPTION:28 maggio 2016\nINIZIO PROIEZIONI ORE 21:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nExpanded cinema performance \nIn linea con lo spirito originale di Satyricum II\, installazione-performance al celebre club gay The Cock nel 2007\, Spaghetti Wrestling è una live action immersiva e interattiva di Peter Cramer e Jack Waters\, con Geoffrey Hendricks\, Sur Rodney (Sur) e gli amici che vorranno parteciparvi. \n“L’immagine in movimento\, i suoni acustici ed elettronici\, e la strumentazione miscelate alle voci dal vivo e registrate incorporeranno la risonanza dell’ambiente circostante\, in risposta corporea all’architettura dei nostri mondi interiori e esteriori. Noi accogliamo e incoraggiamo una partecipazione attiva\, lasciando l’opzione per un coinvolgimento voyeuristico non passivo. Le sorprese abbondano nel forte elemento dell’azione fisica e del contatto corporale tra i performers e chiunque altro voglia unirsi.” \nJack Waters e Peter Cramer Performers\, film-makers\, coreografi e attivisti per il riconoscimento dei diritti delle minoranze\, ideatori nel 1996 del giardino comunitario The Greenthumb Garden Le Petit Versailles nell’East Village a New York e dell’organizzazione no profit Allied Productions\, Inc.\, nonché dal 1983 al 1990 del centro di aggregazione artistica ABC No Rio\, Peter Cramer e Jack Waters sperimentano e coniugano le forme multiple dell’arte\, per coinvolgere e sviluppare un processo di creazione quale essenza delle esperienze piuttosto che il prodotto come risultato finale.\nDal 1981 residenti nel Lower East Side\, Peter Cramer e Jack Waters hanno realizzato film e performance\, insegnato ai giovani e ai bambini coinvolgendo se stessi ed altri artisti\, e coordinato incontri\, proiezioni ed eventi\, sviluppando l’attivismo del quartiere e la cooperazione collettiva. Attraverso la musica\, l’arte e la performance creano forme alternative di collaborazione per trasformare le macerie in creazione e stimolare un cambiamento culturale per modificare la società.\nPeter Cramer e Jack Waters agli inizi degli anni ‘80 creano POOL (Performance On One Leg)\, collettivo di danza/performance attivo nei nightclub di house music come il noto Pyramid Club\, che esplora il contatto e altri comportamenti di improvvisazione combinati alle forme teatrali\, ai rituali\, all’attivismo e alle dinamiche di gruppo; esemplare la maratona Seven Days of Creation\, (con Carl George e Brad Taylor\, membri di Colab)\, sette giorni\, 24 ore su 24 di performances con differenti artisti alABC No Rio\, edificio-residenza-laboratorio d’arte\, socialità ed educazione culturale.\nAttualmente collaborano con il Inbred Hybrid Collective\, il cui intento è stimolare una consapevolezza dei fattori esterni che incidono sull’esistenza umana ed attraverso degli interventi artistici di provocazione invitano il pubblico a riflettere sull’influenza che questa immersione ha avuto su di loro.\nInsieme ed individualmente hanno mostrato le opere filmiche al Whitney Museum of American Art\, al New Museum\, al Anthology Film Archives\, al London Film Makers Cooperative\, Center for Contemporary Culture Barcelona (CCCB)\, e al MIX NYC.\nI loro film sono distribuiti\, tra gli altri\, dal New York Film Makers Cooperative.\nTra gli eventi si citano: Sun Screen Boulevard In The Sand del 2015 è una performance/passeggiata nella Fire Island organizzata da Visual AIDS in partnership con Fire Island Artist Residency (FIAR) e New York Performance Artists Collective (NYPAC)\nhttps://www.visualaids.org/events/detail/jack-waters-peter-cramer-artist-lecture-series-fire-island-artist-residency\nhttps://www.visualaids.org/events/detail/fire-island-performance-jack-waters-peter-cramer\nNel 2014 la collettiva Ephemera as Evidence al La MaMa’s The Club\, e nel 2013 NOT OVER: 25 Years of Visual AIDS presso La Galleria\, e Not only this\, but ‘New Language Beckons Us’ alla Fales Library and Special Collections\, New York University.\nIn Europa si ricorda: nel 2008 Triple Threat alla FRISE di Amburgo\, Germania; nel 2006 e nel 2013 la residenza alla Emily Harvey Foundation di Venezia per il progetto Pestilence\, un’opera primordiale\, post-apocalittica\, che fonde insieme le tecnologie delle scienze e l’arte\, esplorando la cultura\, dalle sue origini come forma di vita unicellulare fino all’estremità terminale della società nell’era digitale di sovraccarico di informazioni.\nhttp://alliedproductions.org/pestilence-workshops-and-showings/\nNel 2015\, il film Jason and Shirley\, co-scritto e co-prodotto da Stephen Winter e Jack Waters\, in cui compare come protagonista\, è stato proiettato con successo di critica e pubblico all’Anthology Film Archives\, al MoMa\, al BAM (Brooklyn Academy of Music) CineFest\, e al BFI Flare London.\nhttp://www.jasonandshirleyfilm.com/\n\n \n \n \n \n \n \n Jack Waters and Peter Cramer\, Sunscreen Test Boulevard In The Sand © photo Sam Draxler URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/peter-cramer-e-jack-waters-spaghetti-wrestling/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/INVITO-2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160520T180000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160520T200000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201120T145839Z LAST-MODIFIED:20201120T145839Z UID:2819-1463767200-1463774400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Ivan d’Alberto - presentazione testo “Il Terzo Occhio” DESCRIPTION:20 maggio 2016 \nSTART ORE 18:00\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nDall’omicidio di Avetrana a Profondo Rosso\, dai plastici di Bruno Vespa alle installazioni di Angelo Colangelo di Ivan D’Alberto \n \nPresso il Museo Hermann Nitsch di Napoli\, sarà presentata la nuova pubblicazione di Ivan D’Alberto – Il Terzo Occhio – dall’omicidio di Avetrana a Profondo Rosso\, dai plastici di Bruno Vespa alle installazioni di Angelo Colangelo\, edito da primeVie Edizioni (Corfinio Aq – ottobre 2015).\nOltre l’autore saranno presenti Giuseppe Morra\, direttore del Museo Hermann Nitsch\, Michela Becchis\, storico dell’arte\, Sibilla Panerai\, dell’Università “G. d’Annunzio” di Chieti – Pescara e Fabrizio Sacchetti\, artista.\nIl libro\, adottato nel corso di Cultura Visuale del Dipartimento di Studi Umanistici dell’Università di Ferrara\, è stato già presentato a Torino\, presso lo Spazio Atelier Giorgi\, in occasione di ARTISSIMA 2015 e a Roma presso lo Spazio TRAleVOLTE.\nL’incontro sarà accompagnato dalla proiezione di alcuni video funzionali alla descrizione della metodologia di studio\, quella dei visual studies\, usata dall’autore in questa sua ultima pubblicazione. \nSinossi del testo\nAttraverso un approccio tipico degli studi visuali il volume è già di per sé un progetto editoriale costruito secondo un’impalcatura propria dei cultural studies: capitoli brevi ma incisivi\, con molte note e riferimenti bibliografici tratti direttamente dal web e un apparato fotografico inedito ed esplicativo il più delle volte recuperato su Internet.\nSeguendo una linea scientifico-narrativa che inizia con l’analisi della cultura artistica e letteraria di fine Ottocento\, lo studio prosegue nelle larghe trame della pornografia orrorifica\, le inchieste giornalistiche subalterne e il cinema d’autore\, dimostrando come il caso di Avetrana di Puglia\, intesse maglie con il film Profondo Rosso di Dario Argento e il romanzo giallo di Kate Summerscale Omicidio a Road Hill House (vicenda realmente accaduta nell’Inghilterra di metà ‘800).\nI rifermenti culturali chiamati in causa in questa sorta di “album di esercizi” dialogano con molte proposte artistiche di autori contemporanei come ad esempio le foto di Daniele Ratti\, Goldiechiari e Fabrizio Sacchetti\, le installazioni di Angelo Colangelo e la rinnovata pittura di Dario Carratta\, a dimostrazione di come l’arte sia sempre stata lo “specchio della società”.\nL’indagine poi giunge a registrare quello che Jean Clair definisce disgustoso e che Julia Kristeva chiama Arte dell’Abiezione\, ovvero le scorie che questa ricerca della verità ha messo in luce\, come ad esempio i 486 fotogrammi sulla morte del presidente americano J. F. K. di Abraham Zapruder\, il sangue che scorre sul corpo esamine del dittatore Muammar Gheddafi e l’immagine di un coniglio schiacciato da una pressa industriale fotografato dall’artista Simone Ialongo.\nMa così come accadde con La zattera della Medusa di Géricault\, inizialmente considerata oscena e lontana da ogni canone estetico e invece oggi ritenuta manifesto della cultura francese di fine Ottocento\, non è detto che queste immagini\, ora considerate indecorose e di cattivo gusto\, diventino\, in un futuro non troppo lontano\, il manifesto del nostro tempo.\nIl progetto editoriale si completa con una prefazione a cura di Michela Becchis e una postfazione a cura di Franco Speroni a presentazione e a sostegno delle tesi avanzate nel testo. \n  \nIvan D’Alberto è storico e critico d’arte contemporanea. Nel 2005 ha collaborato con il Dipartimento di Studi Medievali e Moderni dell’Università “d’Annunzio” di Chieti. Nel 2006 partecipa alle attività promosse dall’ICA The Institute of Contemporary Arts di Londra e alla fine del 2008 è nominato direttore del Museo di Arte Contemporanea di Nocciano/Pescara.\nÈ stato docente esterno di visual art della Dartmouth University (Massachusetts\, USA).\nDal 2011\, insieme a Sibilla Panerai\, è curatore di CORPO: Festival delle Arti Performative. Ha curato diverse mostre tra cui MadeinAbruzzo: ricerche regionali di videoarte (Milano 2011)\, Integumenta Angelii: utili ammaestramenti per l’anima e per il corpo (Roma 2013)\, audĭentĭa – città in ascolto (Roma 2014)\, A Letto con l’artista (Milano 2015)\, E123 (Venezia 2015).\nPer Andromeda edizioni ha pubblicato le voci enciclopediche di alcuni artisti tra cui Andrea Pazienza e Remo Brindisi. Con Verdone Editore ha pubblicato il volume CORPO estraneo/straniero – Storia delle arti performative in Abruzzo. Di recente con Nicomp L. E. di Firenze ha pubblicato gli atti del convegno Il corpo che abito. Identità di genere e suoi transiti. Analisi dei linguaggi performativi contemporanei\, organizzato nel 2015 dal Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna e dalla IAAP – International Association for Art and Psychology.  Scrive per il portale web Juliet Art Magazine di Trieste.\n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/ivan-dalberto-presentazione-testo-il-terzo-occhio/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/20_05_2016_D_alberto_il_terzo_occhio.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160223T183000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160223T200000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201120T150430Z LAST-MODIFIED:20210305T115926Z UID:2823-1456252200-1456257600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:“Il calendario del popolo” presentazione rivista DESCRIPTION:23 febbraio 2016\nSTART ORE 18:30\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nIl Museo Nitsch di Napoli ha presentato il numero speciale della rivista culturale Il Calendario del Popolo edita da Sandro Teti Editore dedicato all’archeologia industriale che ha per titolo “Archeologia Industriale – Luoghi per l’arte e la cultura”. \nIl numero nasce dall’incontro tra l’editore Sandro Teti Editore e Simona Politini\, esperta di archeologia industriale e fondatrice del progetto web Archeologiaindustriale.net\, la quale ha ricoperto il ruolo di curatore ideando il tema e coordinando l’esecuzione dei contenuti. Negli ultimi decenni si sta assistendo ad un lento ma significativo recupero di ex spazi industriali che\, modificandone la destinazione d’uso\, ora in edilizia residenziale\, ora in spazi polifunzionali per il terzo settore\, ora in musei\, recupera e preserva parte della nostra storia economica e sociale. \nDalla cultura del fare al fare cultura: “Archeologia Industriale – Luoghi per l’arte e la cultura” è un viaggio lungo la nostra penisola alla scoperta dei luoghi dell’archeologia industriale riconvertiti in spazi culturali. \nDall’appena inaugurato MUDEC – Museo delle Culture negli spazi della ex Ansaldo a Milano\, alla ex centrale elettrica di Malnisio in Friuli oggi Science Centre di Immaginario Scientifico\, dalla Cittadellarte realizzata da Michelangelo Pistoletto all’interno dell’ex Lanificio Trombetta di Biella\, al Museo della Centrale Montemartini di Roma dove l’archeologia industriale incontra l’arte classica\, questi e tanti altri ancora gli spazi di cui si parla all’interno del rivista. Arrivando in Campania\, terra ricca di splendidi reperti del patrimonio industriale grazie soprattutto all’imprenditoria illuminata borbonica che ci ha lasciato alcuni dei siti più importanti in Italia quali per esempio l’attuale sede del Museo delle Ferrovie di Pietrarsa o la Real Fabbrica di San Leucio\, la scelta è caduta su una piccola centrale elettrica\, nel cuore di Napoli: la ex stazione Bellini datata al 1891\, oggi sede del Museo Nitsch. \n“Nel quartiere Avvocata\, dove un tempo sorgeva l’antico borgo del Limpiano\, oggi racchiuso nelle strade che nei loro odonimi conservano memoria dell’insediamento della casata dei Pontecorvo\, tra i vicoli stretti che si arrampicano fra palazzi nobiliari\, condomini popolari\, chiese e monasteri\, si staglia la mole bianca del Museo archivio laboratorio per le arti contemporanee Hermann Nitsch\, istituito a Napoli dalla Fondazione Morra e inaugurato nel settembre del 2008”\, così la dott.ssa Rossella Monaco\, specialista dell’archeologia industriale e autrice del pezzo\, ci schiude le porte di questo piccolo gioiello industriale trasformato in fucina culturale. Al tavolo dei relatori sono stati presenti: Rossella Monaco autrice del pezzo sul Museo Nitsch – esperta di archeologia industriale e docente di museologia presso l’Università degli Studi di Napoli “Federico II”\, Italo Ferraro – architetto e docente universitario\, Pasquale Persico – docente di economia presso Università degli Studi di Salerno\, Pasquale Napolitano – docente Istituto IRISS-CNR\, Simona Politini curatrice del numero – fondatrice e project manager nonché presidente dell’Associazione Culturale Archeologiaindustriale.net\, Rachele Masci – caporedattrice della rivista Il Calendario del Popolo. \nIl monografico “Archeologia Industriale – Luoghi per l’arte e la cultura” è un progetto editoriale patrocinato dell’Associazione AIPAI – Associazione Italiana per il Patrimonio Archeologico Industriale ed è rientrato nella programmazione del 2015 European Industrial and Technical Heritage Year. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/il-calendario-del-popolo-presentazione-rivista/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Invito.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20160219T183000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20160319T183000 DTSTAMP:20260513T042143 CREATED:20201120T151351Z LAST-MODIFIED:20201120T151351Z UID:2825-1455906600-1458412200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Ekrem Yalcindag - The Language of Diversity DESCRIPTION:19 febbraio – 19 marzo 2016\nOPENING 19 FEBBRAIO ORE 18:30\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nNelle sale della Biblioteca del Museo Nitsch\, si è tenuta la prima mostra in Italia dell’artista turco Ekrem Yalçındağ. \nLe diciotto opere diverse per forma e colore rappresentano ciò che di più avvicina la tradizione orientale a quell’occidentale\, non pura decorazione ma esplosione di colori ottenuta attraverso una minuziosa indagine del particolare. \n“…lui reclama il linguaggio della molteplicità. sono sempre le particelle più piccole che compone su superfici pittoriche spesso gigantesche. lui tratta questi elementi come se fossero delle molecole\, degli atomi. crea delle strutture simili a strutture molecolari. comunque la sua opera ha molto a che fare con la costruzione di strutture che si intrecciano\, che spesso attraversano la superficie enorme delle sue opere. ci fanno pensare in qualche modo a modelli fisici\, quasi utopici del processo della creazione del mondo. si suggeriscono processi di fertilizzazione. si sa che ha studiato le forme di fiori e foglie e che queste esperienze si rispecchiano nell’ordine dei suoi quadri. universi di colori formati da gradazioni sottili conferiscono alle superfici\, da lui plasmate\, un eccesso cromatico. visualizza il divenire della creazione e nonostante ciò\, manca la dimensione spaziale della velocità\, del tempo e dello spreco di spazio. assolutamente positiva ritengo la vicinanza delle sue opere alla op-art. questi artisti avevano gli stessi suoi problemi con l’espressione artistica non figurativa. creare dei cerchi concentrici rappresenta un problema archetipico per gli artisti. il bersaglio dell’arciere dei ciechi monaci buddisti zen indica la strada anche a ekrem. più volte abbiamo parlato di spazio\, della riproduzione prospettica dello spazio tramite la pittura figurativa\, che doveva essere superata a favore della pittura astratta e dello spazio reso non figurativo dai tappeti orientali e dagli ornamenti. penso che i dipinti di ekremy alcindag contengono questa forza. i suoi dipinti trasmettono qualcosa dell’effetto di opere realizzate da pittori del liberty. la terza dimensione passa in secondo piano a favore di una quarta dimensione\, oggettivamente non spiegabile” \nHermann Nitsch\, Prinzendorf\, gennaio 2016 \n\n \n \n \n \n \n \n Installation View\, The Language of Diversity\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2016\nEkrem Yalçındağ\nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, The Language of Diversity\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2016 Ekrem Yalçındağ Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, The Language of Diversity\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2016 Ekrem Yalçındağ Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, The Language of Diversity\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2016 Ekrem Yalçındağ Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/ekrem-yalcindag-the-language-of-diversity/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Opening_Ekrem_YalcA_ndag.jpg END:VEVENT END:VCALENDAR