BEGIN:VCALENDAR VERSION:2.0 PRODID:-//Fondazione Morra - ECPv6.15.20//NONSGML v1.0//EN CALSCALE:GREGORIAN METHOD:PUBLISH X-WR-CALNAME:Fondazione Morra X-ORIGINAL-URL:https://www.fondazionemorra.org/it/ X-WR-CALDESC:Eventi per Fondazione Morra REFRESH-INTERVAL;VALUE=DURATION:PT1H X-Robots-Tag:noindex X-PUBLISHED-TTL:PT1H BEGIN:VTIMEZONE TZID:Europe/Rome BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20160327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20161030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20170326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20171029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20180325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20181028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20190331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20191027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20200329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20201025T010000 END:STANDARD END:VTIMEZONE BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181126T110000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20191126T170000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201022T140633Z LAST-MODIFIED:20210115T172137Z UID:967-1543230000-1574787600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:TEATRINGESTAZIONE - C.R.A.S.I. Indagine e formazione teatrale\, pratica e teorica Laboratorio Permanente di Pratiche Performative Interdisciplinare DESCRIPTION:novembre 2018 – novembre 2019\nPRIMO INCONTRO 26 NOVEMBRE 2018 dalle 11:00 alle 17:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nNell’ambito delle attività promosse dalla Fondazione Morra all’interno degli spazi di Casa Morra Archivio d’Arte contemporanea\, TeatrInGestAzione\, la compagnia teatrale guidata dalla coppia Gesualdi | Trono\, dà vita al Laboratorio Permanente di Pratiche Performative Interdisciplinare\, in collaborazione con Lorenzo Mango\, professore titolare della cattedra di Storia del Teatro Moderno e Contemporaneo dell’Università L’Orientale di Napoli. \nIl Laboratorio Permanente si ascrive in un più ampio e complesso progetto che prende il nome di CRASI – Centro di Ricerca delle Arti Sceniche Internazionale\, e che comprende le multiple dimensioni in cui si declina l’opera di TeatrInGestAzione\, in sinergia con la Fondazione Morra. Un progetto di formazione che durante l’anno ospiterà attività pedagogiche diversificate. \nIl Laboratorio Permanente si articolerà in una fase preliminare e tre percorsi autonomi e complementari\, a partire da novembre 2018 fino a novembre 2019\, intervallati da aperture al pubblico. Il primo percorso è declinato in appuntamenti fissi dedicati alla condivisione della prassi artistica di TeatrInGestAzione; il secondo scandito da incontri a carattere teorico e pratico con esperti e studiosi di discipline e campi d’indagine che riteniamo complementari al teatro (Storia\, architettura\, filosofia\, economia); il terzo ospita interventi pedagogici intensivi e diversificati\, accogliendo visioni autonome della scena contemporanea indipendente e internazionale (registi\, coreografi\, performer). Un’attività ibrida di ricerca\, formazione\, creazione\, che possa dare luogo ad un dialogo fertile\, proponendosi come un’alternativa di costanza\, rigore e disciplina\, per condurre i partecipanti ad una preparazione necessaria a coltivare un’autonomia creativa. \nIl laboratorio è per noi il tempo e il luogo della conoscenza reciproca\, del nutrimento\, il tempo dell’onestà\, della fragilità; il luogo della cura\, dell’allenamento che mira a costruire una presenza che si fonda su una forma di agilità dell’ascolto\, sulla ricezione e sulla reazione; un’occasione per riconoscerci e dare luogo a un progetto comune\, e magari scoprire di poter condividere nel futuro un tempo più lungo. Qui a Casa Morra\, TeatrInGestAzione sarà corpo vivo esposto all’opera. (Gesualdi | Trono) \n\n \n \n \n \n \n \n Una scena dello spettacolo “Corpus” rappresentato dalla compagnia teatrale “Alto Fragile”. La performance si è svolta al PAN-Palazzo delle Arti di Napoli. \n© Photo Angela Grimaldi\n \n \n \n \n \n Una scena dello spettacolo “Corpus” rappresentato dalla compagnia teatrale “Alto Fragile”. La performance si è svolta al PAN-Palazzo delle Arti di Napoli. \n© Photo Angela Grimaldi\n \n \n \n \n \n Una scena dello spettacolo “Corpus” rappresentato dalla compagnia teatrale “Alto Fragile”. La performance si è svolta al PAN-Palazzo delle Arti di Napoli. \n© Photo Angela Grimaldi\n \n \n \n \n \n Una scena dello spettacolo “Corpus” rappresentato dalla compagnia teatrale “Alto Fragile”. La performance si è svolta al PAN-Palazzo delle Arti di Napoli. \n© Photo Angela Grimaldi\n \n \n \n \n \n Una scena dello spettacolo “Corpus” rappresentato dalla compagnia teatrale “Alto Fragile”. La performance si è svolta al PAN-Palazzo delle Arti di Napoli. \n© Photo Angela Grimaldi\n \n \n\n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/teatringestazione-c-r-a-s-i-indagine-e-formazione-teatrale-pratica-e-teorica-laboratorio-permanente-di-pratiche-performative-interdisciplinare/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/10/teatringestazione-casa-morra-2018.jpg ORGANIZER;CN="TeatrInGestAzione":MAILTO:info@teatringestazione.com END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181123T160000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20181123T210000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T112107Z LAST-MODIFIED:20210115T172531Z UID:2441-1542988800-1543006800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:SMASHING THE MYTH - Performing art from Croatia DESCRIPTION:23 novembre 2018\nOPENING dalle 16:00 alle 23:00\nMuseo Hermann Nitsch \nScala Filangieri\nQuartiere Intelligente  \n  \nA cura di Adriana Rispoli e Zvonimir Dobrović. \nEvento organizzato da Quartiere Intelligente e Domino Project in collaborazione con Museo Hermann Nitsch\nCon il supporto di Ministero della Cultura della Repubblica di Croazia. \nSi ringraziano per la collaborazione DeA Capital per il Consorzio Ex Olivetti di Pozzuoli\, Ciro Esposito e Alessandra Gigante. \nAbbattereAbbattereAbbattere questo il fil rouge dei lavori in mostra e l’intenzione dei suoi organizzatori. Con un’accezione positiva\, Smashing the Myth celebra la distruzione come atto semantico per la costruzione di nuove realtà\, per il superamento dei limiti e delle categorizzazioni\, e per l’abbattimento dei confini fisici ed identitari. La performance come espressione artistica preferenziale contiene in luce le caratteristiche di dissolvimento del linguaggio e di osmosi tra le diverse forme d’arte ed in questa occasione si presenta nelle sue innumerevoli accezioni: dall’intervento nello spazio urbano al coinvolgimento diretto del corpo\, dall’azione simbolica alle sinestesie audio visive\, trovando nei primi esperimenti di video performance nell’Est Europa una sorta di battesimo generazionale. Smashing the myth presenta uno spaccato dell’arte croata oggi in qualche modo iconoclasta e provocatoria che restituisce un’immagine forte e combattiva di una generazione di artisti che se da un lato afferma con fierezza le proprie radici\, dall’altro reclama\, a ragione\, un’idea dell’arte libera dalla scure dell’economia e dal predominio del capitale. Oltre al costante interrogarsi sul valore e il potere dell’arte nella società\, è sempre presente il confronto diretto con la storia dell’arte in senso lato: dall’utopia russa dei primi del ‘900 all’amara ironia sul mercato dell’arte contemporanea\, passando per l’azzeramento delle barriere tra arte e vita. \nARTISTI: Igor Grubić\, Bruno Isaković\, Sanja Iveković\, Siniša Labrović\, Alen Sinkauz – Nenad Sinkauz\, Sandra Sterle. \n  \nPROGRAMMA \nMUSEO HERMANN NITSCH\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nDalle 16.00 alle 21.00 \nIgor Grubić | Smash the Myth\nBruno Isaković | Fade Into\nSanja Iveković | Inter nos\nDalle 19.00 alle 21.00 \nSiniša Labrović | Artist Index \nIgor Grubić: Smash the Myth\nFotografia e banner dall’intervento nell’ex Fabbrica Olivetti\nMUSEO HERMANN NITSCH \nQualsiasi sia il medium scelto o la modalità di intervento fino ad includere lo stile personale di vita\, Igor Grubic applica coerentemente una visione politica al suo modo di vivere e quindi di fare arte. Smash the Myth è in qualche modo una tautologia con cui Grubic dichiara\, parafrasando l’ideologia radicale del poeta russo della rivoluzione Vladimir Mayakovsky\, che l’arte NON POLITICA non esiste perché qualunque espressione artistica\, o anche il solo pensiero\, non può che essere un gesto politico e riflettere la responsabilità che l’artista ha nei confronti della società. La sola scelta di esporsi ad un pubblico – e di scegliere a quale pubblico esporsi compreso quello del mero mercato dell’arte – è un atto politico. La serie Smash the Myth consiste in microinterventi negli spazi urbani in cui Grubic appone\, in maniera temporanea e talvolta illegale\, un banner in luoghi iconici di varie città. Iniziata a metà anni ’90 con il progetto Micro-Museum of Revolutionary Heritage la serie ha toccato diverse città come Berlino\, presso il Soviet War Memorial di Treptower Park e Dresda di fronte all’Accademia di Belle Arti\, e approda ora a Napoli nella mitica fabbrica Olivetti. Fondata nel 1955 su progetto dell’architetto razionalista Luigi Cosenza\, la ex Fabbrica Olivetti è simbolo della visione umanistica di un industriale illuminato la cui missione imprenditoriale era direttamente collegata al benessere dei suoi lavoratori. Con un’impostazione socialista ante litteram per l’Italia\, Adriano Olivetti\, a Pozzuoli come nelle altre sedi italiane delle sue fabbriche\, aveva voluto per i suoi dipendenti un luogo in simbiosi con la natura e dotato di tutti i servizi necessari convinto che il lavoro fosse strumento di riscatto sociale. All’interno di questo piccolo eden dei lavoratori\, Grubic ha scelto di apporre il suo “motto” su quella che un tempo era stata la biblioteca\, luogo per antonomasia per l’arricchimento dello spirito. \nIgor Grubić (Zagabria\, Croazia 1969) è noto per il suo attivismo politico e morale e per le sue operazioni negli spazi pubblici\, spesso nati in un’atmosfera misteriosa di anonimato\, che mirano a generare nuovi significati come la serie 366 Liberation Rituals (2008) o Black Peristyle (1998). Attivo dagli anni 90 il suo lavoro include performance\, fotografia e video e dal 2000 inizia a lavorare anche come produttore di film. I suoi lavori sono stati esposti in numerose rassegne ed istituzioni internazionali tra cui Manifesta 4 (Frankfurt); Tirana Biennial 2; 11.Istanbul Biennial; 4.Fotofestival (Mannheim); Manifesta 9 (Genk); Gwangju Biennale 20th Anniversary Special Project; ‘East Side Stories’ Palais de Tokyo (Paris); Thessaloniki biennale 5- Ident-alter-ity; ‘The Value of Freedom’\, Belvedere 21 (Vienna); ‘Zero Tolerance’\, Moma PS1 (NY). In Italia tra le altre ha partecipato a Present Future ad Artissima nel 2001 e alle mostre Il Piedistallo vuoto e Gradi di Libertà al Museo Civico Archeologico e al Mambo di Bologna nel 2014 e nel 2015. Nel 2016 è stato ospite del Quartiere Intelligente con la proiezione del film Monument.\nRappresenterà la Croazia alla prossima 58° Biennale di Venezia.\nBruno Isaković: Fade Into\nMUSEO HERMANN NITSCH \nFade Into è una performance di lunga durata concepita in relazione diretta con collezioni permanenti in musei e gallerie. L’artista sceglie un’opera d’arte e inscena una live installation relativa al suo valore politico ed artistico. Durante le cinque ore di performance\, un insieme di interpretazioni e connotazioni dell’opera scelta diventano la “tela” sulla quale il performer proietta la sua voce e il suo corpo.\nElementi costitutivi della performance sono riferimenti testuali che esaminano nello specifico il medium dell’opera\, il suo contesto\, il contenuto\, lo sfondo storico e le sue particolarità. Leggendo queste tracce e offrendole al pubblico\, l’artista riempie lo spazio con prospettive intangibili e aspetti corporei\, in stretta relazione con l’opera selezionata ed il suo immediato contesto. I contorni fisici e i confini tra il corporeo e l’intangibile diventano gradualmente sfocati mentre il corpo del performer si fonde in un colore che\, infine\, domina lo spazio. Questo avviene attraverso lenti\, minuziosi movimenti ripetitivi con i quali l’artista dipinge il suo intero corpo fino al dissolversi degli stessi movimenti\, lasciando lo spettatore davanti all’immobilità scultorea del performer. L’incarnazione di tutti i significati accennati ed espressi emerge come un’installazione dal vivo che offre un cambio di paradigma ai visitatori in relazione a uno spazio e un’opera d’arte particolari in un museo.\nLa performance Fade Into è stata realizzata al Reina Sofia di Madrid\, al MAMBO di Bologna\, Museo d’Arte Contemporanea di Zagabria e alla Glucksmann Gallery a Dublino\, usando sempre un’opera diversa come punto di riferimento. \nBruno Isaković è un performer e coreografo residente a Zagabria. Laureato nel 2009 in danza contemporanea alla Amsterdam School of the Arts\, dal 2011 al 2015 è stato membro del Contemporary Dance Studio\, la più antica compagnia di danza contemporanea croata. È anche fondatore e direttore artistico del Sounded Bodies Festival di Zagabria dedicato all’esplorazione delle relazioni tra voce e movimento\, suono e corpo.\nIsaković conduce regolarmente workshop e insegna lezioni di danza (Bilgi Università delle arti performative – Istanbul\, Dipartimento di danza contemporanea all’Accademia d’Arte Drammatica – Zagabria\, TSEKH Summer School – Mosca\, ecc.).\nHa vinto numerose borse di studio tra cui il Jury Award e il Best Solo Dance al Solo Dance International Festival di Budapest\, e il Premio Nazionale Croato 2016 come miglior coreografo per lo spettacolo “Denuded”.\n  \nSanja Iveković: Inter nos (1978)\nVideo\, 60 minuti\, bianco e nero\, suono\nCourtesy MSU\, Zagreb\nMUSEO HERMANN NITSCH \nUno dei primi lavori di Sanja Iveković\, il primo in assoluto in cui fa uso della registrazione nella performance con videocamere\, Inter nos\, enfatizza l’interazione instaurata tecnicamente con il pubblico. L’opera partecipativa consisteva in due stanze collegate da due circuiti televisivi chiusi\, senza un collegamento audio\, e uno spazio d’ingresso dove avveniva una trasmissione diretta per il pubblico. “Durante l’intera azione\, io sono chiusa in una stanza\, quindi invisibile al pubblico. I visitatori entrano uno alla volta nella seconda stanza. Tra di noi si sviluppa un dialogo mentre interferisco con l’immagine sullo schermo del visitatore provocando una sua particolare reazione. Contemporaneamente\, il resto del pubblico riceve l’immagine dello stesso partecipante.” (Sanja Iveković)\nL’indagine sulle forme di relazione tra artista e pubblico\, l’angolo di visione e l’interazione tra oggetto e osservatore sono alla base della ricerca artistica di Sanja Ivekovic. \nFin dalla sua prima apparizione nel contesto della “New Art Practice” in Jugoslavia nei primi anni ’70\, Sanja Iveković (nata nel 1949 a Zagabria) esplora la costruzione di immagini mediatiche per rivelare e sovvertire le forme di potere che esse nascondono ed usarle poi per i propri scopi. Il suo impegno femminista – legato principalmente all’immagine della donna a alla sua critica mediatica – si è esteso nel tempo ad un’analisi delle condizioni istituzionali e dei rituali del mondo dell’arte. Iveković è stata tra i primi artisti in Jugoslavia a combinare performance e video arte e a coinvolgere attivamente il pubblico in forma di presenza e assenza reali. Negli anni ’90 il suo lavoro diventa più politicamente orientato\, avviando importanti progetti come attivista politica. Iveković ha esposto in numerose mostre internazionali\, tra cui le tre più recenti Documenta a Kassel\, Tate London e MOMA New York.\n  \nSiniša Labrović: Artist Index\nMUSEO HERMANN NITSCH \nBasata sulla discussione in corso sui sistemi del mercato e del marketing dell’arte\, questa performance si inserisce al momento giusto in un dibattito attivo da molto tempo sui MITI costruiti dal mercato dell’arte che oggi tocca l’acme arrivando a mettere all’asta un’opera\, farla a pezzi sotto lo stupore di tutti e immediatamente rivalutarla con un doppio valore. È questo l’elemento sorprendente\, persino creativo\, del mercato dell’arte\, la sua aleatorietà. Pertanto\, ormai la conditio sine qua non per la sopravvivenza e il successo nella scena contemporanea di un artista passa esclusivamente per il mercato attraverso il lavoro del gallerista. Un artista è tale solo se è “rappresentato”\, e se il proprio lavoro è offerto in vendita in una delle importanti fiere d’arte internazionali. La performance celebra coloro che ce l’hanno fatta\, quelli che hanno un nome\, quelli che sono indicizzati. Allo stesso tempo\, rimpiange coloro che sono rimasti indietro e che formano il mare magnum degli anonimi\, degli sconosciuti… ma il dispiacere per chi è rimasto indietro si mescola con lacrime di invidia. \nSiniša Labrović è un artista multimediale originario di Sinj\, una piccola città della Croazia. La sua comparsa nel panorama artistico croato negli anni 2000 è stata a dir poco esplosiva. Sin dall’inizio ha stimolato l’immaginazione del pubblico\, dei media e dell’intera comunità artistica in Croazia attraverso un lavoro che\, nella sua semplicità\, può essere descritto come politico\, crudo\, umoristico e brillante\, ma soprattutto sempre audace e diretto. Le sue performance hanno affrontato e confrontato temi scottanti della pedofilia\, della corruzione\, dell’abuso di potere politico o della mitologia del nazionalismo\, così come genuine questioni filosofiche sull’essere\, sul senso dell’esperienza umana o sulla responsabilità sociale. Nel 2005 ha attirato l’attenzione dei media mondiali (Reuters\, BBC\, Ansa\, New York Post\, The Guardian\, The New York Times\, NBC\, ABC) con il lavoro “Flock.org” in cui i veri concorrenti in un reality show erano delle pecore. Sue opere sono in collezione al Museo d’Arte Contemporanea di Zagabria\, alla Galleria di Belle Arti di Spalato\, al Museo di Arte Moderna di Dubrovnik e fanno parte di numerose collezioni private. Nel 2009 espone all’11° Biennale di Istanbul e nel 2012 rappresenta la Croazia alla 13° Biennale di Architettura di Venezia\, intitolata Common Ground\, insieme a Pula Group\, Hrvoslava Brkušić\, Igor Bezinović e Boris Cvjetanović.\n  \nSCALA FILANGIERI | QUARTIERE INTELLIGENTE\nScala Montesanto 3\, Napoli\nDalle 21.15 alle 21.30 \nSandra Sterle | Visiting Reality \nIniziato a Belgrado nel 2012 e proseguito a Parigi nello stesso anno\, il progetto Visiting Reality si basa sull’idea che l’identità nazionale coincida con il MITO su cui si costruisce il mondo contemporaneo a tal punto che i popoli iniziano a credere che quest’identità\, sia l’essenza del loro essere. Siamo tutti consapevoli del fatto che la storia è più complessa e che il fatto che ci identifichiamo con un certo popolo solo in base ai meri i confini geografici sia un semplice eufemismo. Con la sua carriera da artista\, Sterle ambiva ad espandere la sua coscienza sulla complessità del sé e del mondo contemporaneo ed invece constata nel presente solo il senso di decadimento che permea l’ambiente sociale e politico in cui vive. La performance mette a confronto la mitologia nazionale di due paesi utilizzando come dispositivo artistico i kitsch souvenir turistici che in fin dei conti si rivelano piuttosto simili qualitativamente ed esteticamente. Fracassandoli al cospetto del pubblico e ridotti in polvere\, formano una sorta di realtà astratta. Si è finalmente così in grado di iniziare a “leggere” oltre il “materiale” mentre ci si avvicina alla complessità di cui sono fatte le nostre vite. L’artista usa l’atto della distruzione come metodo di creazione mettendo sotto esame due forze opposte. \nSandra Sterle è originaria di Spalato e usa diversi linguaggi artistici quali film\, installazione\, fotografia e performance. È docente di performance art e video all’Accademia d’Arte di Spalato in Croazia. Si è diplomata presso il Dipartimento di Scultura dell’Accademia di Arti Visive di Zagabria e ha proseguito i suoi studi presso il Dipartimento di Cinema e Video della Kunstakademie di Düsseldorf\, 1995-96 (con il professor Nan Hoover). Le sue opere sono state presentate in numerose istituzioni artistiche internazionali: Museo d’Arte Contemporanea\, Zagabria; Kunsthalle Fridericanum\, Kassel; Museo Ludwig\, Aachen; Museo d’Arte Moderna\, Arnhem; Gate Foundation\, Amsterdam; W139 Gallery\, Amsterdam; Museo de Arte & amp; Disegno Contemporaneo\, Costa Rica; Museo Nazionale Centro d’Arte Reina Sofia\, Madrid; Instytut Sztuki Wyspa\, Gdansk; Accademia di Berlino\, Berlino; Museet per Samtidskunst\, Roskilde; Fundacio Antoni Tapies\, Barcellona; Location 1 Gallery di New York; Artist Space\, New York; ecc. Le sue opere fanno parte di diversi archivi pubblici e collezioni tra cui MMSU\, Fiume; Galleria d’Arte a Spalato e di collezioni private.\nQUARTIERE INTELLIGENTE\nScala Montesanto 3\, Napoli\nDalle 21.30 alle 22.30 \nAlen Sinkauz e Nenad Sinkauz\nVideo by Ivan Marusic Klif\nPerformance audio visiva \nLo stile performativo di Alen e Nenad Sinkauz attira immediatamente il pubblico con un’abile tecnica d’improvvisazione\, frutto in realtà di un preciso processo per creare istantaneamente composizioni inaspettate. Gli elementi sonori e visivi dei loro concerti sono ulteriormente definiti dall’architettura e dalle caratteristiche acustiche dello spazio in cui giocano\, condizionando l’esito di ogni esibizione. Grazie ad una complessa elaborazione delle principali fonti di suono come chitarre\, bassi\, oggetti di varia natura\, microfoni e pick-up\, oltre alla “field recording”\, il sistema di amplificazione e la qualità di risonanza dello spazio diventano una parte significativa del quadro sonoro finale. Questa performance è una sinergia tra tutti gli elementi che sono riuniti non solo sul palco ma ovunque nello spazio. Il materiale musicale che viene creato da questo continuo accumulo e aggiornamento di suoni rimanda all’industrial\, alla techno e al noise\, ma allo stesso tempo resta avvolto in un’atmosfera astratta che nel tempo assume forme semplici e sempre diverse. La performance gioca sul potere sinestetico del suono\, da un lato appagando la fiducia nel riconoscimento e dall’altro introducendoci più in profondità nella struttura stessa del suono. \nAlen Sinkauz e Nenad Sinkauz\, originari di Pola\, Istria\, sono laureati e poi specializzati in studi di filologia musicale ed etnomusicologia a Padova. Come compositori e interpreti\, negli ultimi 20 anni hanno preso parte a vari progetti musicali\, teatrali\, di danza contemporanea\, multidisciplinari\, radiofonici\, sonori e cinematografici. Il loro lavoro artistico\, soprattutto dal vivo\, è principalmente orientato all’esplorazione di forme musicali non convenzionali\, musica improvvisata e creativa.\nHanno composto la colonna sonora per l’acclamato lungometraggio Zvizdan / The High Sun di Dalibor Matanić (Il premio della giuria “Un certain regard” al Festival di Cannes 2015) e per il film croato-norvegese Goran diretto da Nevio Marasović (Golden Arena premio per la migliore colonna sonora al Pula Film Festival\, 2017). Negli ultimi due anni composto colonne sonore di numerosi film croati e internazionali\, tra cui i cortometraggi d’animazione “Technement” di Branko Farac e “Kako se kalio čelik/Come si temperava l’acciaio” di Igor Grubić. Nel 2002 i fratelli Sinkauz fondano una band\, East Rodeo\, coinvolgendo un gruppo internazionale di musicisti jazz e rock che mettono insieme musica avant-rock\, elettronica\, noise e improvvisata\, pubblicando tre album con musicisti di fama internazionale come Marc Ribot\, Greg Cohen e Warren Ellis. Nel 2010 i fratelli Sinkauz hanno fondato il festival internazionale di musica sperimentale e improvvisata a Pola\, chiamato Audioart. Hanno suonato e presentato le loro opere in innumerevoli festival\, gallerie\, club e svariati luoghi negli Stati Uniti\, in Europa e in Giappone.\n\n \n \n \n \n \n \n Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 \n© photo Amedeo Benestante\nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Siniša Labrović “Artist Index”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Siniša Labrović “Artist Index”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Bruno Isaakovic “Fade Into”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Sandra Sterle “Visiting Reality”\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Scala Filangieri/Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance di Alen Sinkauz e Nenad Sinkauz\, Smashing the Myth – performance art dalla Croazia\, Quartiere Intelligente\, Napoli\, 2018 © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/smashing-the-myth-performing-art-from-croatia/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Smashing-the-Myth-invito.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181111T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20181111T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T114318Z LAST-MODIFIED:20210115T172923Z UID:2452-1541970000-1541977200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:PSYCHOPLUM! Un'opera multimediale di DANIELE DEL MONACO DESCRIPTION:11 novembre 2018\nINIZIO ORE 21:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nLa psicosusina atterra a Napoli. Il Marco Cappelli Acoustic Trio (Marco Cappelli\, Ken Filiano\, Satoshi Takeishi)\, una delle formazioni più attive nella sperimentazione musicale newyorkese\, interpreta Psychoplum!\, visionaria opera multimediale di Daniele Del Monaco in cui musica e immagini proiettate raccontano di viaggi interstellari e misteriose specie aliene.\nLa specie dei Cervelloidi è impegnata nell’esplorazione di altri pianeti grazie alla Telemano che\, viaggiando a bordo di una Psicosusina\, cattura immagini dai diversi mondi esplorati e le ritrasmette alla presenza del Re. È attraverso il punto di vista ingenuo e “puro” della Telemano che osserviamo dei mondi differenti in una sorta di Odissea intergalattica densa d’ironia e di riferimenti al nostro mondo.\nL’opera è stata prodotta nel 2013 dal collettivo romano LCP e nel febbraio 2018 viene presentata a New York una nuova versione con musiche totalmente differenti. L’organico raccoglie un campione molto rappresentativo e originale della nuova stagione della musica d’arte newyorchese\, in cui confluiscono il rock sperimentale\, la composizione musicale\, i colori della musica contemporanea e l’interplay dell’improvvisazione. Il gruppo ha al suo attivo numerosi tour e collaborazioni internazionali ed ha inciso due dischi per le etichette Mode Records e Tzadik. Attualmente è in cantiere una seconda collaborazione del gruppo con Daniele Del Monaco\, che debutterà a novembre assieme a Fay Victor e Marc Ribot. \nIl Marco Cappelli Acoustic Trio nasce nell’estate del 2009 con l’intento di esplorare il suono “cameristico” della chitarra classica preparata di Marco Cappelli in combinazione con il poderoso contrabasso di Ken Filiano e le particolarissime percussioni di Satoshi Takeishi. Ha rapidamente guadagnato una solida reputazione suonando presso storici luoghi dell’avanguardia musicale della Grande Mela\, come appunto il Barbes\, il Brecht Forum\, Roulette ed il famoso Stone (diretto da John Zorn)\, nonche` presso teatri piu` “istituzionali” quali l’Auditorium del Mannes College. La formazione ha al suo attivo tre cd: “Les Nuages en France” (Mode Records\, 2011)\, “Le Stagioni del Commissario Ricciardi” (Tzadik\, 2013) e “Norwegian Landscapes” (Da Vinci\, 2018). Nel 2015 il Trio debutta al Napoli Teatro Festival\, con la Sonata per il Commissario Ricciardi\, da un racconto di Maurizio De Giovanni\, in collaborazione con l’attore Andrea Renzi\, ospite la politastierista Shoko Nagai. Dal 2018 il Marco Cappelli AcousticTrio collabora con il compositore Daniele Del Monaco a due suoi progetti: PSYCHOPLUM! e THE ZONE (quest’ ultimo con la vocalist Fay Victor ed il chitarrista Marc Ribot).\nDaniele Del Monaco\, compositore\, tastierista e marinaio\, è autore di musica da camera\, sinfonica\, teatro musicale\, musica elettroacustica\, musica improvvisata\, opere multimediali\, musiche per film\, installazioni interattive\, canzoni. Ha prodotto numerosi spettacoli di ampio respiro tra cui Guernica (opera multimediale\, 2007)\, Simurgh (opera per maschere ed ensemble del 2007)\, Prove di fuga dalla terra (melologo\, 2008)\, Psychoplum (opera multimediale\, 2013-2018)\, Caligola (opera per coro e strumenti\, 2014)\, Il Viaggio (per gruppo di percussioni\, 2015)\, The Zone (concept album 2014-2018).\nMarco Cappelli è ormai da anni protagonista di un singolare percorso artistico che\, dopo studi accademici di ottime referenze (Conservatorio di S. Cecilia di Roma e successivamente Musik Akademie di Basilea con Oscar Ghiglia)\, lo vede passare con disinvoltura dall’esecuzione della scrittura musicale più rigorosa alla pratica dell’improvvisazione. Dalla rosa delle sue collaborazioni (Avi Avital\, Anthony Coleman\, Michel Godard\, Butch Morris\, Mauro Pagani\, Jim Pugliese\, Enrico Rava\, Marc Ribot\, Adam Rudolph\, Elliott Sharp\, Giovanni Sollima\, Markus Stockhausen\, Cristina Zavalloni …) emerge il respiro internazionale e trasversale della sua attività concertistica: è difatti regolarmente ospite sia in stagioni concertistiche di musica classica e contemporanea che in festival di jazz e di improvvisazione\, tanto come solista che in diverse combinazioni di ensemble. Ha al suo attivo una quindicina di cd incisi per prestigiose etichette discografiche come l’americana Mode Records\, la Tzadik diretta da John Zorn\, e da ultimo per l’etichetta giapponese Da Vinci.\nAttivo dai primi anni ’80\, il contrabassista Ken Filiano ha dato il suo contributo a dozzine di albums\, la maggior parte dei quali vanno sotto l’etichetta di “jazz creativo”\, dal post-bop alla free improvisation. Impegnato attivamente nella didattica\, ha insegnato presso l’University of New Mexico (Albuquerque)\, la New York State University (Buffalo)\, la UCLA\, e la Rutgers University. Nel 2002 Filiano ha realizzato il suo primo cd come leader per Clean Feed\, dal titolo Subvenire\, seguito da Dreams from a Clown Carin quartetto con i sassofonisti Tony Malabye Michaël Attias ed il batterista Michael T.A. Thompson. Tra le sue innumerevoli collaborazioni merita particolare menzione il suo recente ingresso nell’ultimo quartetto guidato da Anthony Braxton.\nBatterista\, percussionista e arrangiatore Satoshi Takeishi è nato a Mito\, Giappone. Ha studiato presso il Berklee College of Music di Boston\, USA. Dopo gli studi\, interessato alla musica sud-americana ha vissuto per 10 anni in Colombia\, dove ha suonato con i più importanti musicisti del paese. Attualmente continua la sua esplorazione multiculturale\, spaziando dall’elettronica ad un particolarissimo set di percussioni da lui stesso approntato: vive e lavora a New York\, dove e` tra i piu` richiesti improvvisatori della della ricchissima scena musicale della Grande Mela.\n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/psychoplum-unopera-multimediale-di-daniele-del-monaco/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/PSYCHOPLUM-INVITO_page-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181026T080000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190502T190000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T102741Z LAST-MODIFIED:20201113T112318Z UID:2434-1540540800-1556823600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Sapere i luoghi DESCRIPTION:26 ottobre 2018\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nPercorso transdisciplinare sulla lettura e l’attivazione dei luoghi attraverso l’arte \nSapere i Luoghi\, progetto realizzato da Fondazione Morra\, Fondazione Lac o Le Mon e Cantiere Giovani\, vincitore del Bando 2018 “PRENDI PARTE! Agire e pensare creativo” ideato dalla Direzione Generale Arte e Architettura contemporanee e Periferie urbane (DGAAP) del Ministero per i Beni e le Attività Culturali\, per promuovere l’inclusione culturale dei giovani nelle aree caratterizzate da situazioni di marginalità economica e sociale\, entra nel vivo del percorso di formazione transdisciplinare-comunitaria che\, attraverso i linguaggi dell’arte contemporanea\, intende fornire metodologie e strumenti per una nuova lettura e attivazione dei luoghi attraverso la ricerca\, la sperimentazione e l’espressione artistica.\nI 20 beneficiari di progetto\, selezionati tra le 89 candidature pervenute attraverso l’open call pubblica rivolta in particolare a giovani NEET – giovani che vivono una condizione di non-studio e di non-lavoro – avranno la possibilità di prendere parte a lezioni frontali e attività laboratoriali in cui si affronteranno i concetti e le pratiche di luogo ed identità\, territorio e mappa\, differenze e opportunità grazie ai contributi scientifici del prof. Pasquale Persico. Con l’obiettivo di generare contaminazioni tra contemporaneo e non-contemporaneo\, la prof. Rossella Bonito Oliva si focalizzerà sulla possibilità di costruire passaggi inediti attraverso il rovesciamento del rapporto centro-periferia\, partendo dagli archivi per giungere alle pratiche di una nuova immaginazione in-comune. Su queste riflessioni si innesteranno le esplorazioni comunitarie condotte da Nicoletta Ricciardelli che lavorerà con il gruppo sull’unità territoriale del Quartiere Avvocata\, campo base del percorso formativo e presidio di ricerca artistica grazie alla presenza del Museo Archivio Laboratorio Hermann Nitsch\, dell’Associazione Shozo Shimamoto e di Casa Morra-Archivio d’Arte Contemporanea. Una geografia\, quella del “Quartiere dell’Arte”\, che diventerà fantastica e virtuale grazie al Prof. Mario Franco e ai “suoi” luoghi del cinema\, artistiche manipolazioni che “inventeranno” lo spazio a fini narrativi sperimentando la possibilità di modificare percorsi e toponomastiche\, portando il mare dentro i vicoli di Napoli\, le astronavi nelle chiese\, il sogno surreale ed i capovolgimenti dadaisti nel racconto del quotidiano. Queste indagini collettive\, citando le tutor Loredana Troise e Raffaella Morra\, permetteranno al territorio di divenire “zona sensibile all’irruzione del vissuto\, plasmato da quello che\, con Foucault\, potremmo chiamare il pensiero del fuori: un recinto dove si determina la convergenza tra l’anima e le forme\, tra il linguaggio e la vita”. \nIn questo senso\, determinanti saranno i laboratori tenuti da Cesare Pietroiusti e Emilio Fantin\, che con il contributo di Maria D’Ambrosio\, prenderanno forma tra Casa Morra\, Quartiere Avvocata e l’incantevole Vigna di San Martino\, un vero e proprio terreno agricolo urbano nel cuore della città di Napoli con coltivazioni a vite\, agrumi ed altre specie di alberi da frutto. Ci si interrogherà su arte\, forme viventi ed estetica del processo; su come l’arte contemporanea può entrare in relazione con i luoghi; sulla differenza fra site-specific e context-specific; sugli interventi artistici nel contesto urbano\, quali le strategie possibili e quali esempi storici; sul concetto di “relazionale” e sull’importanza del rapporto con l’altro. \nL’esperienza comunitaria sarà rafforzata\, infine\, da un periodo di residenza presso la Fondazione Lac O Le Mon a San Cesario di Lecce\, una casa colonica dei primi del Novecento dedicata alla sperimentazione dell’arte e dell’educazione autonoma\, auto-sostenibile\, auto-organizzata. In questa cornice le attività si svilupperanno attraverso discussioni teoriche e progettuali in cui il sapere e le nuove idee saranno scambiate secondo una modalità circolare\, di accoglimento ed elaborazione collettiva. In tal modo\, il gruppo di lavoro sarà invitato a elaborare progetti in cui l’aspetto di condivisione diventa più importante dell’autorialità individuale. Un’esperienza formativa\, dunque\, ma anche di produzione artistica\, in cui i partecipanti verranno guidati trasversalmente nella realizzazione di un progetto individuale così come nella co-produzione di un dispositivo collettivo di design rappresentativo dell’esperienza. \nL’esperienza laboratoriale prenderà il via nel capoluogo partenopeo il 4 marzo fino al 7 aprile 2019. Momenti di tutoraggio sull’elaborazione e la progettazione dell’esperienza individuale dei beneficiari anticiperanno il periodo di residenza degli stessi in Puglia\, a San Cesareo di Lecce\, dove “comunità” e “terra” saranno le parole chiave fino al 2 maggio. \nLa restituzione dell’esperienza fuori porta avrà inizio dal 20 maggio presso Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea con l’allestimento della mostra di chiusura del progetto\, momento di “mostrazione” della trasformazione del processo in-out-in vissuto e interiorizzato dai beneficiari. \nLa “mostra dei luoghi compresi” sarà inaugurata il 1° giugno 2019. \nBando Iscrizione Sapere i Luoghi (Beneficiari Ammessi) \nSulla Fondazione Lac o Le Mon\nLa Fondazione Lac o Le Mon è una organizzazione non profit dedicata all’arte e alla cultura contemporanee fondata alla fine del 2015 dagli artisti Emilio Fantin\, Luigi Negro\, Giancarlo Norese\, Cesare Pietroiusti e Luigi Presicce. Poco dopo la sua creazione\, la Fondazione Lac o Le Mon ha acquisito un meraviglioso edificio con un grande appezzamento di terreno situato al confine tra San Cesario di Lecce e Cavallino (nel sud-est d’Italia)\, ribattezzato Casa Cafausica. Oggi\, questo sito è sede di un centro di sperimentazione e formazione artistica che opera attraverso attività laboratoriali\, esperienze comunitarie\, attività trans-disciplinari e di promozione della cultura della sostenibilità attraverso esperienze di coabitazione e compresenza\, di collaborazione progettuale e di osmosi fra le discipline\, le conoscenze e le competenze.\nwww.lacolemon.wordpress.com \nSu Cantiere Giovani\nCantiere Giovani è un’organizzazione non profit nata nel 2001 a Frattamaggiore (Na) grazie ad un gruppo di giovani che\, forti di esperienze socio-educative e culturali fatte in Italia e in Europa\, ha deciso di cogliere la sfida di far nascere un’organizzazione laica e indipendente nell’hinterland Napoletano. Il progetto “Il Cantiere”\, centro socio-culturale e aggregativo\, è stato riconosciuto dal Consiglio d’Europa uno tra i migliori interventi per il protagonismo e la cittadinanza attiva dei giovani. Membro di: Comitato di Coordinamento per il Servizio Volontario Internazionale /Unesco\, Rete Italiana Volontariato Europeo\, Rete ITER. Promuove le risorse dei giovani coniugando impegno sociale e culturale\, per sostenere i processi di cambiamento ed emancipazione. Cogestisce Piazzetta Durante\, spazio di sperimentazione sociale\, culturale e artistica.\nwww.cantieregiovani.org | www.piazzettadurante.it \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/sapere-i-luoghi/ LOCATION:Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\,  Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Sapereiluoghi-2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180920T170000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180920T210000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T122449Z LAST-MODIFIED:20210115T174445Z UID:2456-1537462800-1537477200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:M’ILLUMINO D’IMMENSO La scala del palazzo Cassano Ayerbo d’Aragona DESCRIPTION:20 settembre 2018\nINIZIO ORE 17:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele\, 20/C – Napoli \n\nDipartimento di Architettura e disegno industriale\, Università della Campania “Luigi Vanvitelli” e Fondazione Morra\nPRESENTAZIONE DEL LIBRO a cura di Ornella Zarlenga  \nAlle ore 18:30 l’evento proseguirà con l’ inaugurazione della mostra fotografica\n“dis-simmetrie di una scala” di Igor Todisco \nL’eccezionalità del caso vede\, in questo volume\, la presenza di un’autorevole firma: Alfonso Gambardella\, massimo studioso internazionale dell’architetto Ferdinando Sanfelice a cui rinvia il progetto della scala del palazzo Cassano Ayerbo d’Aragona a Napoli. \nIncerte sono le fonti archivistiche che documentano le trasformazioni del palazzo nobiliare\, attualmente Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\, e il nome dell’architetto ideatore della sua imponente scala settecentesca. La grandiosità della scala di palazzo Cassano Ayerbo d’Aragona consiste nell’essere un ‘fuori scala’ sia materiale che immateriale\, un evento narrativo di grande emozione nella concezione ‘immensa’ di spazio architettonico. A pianta esagonale\, il disegno dell’impianto planimetrico e altimetrico nasce dalla sapiente abilità del progettista di articolare forme geometriche elementari in uno spazio plastico e dinamico\, vibrante di tensioni strutturali e visioni multiple\, simmetriche e asimmetriche. Elementi\, questi\, tutti riconducibili alla poetica progettuale di Ferdinando Sanfelice. \nQuesto libro nasce dall’interesse nei confronti della scala del palazzo Cassano Ayerbo d’Aragona da parte della curatrice\, Ornella Zerlenga\, e dal direttore della Fondazione Morra\, Giuseppe Morra. La ricerca si sviluppa sulla base del protocollo d’intesa firmato fra la Fondazione Morra e il Dipartimento di Architettura e Disegno Industriale dell’Università degli Studi della Campania ‘Luigi Vanvitelli’ per avviare collaborazioni scientifiche\, ma anche azioni con ricadute attive sul territorio in termini di accrescimento culturale. \nIn tal senso\, il rilievo e la rappresentazione della grandiosa scala di palazzo Cassano Ayerbo d’Aragona\, nella sua unità spaziale e sistematicità metodologica di ricerca monografica\, è stato qui svolto per la prima volta nel corso del 2017 da un team di studio del suddetto Dipartimento\, coordinato scientificamente da Ornella Zerlenga con Vincenzo Cirillo e svolto da Gianluca Delle Rose\, Brigida Di Costanzo\, Gessica Friello. \nIntrodotto dai ruoli istituzionali\, Giuseppe Morra (Direttore Fondazione Morra)\, Giuseppe Paolisso (Rettore UniCampania)\, Luigi Maffei (Direttore Dipartimento)\, il volume raccoglie i contributi di Pasquale Persico\, economista e co-ideatore del piano di riqualificazione sociale “Il Quartiere dell’Arte”; Massimo Pica Ciamarra\, co-autore del progetto di riuso del palazzo aperto al quartiere; Igor Todisco\, i cui ‘punti di vista’ fotografici concludono la descrizione di una scala spazialmente mutevole. \nIl libro\, interamente bilingue in italiano e inglese\, è stato edito per i tipi di La scuola di Pitagora. \n\n \n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero\nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n M’illumino d’immenso\, Casa Morra\, Napoli 2018 © photo Daniele Galdiero Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/millumino-dimmenso-la-scala-del-palazzo-cassano-ayerbo-daragona/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/MILLUMINO_DIMMENSO_invito_ITA.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180727T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180727T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T143953Z LAST-MODIFIED:20210115T174707Z UID:2512-1532725200-1532732400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Terry Riley & Gyan Riley DESCRIPTION:27 luglio 2018\nINIZIO ORE 21:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c \nIn esclusiva nazionale nel settecentesco cortile di Casa Morra\, Terry Riley si esibirà al pianoforte e synth con il figlio Gyan alla chitarra. Questo evento è organizzato dalla Fondazione Morra\, da sempre attenta a proporre in città le neo-avanguardie contemporanee\, in collaborazione con la E-M ARTS.\nUn evento unico per la città partenopea\, il grande artista di musica contemporanea che ha generato la musica minimalista “ripetitiva”\, seguita da tanti altri musicisti minimalisti e da formazioni di musica popolare.\nNegli ultimi anni è in tour con il figlio Gyan alternando momenti musicali tipici del repertorio folk e jazz fino\, ovviamente\, a toccare momenti di avanguardia minimale.\nNella suggestiva Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea di Napoli un’occasione eccezionale per ascoltare e comprendere le intricate strutture sonore del duo Terry Riley e Gyan Riley i quali\, diffondendo un’intensa e vibrante energia\, ampliano la propria particolare comunicazione artistica in maniera neurotica e stimolante.\nTerry espande i confini della struttura prescelta e grazie agli “incitamenti” di Gyan giungono in direzioni insolite verso maratone di creazione spontanee e ipnotiche. Questa forza sonora interagisce con l’ambiente spaziale e il vigore del pubblico\, generando un’esperienza di grande impatto che agisce nella profondità dell’animo.\nPer Terry Riley la musica è un modo per collegarsi ad un potere forte\, ancora indistinto. Gyan è un chitarrista virtuoso di formazione classica influenzato dalle strutture ritmiche del Nord Africa e della Spagna ed un esperto improvvisatore.\nPadre e figlio generano una performance di corrispondenze intuitive in cui si influenzano a vicenda in un flusso emozionale intenso e intimo. Le strutture armoniche generate dal pianoforte e dalla chitarra\, guidate dal genio umano\, creano profonde tessiture sonore che si compenetrano attraverso una reciproca capacità di improvvisazione.\nPer Terry e Gyan la materia sonora è un processo incessante proveniente dall’ignoto fatto di movimenti modulari e ritmi semplici che vanno intesi come una pulsazione universale costante. \nCapostipite del minimalismo\, Terry Riley ha attraversato sei decenni di musica d’avanguardia restando sempre se stesso\, inventando procedimenti e strutture talmente flessibili che\, al pari dei suoi amati raga indiani\, resistono nel tempo e influenzano un’ampia gamma di musiche in apparenza lontane e inconciliabili\, dal jazz modale di Miles Davis e John Coltrane\, al Canterbury sound dei Soft Machine\, alla psichedelia dei Pink Floyd\, ai moduli di Philip Glass e Steve Reich passando per il rock di The Who e la kosmische music dei Tangerine Dream.\nFamoso per l’introduzione della “ripetizione dei motivi musicali occidentali” ha ideato i primi esperimenti su tape loop e sistemi di delay che hanno lasciato un segno indelebile nella musica sperimentale.\nHa iniziato a esibirsi come pianista solista negli anni ’50\, quando studiava composizione a San Francisco e Berkeley\, in classe insieme con La Monte Young. Negli anni ’60 organizza delle performances sonore prolungate fino all’alba\, anticipando i rave underground.\nDopo la laurea a Berkeley\, nel 1963 pubblica Music for the Gift per lo spettacolo scritto da Ken Dewey\, utilizzando due registratori per generare dei brani con un sistema di delay – feedback a nastro soprannominato Time Lag Accumulator suonando in loop la versione di Chet Baker di So What di Miles Davis. Questo effetto loop scatena il suo interesse per la ripetizione come mezzo di espressione musicale\, e nel 1964 completa l’opera più famosa In C\, riconosciuta come pilastro della musica elettronica.\nNel ‘68/’69 con A Rainbow in Curved Air anticipa la musica ambient e nel 1970 durante il suo primo viaggio in India per studiare con il maestro vocale Pandit Pran Nath comincia la ricerca sui suoni-trance.\nNello stesso periodo\, fa amicizia con David Harrington della Kronos Quartet e collabora a numerosi concerti per quartetto d’archi e orchestra\, con Salome Dances for Peace (1989) Riley e Kronos sono nominati a un Grammy.\nNel 2005 collabora con il poeta Michael McClure in I Like Your Eyes Liberty e nel 2008 pubblica due lavori: Cusp of Magic e Banana Humberto (etichetta Sri Moonshine).\nNel 2011 pubblica con suo figlio Gyan un album di concerti dal vivo (Sri Moonshine) e successivamente la composizione Aleph\, per il sintetizzatore Korg Triton 88 in origine creato per Aleph-Bet Sound Project al Jewish Museum of San Francisco\, pubblicato dalla Tzadik nel 2012.\nNel 2015 si concretizza il duo The Rileys: Terry & Gyan iniziano una serie di concerti per pianoforte\, synth e chitarre girando il mondo. Una celebrazione delle strutture complesse improvvisate contenenti elementi di minimalismo\, jazz\, ragtime e raga Indiano del Nord\, combinazioni musicali che caratterizzano la musica dei Riley.\n“Niente di tutto quello che ho fatto in questa vita mi ha dato più soddisfazione di improvvisare su queste canzoni con Gyan. La sua presenza\, brillante e virtuosa\, mi sorprende ogni volta\, e mi dona grande energia. Non avrei potuto sognare una migliore unione della mente e dello spirito in questa collaborazione.”   Terry Riley \nhttp://terryriley.net \nCresciuto in un ambiente altamente stimolante e ricco di sperimentazione grazie a suo padre\, il noto compositore Terry Riley\, Gyan Riley sceglie la chitarra come suo strumento per la vita\, vincendo il primo esemplare in una lotteria all’età di 12 anni. Dopo aver appreso a orecchio tutte le canzoni della sua collezione di audio cassette\, diventandone abile interprete\, si appassiona all’apprendimento delle tecniche fino a decidere di iscriversi al San Francisco Conservatory of Music.\nIn questo contesto ha la possibilità di studiare con David Tanenbaum e Dusan Bogdanovic\, con i quali collabora in tournée. In occasione del suo diploma\, nel 2002 Gyan debutta con l’album Food for the Bearded.\nLa variegata opera di Gyan si concentra sulle composizioni complesse\, sull’improvvisazione e sul repertorio classico e contemporaneo. Ha collaborato con il Kronos Quartet\, New Music USA\, Carnegie Hall Corporation\, American Composers Forum e con il New York Guitar Festival.\nNel corso degli anni\, gira l’Europa\, il Canada\, l’America Latina e gli Stati Uniti con diverse tournée\, sia da solista che in vari ensemble con musicisti di talento. Si è esibito con Zakir Hussain\, Lou Reed\, John Zorn\, il Kronos Quartet\, Iva Bittova\, il Bang On A Can All Stars\, la San Francisco Symphony\, la Philadelphia Chamber Orchestra\, e con suo padre\, il compositore/pianista/cantante Terry Riley\, come nel 2009 per il 45° Anniversario di In C al Carnegie Hall Performances di New York.\nGyan a New York si esibisce con il duo Probosc\, il trio Eviyan e il quartetto di chitarra elettrica Dither. Ha composto e pubblicato quattro CD solisti e molte registrazioni ensemble/collaborative con l’etichetta Tzadik Records New York.\n“… la natura improvvisativa di ciò che facciamo richiede di essere in quel tipo di mentalità d’ascolto … Non possiamo mai davvero uscirne! Gran parte di questa è anche basata su qualsiasi energia che riceviamo dal pubblico\, dallo spazio\, dall’acustica e dall’esperienza complessiva. Ciò può avere un grande impatto e influisce sul modo in cui reagiamo.”   Gyan Riley\nhttp://gyanriley.com\n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/terry-riley-gyan-riley/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Terry_and_Gyan_Riley_invito_pages-to-jpg-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180629T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180629T213000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T160428Z LAST-MODIFIED:20210610T095953Z UID:2556-1530298800-1530307800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Thomas De Falco - MATERIE DESCRIPTION:29 giugno 2018\nINIZIO dalle 19:00 alle 21:30\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nPerformance e installazione tessile a cura di Lucrezia Longobardi. \n“Mio albero\, ti parlo e ti dico i miei pensieri segreti. Tutta la mia verità\, tutti i miei desideri rustici\, tu sai tuttodi me e dei tormenti della vita più semplice\, di quella più vicina a te.” \nCit. Paul Valery \nSulla monumentale scala a matrice ottagonale del Palazzo Cassano Ayerbo D’Aragona\, il 29 giugno 2018 prenderà corpo\, dopo un periodo di residenza svolto in questo stesso luogo\, la performance ed installazione tessile dell’artista Thomas De Falco. Una visione giocata sul dialogo fra forme umane e naturali\, nella loro originaria reciprocità\, si declinerà attraverso un paesaggio misto di corpi ed arazzi scultorei\, in cui i performer divengono prolungamento scultoreo\, protuberanza del supporto attraverso wrapping usati come connettori dei due mondi e\, a loro volta\, controfigura della natura stessa\, in uno scenario onirico e totalizzante.\nMaterie\, titolo evocativo della pluralità dei supporti della vita\, in un dialogo attivo con l’architettura del luogo\, tenta di ancorarsi alla stabilità di un monumento facendo di esso stesso casa\, laddove la stabilità del momento è precaria e difficoltosa da ritrovarsi. E la donna\, e il suo dolore\, partecipano a questa narrativa come simbolo assoluto. Quest’ultima non è vincolata all’instabilità intesa con accezione negativa\, ma come atto di superamento nonostante la costernazione dell’afflizione. I parallelismi con la città\, a questo punto\, emergono naturalmente e rendono una visione poetica e delicata di questo connubio semantico. La donna\, che rispecchia il genere con il quale viene riconosciuto il “sesso” della natura\, diviene corpo emblematico per questa identificazione tra gesto ed essenza\, come la città “femmena” che ospita questo lavoro e ne ispira i tratti principali.\nUn’opera è inscindibile dal suo contesto storico e politico.\nUn’opera contemporanea\, è quindi\, un accento all’interno di un discorso più ampio\, una grande sinfonia di voci e fiati che la animano\, di riflessioni che spiralicamente convergono nel concetto di Zeitgeist.\nNapoli è un porto. Una soglia sul Mediterraneo. Sulle sue acque hanno navigato miti antichi\, le imprese degli eroi greci\, di Ulisse\, ma ogni età ha le sue epopee. Ed esse sempre superano i contorni della realtà per assumere una dimensione iperolica\, epica\, appunto. A tracciare i contorni di una mitologia contemporanea del Mediterraneo ci ha pensato Pasolini nel 1964 con la sua “Profezia”. Noi abbiamo intessuto quel mito di elementi dalla radicalità tragica. Fissando nella trama del mare\, l’ordito del confine.\nE’ da qui che\, inevitabilmente\, per ragioni squisitamente storiche\, il lavoro di Thomas De Falco trova l’innesco\, percorrendo il limite concettuale di un simbolo che è punto di separazione e di unione al contempo. Il confine\, nel suo lavoro\, mostra\, quindi\, tutta la sua strutturale consistenza di legature\, cuciture. E in questo senso rovescia il suo senso rispetto alla visione comune. Il confine diventa sutura\, callosità ossea\, saldatura.\nIl raffinato disegno fatto dal cotone che avvolge\, stringe la materia naturale\, richiama al confine un significato più profondo\, sposta il suo significato dall’accezione contemporanea a quella originaria\, restituendo al linguaggio la propria complessità e così la sua intelligenza. Si re-instaura\, in questo modo\, la vera libertà dell’osservatore nel confronto con l’integrità del simbolo.\nIn un gioco fatto di orditi e nodi\, legami tessuti e ancorati al supporto\, elementi naturali che divengono epicentro ed equilibrio\, si consuma un esercizio di relazioni che è metafora tutta fisica\, tutta reale\, della più atroce delle mancanze odierne. Nel loro dialogo costante\, i materiali di Thomas De Falco\, agiscono insieme senza poter fare l’uno a meno dell’altro\, in un’alchimia della materia che va ben oltre l’oggetto ed intreccia le radici delle loro diverse provenienze\, delle loro stratigrafie simboliche.\nLa città stessa\, per un’opera che nasce site-specific\, diventa materia che\, al contatto\, declina le sue risonanze. Di Napoli è la dimensione femminile che l’artista non può evitare di affrontare. La sua pietà di riva esausta\, lambita da un mare in pena\, trova nell’attributo femminile la forza di gonfiarsi di un’energia ancestrale e rigeneratrice che dal porto sale e dipana per i vicoli\, vasi sanguigni\, sistema nervoso di una comunità umana che ha imparato a superare le lacerazioni attraverso la pratica\, evolvendo fino a poter esistere\, nella condizione in cui il dolore più lancinante coincide con lo stato di normalità. In ragione di questa devozione all’assoluto naturale\, Napoli rifiuta le differenze\, i suoi figli – eduardianamente – sono tutti uguali. La distinzione qui passa per un sistema di cuciture\, di equilibri\, di punti di sutura\, che hanno attraversato la carne non senza dolore.\nDe Falco disegna\, allora\, nello spazio\, un antropo-rama composto da performer di etnie diverse\, evocazione di un idea di famiglia umana naturale resa indissolubile per legami visibili\, intrecci di radici\, di contatti\, di articolazioni composte in un abbraccio materno\, in una pietà che del femminile ha tutto e della città il colore. \n1. Le jardin noir\, wrapping su tela con foglia in ferro e ramo di ficus. 50x70m \n2. Untitled\, foglie con cuciture a vista in plastica con wrapping e ramo. 125 x110m \n3. Untitled\, foglie con cuciture a vista su tela con wrapping. 2x2m \n4. Untitled\, foglie con cuciture a vista in plastica con wrapping. 1\,90×1\,30m \nI performer:\nAmie Zuore\nTraore Ladifa\nTraore Mariam\nKetcha Wandji Tracy Jonen\nKarim Tintore\nNoemi Perlingieri\nVlad Marchese\nAlessandra Aliberti\nJem Perrucchini\n  \nI musicisti:\nGiuseppe Vietri\nPietro Santangelo\nValentina Ciniglio\nGiulio De Asmundis\nGiuseppe di Taranto\nSara Piccegna\nViviana Ulisse\nGiusi Arvonio\nLe assistenti dell’artista:\nElisabetta Genoni\nFabiola Skraqi\nBeatrice Schivo\n\n \n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Performance Materie\, Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\, Napoli\, 2018 © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/thomas-de-falco-materie/ LOCATION:Casa Morra\, Salita San Raffaele 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/THOMAS-DE-FALCO-materie-casa-morra-invito_page-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180622T140000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180706T190000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T162635Z LAST-MODIFIED:20201216T165439Z UID:2561-1529676000-1530903600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Jeanne Liotta - Break the sky DESCRIPTION:22 giugno 2018 – 6 luglio 2018\nOPENING 22 GIUGNO ORE 14:00\nCapriata del Museo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nLa video-installazione In This Immense Space Hidden Things Appear Before Us e le opere di Jeanne Liotta\, in collaborazione con Microscope Gallery New York. \nLa video installazione di realtà aumentata In This Immense Space Hidden Things Appear Before Us\, come Sky TV di Yoko Ono del 1966 – a cui il lavoro rende omaggio – trasmette un collegamento dal vivo del cielo esterno nella capriata. L’appropriazione e la dimestichezza d’uso delle nuove tecnologie da parte di Liotta consentono all’opera di estendersi oltre i limiti del cielo visibile. Le immagini video riprese in tempo reale dagli smartphone installati sul tetto dell’edificio sono sovrapposte a rendering computerizzati di pianeti\, stelle\, costellazioni e altri corpi celesti\, nonché a stazioni spaziali\, “spazzatura” e altri oggetti noti nell’orbita terrestre. \nIl video dal vivo fruibile nell’orario pomeridiano del Museo – dalla luce del primo pomeriggio all’oscurità della sera – agevola l’esperienza di movimento della nostra Terra\, specialmente in relazione ad altri pianeti e sistemi stellari: la nostra posizione di Napoli ruota a circa 750 miglia orarie sull’orbita del pianeta attorno al sole alla velocità di 67.000 miglia orarie nel sistema solare che circola nella galassia a 483.000 miglia orarie\, ecc. \nInoltre in mostra ci sono delle selezioni di due serie correlate di acquerelli e inchiostri su carta ed una serie di fotogrammi dell’artista. \nGli acquerelli Bruno Studies si basano sulla sagoma della statua di Giordano Bruno\, che si trova a Roma in Piazza Campo de’ Fiori\, dove nel 1600 fu arso sul rogo per aver rifiutato di revocare quelle che erano considerate visioni eretiche\, come insistere che il nostro sole è solo uno dei tanti e l’universo è infinito\, e spesso incorporano il testo dei suoi scritti De l’Infinito\, Universo e Mondi (1584). \nLa serie Nightly Studies – acquerelli gansai e inchiostro sumi su carta – trova Liotta mentre crea le sue mappe del cielo di notte osservato da varie località del mondo durante le sue ricerche. L’uso dettagliato e multistrato di sfumature di blu insieme all’applicazione minimale e gestuale di inchiostro nero sulla pagina attirano connessioni visive tra la scala umana e quella cosmica: schizzi di inchiostro formano la Via Lattea\, un puntino di colore una galassia lontana. \nLa serie di fotogrammi Articuli realizzati a mano in camera oscura si ispirano all’immaginario e alla struttura dei diagrammi copernicani (xilografie) del filosofo e ex frate domenicano Giordano Bruno. Tra le sue idee c’erano che il sole è una stella\, che altre stelle hanno sistemi solari simili al nostro e che l’universo è infinito. Un ulteriore informazione sugli articoli di Bruno: 42 xilografie iconografiche accompagnano la monografia di Giordano Bruno stampata nel 1588 Articuli centum et sexaginta Adversus Matematicos (Centosessanta Articoli contro i matematici). I diagrammi non sono rappresentazioni rigorose della meccanica celeste\, ma strumenti descrittivi e immaginari per una rappresentazione eliocentrica del mondo\, che Bruno ha immaginato non come singolare ma come spazio multidimensionale di possibilità infinite. \nJeanne Liotta realizza film\, video\, e anche video-proiezioni\, opere su carta\, e fotografie\, con tematiche che spesso si intersecano tra arte\, scienza\, filosofia naturale ed effimero. Il suo film 16mm più noto Observando El Cielo ha ricevuto numerosi riconoscimenti\, tra cui il Tiger Award al Rotterdam International Film Festival\, ed è stato votato tra i migliori film del decennio da The Film Society of Lincoln Center. Nel 2013 Anthology Film Archives ha presentato The Real World at Last Becomes a Myth\, una retrospettiva completa delle sue opere in film e video\, e nel 2014 Jeanne ha ricevuto una commissione per lavorare con gli scienziati del clima NOAA a Boulder\, Colorado per creare un’opera di proiezione a 360 gradi per Science on a Sphere. I suoi collage The Tiffany One-Cuts estratti da pagine del New York Times sono stati incorporati nelle installazioni dell’artista Nancy Shavers per la Derek Eller Gallery (2016) e per il Padiglione USA/Biennale di Venezia (2017).\nhttp://www.jeanneliotta.net/ \n\n \n \n \n \n \n \n Installation view\, Break the sky\, Museo Hermann Nitsch\, Napoli 2018 \nJeanne Liotta \nCourtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/jeanne-liotta-break-the-sky/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/INDEPENDENT-FILM-SHOW-18th-Edition-cartolina-LIOTTA_page-0001.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180621T203000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180623T203000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20181113T165513Z LAST-MODIFIED:20210305T144052Z UID:2567-1529613000-1529785800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:INDEPENDENT FILM SHOW 18th Edition DESCRIPTION:21 giugno 2018\nVigna San Martino\nCorso Vittorio Emanuele 340\, Napoli \n22 e 23 giugno 2018\nBelvedere Museo Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nINDEPENDENT-FILM-SHOW-18th-Edition-PROGRAMMA-2018 \nIndependent Film Show 18th edition\, rassegna internazionale dedicata al experimental film\, coordinata da Raffaella Morra e organizzata da E-M ARTS associazione culturale\, incrementa le esperienze sensoriali dei propri ospiti che per tre giorni possono partecipare alla proiezione di films in pellicola 16mm (molti in prima visione Italiana)\, al concerto di Bernhard Schreiner\, e alle expanded cinema performances di Jeanne Liotta\, Canecapovolto\, Bea Haut\, e Helga Fanderl\, da giovedì 21 giugno in Vigna San Martino\, venerdì 22 e sabato 23 giugno sul Belvedere Museo Nitsch. Dal 22 giugno al 6 luglio nella Capriata Museo Nitsch è fruibile la video-installazione In This Immense Space Hidden Things Appear Before Us e le opere su carta di Jeanne Liotta\, in partnership con Microscope Gallery New York. \nIl solstizio estivo del 21 giugno offre l’occasione di eseguire il primo programma nella preziosa Vigna San Martino e concede a un selezionato pubblico di partecipare\, su invito\, ad una lunghissima notte di proiezioni e live expanded cinema performances fino al sorgere del sole. \nDue films di Jeanne Liotta\, artista americana che\, riprendendo le teorie di Ralph Waldo Emerson\, interseca l’arte\, la scienza e la filosofia naturale nel suo complesso science project: proiettati e modificati dal vivo dall’artista\, Affect Theory(2013)\, composto da due films sistemati in posizione planetaria e satellitare\, e Path of Totality\, realizzato a seguito dell’eclissi solare totale dell’agosto 2017\, ci trasportano all’interno di un allineamento celestiale. \nCanecapovolto\, formato a Catania nel 1992 sul modello della confraternita filosofica\, sperimenta la “dissonanza cognitiva”\, circuit bending e radiodrammi\, collages su carta… è tra le zone d’ombra tra ascolto e visione che fonda la sua identità ed il suo messaggio: il video Nembutal (2015) è preludio per NAGNAGNAG performance circuit bending\, ovvero la modifica dei circuiti di strumenti musicali\, giochi per bambini etc. e la pianificazione del corto circuito come prassi espressiva per suggerire il caos! Musica e Rumore diventano improvvisamente categorie dai confini instabili. È un punto di non-ritorno. Il Circuit bending sta alla Musica come il Found footage sta al Cinema. \nIl programma Free your perceptions a cura di Raffaella Morra è un viaggio della mente o uno studio profondo dell’apparato filmico e delle possibili raffigurazioni prodotte dall’interazione con l’osservatore che partecipa ad un’avventura della percezione libero da preconcetti e classificazioni. \nI dieci films e video esplorano i confini della conoscenza: Christin Turner nel HD video Vesuvius at Home (2017) disvela una simbiosi tra il cinema\, la memoria e la spirale del tempo\, e Victory to Loss Ratio (2013-14) di Bernhard Schreiner prova ad ottenere immagini e suoni sincronizzati nella mente; nel film Heat Shimmer (1978) Arthur e Corinne Cantrill trasformano il paesaggio dell’Australia centrale in vari gradi di luccichii\, mentre Paul Clipson in Sphinx on the Seine (2009) medita su una serie di brevi ed enigmatiche immagini da ogni luogo del mondo. Vicky Smith in My Moon Her World (1995) combina l’animazione con l’azione dal vivo trattata – pixellata\, rifilmata\, in slow motion\, e in Réminiscences (2001-2020) di Olivier Fouchard le immagini girate ad Auvergne nella primavera del 2001 assumono l’aspetto di cose sognate dai colori irreali con l’aggiunta di found footage; Comfort Stations (2018) di Anja Dornieden & Juan David González Monroy è un test psicologico trovato per caso e di cui non si sa nulla degli autori; I don’t think I can see an island (2016) di Christopher Becks e Emmanuel Lefrant è un film di avventure non-euclidee simbolicamente autentiche; Take-Off (2006) è un’opera collaborativa originata dal work-in-progress tra Katherine Liberovskaya e il compositore Al Margolis che attivano una relazione tra immagini\, suoni e i processi di montaggio; Heliocentric (2009) dei Semiconductor usa la fotografia time-lapse e il tracciamento astronomico per disegnare la traiettoria del sole attraverso una serie di panorami.Di solito è quasi impossibile visualizzare come la terra si muove intorno al sole\, anche se sappiamo che è vero\, invece ‘vediamo’ il sole che si muove intorno a noi. \nBea Haut è artista e film-maker in forma espansa\, multimediale e spesso reattiva all’ambiente\, le sue opere alludono alla percezione di momenti\, spazi e azioni interconnessi tra loro. Venerdì 22 giugno per il programma Matters of Being Bea Haut ha scelto undici films di film-makers del Regno Unito che provano a penetrare la materialità enigmatica della pellicola filmica\, evocando una zona interattiva tra oggetto e soggetto\, in cui sorge un intreccio di vitalità\, esistenza ed evento. \nCripps at Acme (1981) di William Raban è la documentazione della performance di Steve Cripps\, artista selvaggiamente sregolato e forse genuinamente instabile di quel tempo. The Hut (1973) di John Smith è un esperimento con dei ritmi visivi che anima le fotografie fisse di un edificio in disfacimento. Attraverso un intreccio ritmico il film Chameleon (1990) di Tanya Syed si muove silenziosamente verso un punto di confronto con il mondo esterno\, enfatizzato in modo sconvolgente dall’unico suono del film. Talking to a Stone (1993) di Inger-Lise Hansen crea un equilibrio fragile e illusionistico tra le forze di creazione e distruzione nel tempo. 9 Objects (2016) di Bill Leslie fa parte di un progetto dal titolo ingannevolmente semplice\, ‘cosa succede alla scultura quando viene filmata e fotografata?’ e in pratica esplora le potenziali relazioni tra gli oggetti scultorei e i diversi media di rappresentazione. Due films di Laura Hindmarsh: Self Registration (2015) un atto di auto-allineamento utilizzando la stampa a contatto manuale e Finding Focus (2016) girato a Lake George in Australia per provare a dar soluzioni ai miti che circondano l’improvvisa fluttuazione del volume del lago. Mary Stark in Button Box Blast (2016) filma l’esplosione di una scatola di bottoni in uno schema casuale di luci e suoni ottici. Due films di Jenny Baines entrambi in doppia proiezione 16mm per documentare due brevi performances: Untitled (Insertional) (2014) due cineprese bolex\, una corda\, due artiste e un albero\, e Untitled (#1 25/25 x 10/4) (2016) correre intorno a un albero ripetutamente finché ci si lega ad esso. Vicky Smith in Small things moving in Unison (2018) si confronta con i problemi puramente plastici che persistono nel film realizzato a mano\, dei segni di registrazione nello stesso punto su una serie di fotogrammi. \nPer approfondire la dinamica di creazione filmica\, nel programma Mattering and Uttering Bea Haut rivela la sua opera filmica selezionando dieci films bianco/nero: lavorare con il film 16mm in modo materialista e fai-da-te consente una risposta concreta tra l’artista e i propri materiali. Questo diventa un intreccio di pensiero\, essere e fare\, che attiva un’organizzazione sia di sé che del materiale. Si inizia da Pending (2016)\, un film performance di 100 piedi di lunghezza (30\,48 metri) formato dal pubblico in un ‘loop dal vivo’ prima di esser proiettato\, creando un’empatia tra spettatori e artista. \nSabato 23 giugno lo splendido tramonto fruibile dal Belvedere del Museo Nitsch è ideale panorama per il concerto The magnetism of knowing and not knowing di Bernhard Schreiner: una performance in cui le strutture sonore sono sviluppate dal vivo sulla base della ‘composizione istantanea’ (chiamatela improvvisazione se si vuole)\, usando una cetra\, degli effetti e dei loop\, del software (per l’elaborazione dal vivo di input) e tante piccole parti per interferire con le corde della cetra (martelletti\, pennelli\, molle metalliche\, fermacapelli\, archetto\, ecc.). \n“…Una volta che si è sviluppata una soddisfacente struttura di auto-mixing si potrebbe lasciar sola per un po’ (oppure non)\, forse permettendomi di fare un passo indietro e ascoltare le trasformazioni di auto-mixing in evoluzione. Potrei tornare a interferire ulteriormente con la configurazione\, la sovraincisione\, ecc. o anche ricominciare il concerto da zero (oppure non).”   Bernhard Schreiner \nHelga Fanderl continua ad innovare le tecniche di impressione e montaggio della pellicola Super 8mm e dalla metà degli anni ‘80 ha realizzato oltre seicento films\, ognuno di circa tre minuti\, montati in fase di ripresa nella cinepresa. I suoi film si originano da un’osservazione intensa e da un affinato approccio d’improvvisazione con reazioni rapide e tempismo di risposta. \nConstellations è un montaggio temporaneo di ventiquattro brevi films (1992-2016) di alcuni aspetti dell’opera di Helga Fanderl che evocano corrispondenze e contrasti\, sperimentando così un’intensa forma di microcosmo e nello scorrere silenzioso dei fotogrammi si può fluttuare in un limbo di associazioni mentali senza tempo e spazio. \n“…Maneggiare il proiettore\, cambiare le bobine\, mettere a fuoco e fare il quadro\, introdurre personalmente i miei programmi e discutere del mio modo di fare cinema – tutto questo contribuisce a creare un evento dal vivo e una performance unica che corrisponde in pieno alla poetica dei miei films”.  Helga Fanderl URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/independent-film-show-18th-edition/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch,Vigna San Martino ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/INDEPENDENT-FILM-SHOW-18th-Edition.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20180616 DTEND;VALUE=DATE:20180617 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20210304T135217Z LAST-MODIFIED:20210304T141131Z UID:5533-1529107200-1529193599@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion – musica ascoltata raramente II Edizione DESCRIPTION:16 giugno 2018\nINIZIO CONCERTO ORE 12:00\nRiot Studio\nVia San Biagio Dei Librai 39\, Napoli \nore 12:00-18:00 \nI’m sitting in a room – program of audio screenings\n@ Complesso di San Domenico Maggiore\ningresso gratuito \nore 19:30 \nMaurizio Argenziano [IT]\nNS: Giovanni Lami & Enrico Malatesta [IT]\n@ Riot Studio\ningresso: 5 euro \nL’evento conclusivo de “La Digestion – musica ascoltata raramente”\, il festival di arti sonore organizzato da Phonurgia\, Fondazione Morra e E-M Arts\, è rivolto all’ascolto e alla riscoperta di alcune delle più rappresentative opere sonore del presente e del passato\, nella straordinaria cornice del convento dove visse e insegnò Tommaso D’Aquino. L’evento si propone di promuovere una serie di ascolti di opere significative di musica concreta ed acusmatica\, tentando di sdoganare anche in Italia una pratica già ampiamente diffusa in Europa\, ovvero quella del cosiddetto “cinema per le orecchie”. Un’esperienza di ascolto collettivo e dedicato\, non legato al momento performativo della musica\, ma rivolto a una rivalutazione dell’ascolto come momento fondamentale della formazione culturale e sensoriale dell’individuo. Il programma di ascolti prevederà opere di compositori quali Lionel Marchetti\, Jar Moff\, Rudolf Eb.er\, Jerome Noetinger & SEC_\, Trevor Wishart\, Valerio Tricoli\, DSM\, Heith & Jesse Osborne Lanthier\, Les Enerves\, più una sezione di inediti a cura di Giovanni Lami\, più una sezione a cura del festival itinerante di ascolti acusmatici Helicotrema\, con i quali La Digestion ha appena inaugurato una collaborazione. \nIn serata\, poi\, i concerti degli emiliani Giovanni Lami ed Enrico Malatesta e del chitarrista napoletano Maurizio Argenziano\, nella bella cornice del Riot Studio a Palazzo Marigliano\, luogo da anni dedicato ai linguaggi contemporanei sia sonori che visivi. \nLa performance immersiva “Nuova Superficie” di Giovanni Lami ed Enrico Malatesta\, fatta di microsuoni dalla poetica lenta e metamorfica\, avrà luogo nel giardino del Riot dalle 19.30 alle 22.30; durante la performance il pubblico sarà libero di muoversi tra gli spazi esterni ed interni\, integrandosi organicamente con il paesaggio sonoro costruito dai due musicisti. A seguire il dirompente solo di uno dei più originali e influenti chitarristi napoletani tramuterà la scena in un campo di battaglia metafisico\, in cui è la cortina elettrica a dar vita ad architetture sensibili e a ricordarci che il suono\, come l’elettricità\, è qualcosa di intangibile eppure di estremamente concreto. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-ii-edizione-5/ LOCATION:Riot Studio\, Via San Biagio Dei Librai\, 39\, Napoli\, 80138 ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/brochuredigestion-DEF-front.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180613T093000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180806T183000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T153045Z LAST-MODIFIED:20210428T151955Z UID:2518-1528882200-1533580200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Shozo Shimamoto - Spazio nel Tempo DESCRIPTION:13 giugno – 6 agosto 2018\nOPENING 13 GIUGNO ORE 18:00\nFondazione Sant’Elia\nVia Maqueda 81\, Palermo \nA cura di Achille Bonito Oliva \n“Un colore senza materia non esiste. Se in procinto di creare non si getta via il pennello\, non c’è speranza di emancipare le tinte. Senza pennello le sostanze coloranti prenderanno vita per la prima volta. Al posto del pennello si potrebbe usare con profitto qualsivoglia strumento. Per iniziare\, le nude mani o la spatola da pittura. E poi ci sono gli oggetti adoperati dai membri del gruppo Gutai: annaffiatoi\, ombrelli\, vibratori\, pallottolieri\, pattini\, giocattoli. E poi ancora i piedi\, o le armi da fuoco\, o altro. E in tutto ciò potrebbe anche ricomparire il pennello\, perché non vi è dubbio che in simili elaborazioni innovatrici qualcosa del passato torna in essere.”\n \nShozo Shimamoto | Bollettino «Gutai»\, n.6 Ōsaka\, 1957 \nA metà degli anni Cinquanta\, l’artista giapponese Shozo Shimamoto\, nella piccola città di Ashiya (Hyogo) inizia la sua avventura con un lavoro creativo realizzato in pubblico\, un giar­dino dove lui e altri artisti realizzano opere\, frut­to di un’attività performativa nella quale il fare l’opera è sincronico al contemplare del pubblico\, con tutte le interferenze di un evento in diretta. Allontanandosi dalla tradizione surrealista e dagli stimoli di Duchamp\, il gruppo di artisti Gutai si afferma gridando in nome di una nuova creatività che cede all’impulso. Un’ampia retrospettiva sull’artista giapponese\, a cura di Achille Bonito Oliva\, si inaugura il 13 giugno alle ore 18 a Palermo\, alla Fondazione Sant’Elia dove resterà fino al 6 agosto. “SHOZO SHIMAMOTO / SPAZIO NEL TEMPO” è un progetto della Fondazione Morra di Napoli con il supporto tecnico\, logistico e organizzativo dell’Associazione Shozo Shimamoto\, in collaborazione con la Fondazione Sant’Elia. Uno sguardo attento e completo sul percorso dell’artista giapponese\, dalle prime innovative sperimentazioni degli anni ‘40 e ’50\, fino alle performance degli ultimi anni. Se\, infatti\, gli anni ‘50 di Shimamoto sono tutti in Oriente\, perché hanno luogo in Giappone\, gli anni Duemila sono in gran parte in Occidente\, perché è proprio qui che hanno luogo alcune delle più importanti performance del maestro. La dialettica tra questi due momenti storici racconta di un singolare\, importante ed unico processo artistico. Negli anni ‘50 Shimamoto inizia a lavorare come pittore e proprio in nome di un nuovo modo di concepire e praticare la pittura\, inizia a dedicarsi all’azione\, che si trasforma progressivamente in happening. Viceversa\, i grandi eventi italiani degli ultimi anni rivelano un percorso inverso: c’è una grande costruzione scenica con una sua autonomia spettacolare\, che si riflette dentro la realizzazione di opere che di quel momento rappresentativo pubblico\, sono il risultato. “Il tentativo è quello di allargare il più pos­sibile lo spazio estetico del gesto\, inglobare la ter­ra ed il cielo. (…) In definitiva\, Shimamoto è un nomade samurai del­l’arte che riesce ad andare a bersaglio\, assistito dal caso intelligente di un processo creativo che vuo­le bucare l’inerzia del mondo e dare energia alla comunità degli uomini”\, scrive Achille Bonito Oliva. \nSono in mostra alla Fondazione Sant’Elia lavori di grande importanza storica\, dalle prime opere con il gruppo Gutai alle bellissime esplosioni di colore dei lavori realizzati in Campania. E\, per la prima volta in Italia\, verranno esposti anche i lavori su carta degli anni ’50. In occasione della mostra\, sarà stampato un catalogo a colori con testi di notevole rilevanza storica e critica. La retrospettiva su Shozo Shimamoto è tra gli eventi di punta del grande cartellone di Palermo Capitale Italiana della Cultura 2018. \n\n \n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 Shozo Shimamoto © photo Amedeo Benestante Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Installation View\, Spazio nel Tempo\, Fondazione Sant’Elia\, Palermo\, 2018 \nShozo Shimamoto \n© photo Amedeo Benestante \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n\n \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/shozo-shimamoto-spazio-nel-tempo/ LOCATION:Fondazione Sant’Elia\, Via Maqueda\, 81\, Palermo\, Italia CATEGORIES:Associazione Shōzō Shimamoto ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/shozo-shimamoto-palermo.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180519T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180519T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201113T180707Z LAST-MODIFIED:20210304T134959Z UID:2577-1526763600-1526770800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:LA DIGESTION – musica ascoltata raramente II Edizione DESCRIPTION:19 maggio 2018\nSTART CONCERTO ORE 21:00\nBasilica di San Giovanni Maggiore a Pignatelli\nRampe San Giovanni Maggiore\, Napoli \nore 19:00 conversazione con il Prof. Carmelo Colangelo (Università di Salerno) \nLocation e line up d’eccellenza per il quinto appuntamento de La Digestion – musica ascoltata raramente\, festival che pone al centro della sua ricerca i linguaggi più innovativi dell’arte sonora contemporanea\, frutto della sinergia tra le associazioni Phonurgia e EM-Arts e la Fondazione Morra.\nL’evento del 19 maggio vedrà dialogare i due istrioni della sperimentazione tedesca con i magnifici spazi della basilica di San Giovanni Maggiore Pignatelli. Come nel caso dell’appuntamento del 3 Febbraio\, la performance sarà affiancata da un momento teorico\, in conversazione con il filosofo Carmelo Colangelo\, nel tentativo di addentrarsi negli universi di senso che il suono apre\, grazie alla sua forza archetipica\, insinuandosi nelle pratiche\, negli immaginari\, nelle culture. \nRashad Becker è considerato tra i musicisti elettronici più originali degli ultimi anni\, perché in grado di creare tessiture sonore estremamente complesse\, ma estremamente musicali\, che ricordano fanfare decostruite e sculture astratte. Parte del suo processo compositivo consiste\, infatti\, nel tradurre in musica i sistemi geometrici che presiedono ad esempio i modelli di organizzazione dei gruppi sociali o i modelli linguistici. E’ allo stesso tempo uno dei più stimati ingegneri del suono mondiali\, avendo lavorato a oltre 1200 dischi. Ospitato nei più prestigiosi festival internazionali\, è per la prima volta a Napoli. \nThomas Köner è un artista multimediale dalla personalità inconfondibile. La sua musica è un incrocio tra ambient e drone\, realizzata a partire da incredibili registrazioni fatte dall’artista in alcuni dei luoghi più remoti del pianeta\, come il circolo polare artico o la foresta amazzonica. L’intensità della sua musica proietta il pubblico in una dimensione abissale\, quasi statica\, spingendo l’ascolto nelle sue regioni più periferiche e primitive.\nLa poetica asciutta e severa di Becker e gli ambienti lacerati e immersivi di Koner sembrano dunque sospesi ai due vertici opposti dell’arte sonica\, ma trovano terreno comune nella potenza ed immersività della performance live e nell’eco risonante nell’esperienza degli ascoltatori. \nL’evento è realizzato grazie al supporto del Goethe Institut di Napoli\, con il patrocinio del Comune di Napoli e la gentile concessione della basilica da parte della Fondazione Ordine degli Ingegneri di Napoli. \nRashad Becker\, è uno dei più raffinati pensatori del suono viventi.\n“Il lavoro di Rashad Becker è probabilmente la cosa più vicina che abbiamo attualmente ad uno sconvolgente sguardo attraverso una rottura nel tessuto della realtà. Custodiscilo appropriatamente” – Brainwashed magazine\nLe sue composizioni sono narrazioni multistrato popolate da un insieme di entità sonore\, alcuni compiaciuti\, alcuni timidi\, alcuni agitatori\, altri pronti ad arrendersi. Spesso c’è un tocco tragico-comico\, come una versione cartoon di quello che potrebbe essere un requiem da un sogno (o anche una danza della fertilità da un’altra dimensione).\nI lavori più recenti includono il ciclo Traditional Music Of Notional Species pubblicato in due volumi su PAN e un’opera in più parti intitolata Based On A True Story che ricava i punteggi dagli eventi storici in una sorta di “messa in scena sonora”. In questo contesto\, è attualmente commissionato dall’ensemble newyorkese Alarm Will Sound e dall’ensemble di archi Berlin Kaleidoskop.\nRashad è principalmente attivo come artista solista\, ma si trova in una serie di collaborazioni permanenti al fianco di Eli Keszler\, Moritz von Oswald e come membro della formazione Moleglove. Altri e più sporadici collaboratori sono stati Okkyung Lee\, Andre Vida\, Ashley Paul e Valerio Tricoli. \nhttps://soundcloud.com/pan_hq/rashad-becker-dances-vii \nThomas Köner (Bochum\, 1965)\, è un musicista e artista tedesco.\nDurante gli studi\, si è dedicato alla ricerca intensiva del suono nello studio di registrazione. Il suo primo impulso consisteva nell’evitare il ritmo e la melodia e concentrarsi invece sul fenomeno del colore del suono. Per intensificare l’esperienza del suono ha deciso di lavorare con altri media\, in principio collaborando dal vivo con l’artista cinematografico Jürgen Reble (Alchemie 1992). In seguito\, ha iniziato a comporre colonne sonore e ad accompagnare vecchi film muti con la musica elettronica dal vivo per il Museo del Louvre\, a Parigi. L’interesse di Köner nel combinare esperienze visive e sonore per estendere l’efficacia delle sue opere sonore gli ha permesso di approdare all’ installazione e lo ha portato a collaborare con Max Eastley\, in cui la combinazione tra scultura sonora e performance è diventata centrale. “List Of Japanese Winds”\, di Max Eastley e Thomas Köner\, è un’installazione commissionata dalla Hayward Gallery di Londra. Il Centre Georges Pompidou gli ha commissionato il lavoro sonoro per un’installazione del cineasta Yann Beauvais.\nAltro campo di esplorazione del suono e design del suono radicale è per Köner rappresentato dalla club culture\, che Köner considera un piattaforma ideale per l’ascolto intensivo e fisico. Il suo progetto Porter Ricks\, assieme a Andy Mellwig\, è acclamato nel mondo della techno\, con commissioni per “Nine Inch Nails” e finanche un remix di Claude Debussy per la Universal Music. \nhttp://thomaskoner.com/ \nCarmelo Colangelo (1965) lavora presso il Dipartimento di Filosofia dell’Università degli Studi di Salerno. È stato borsista e assistente presso la Facoltà di Lettere dell’Università di Ginevra. Di Starobinski ha tradotto il volume Azione e reazione. Vita e avventure di una coppia (Einaudi 2001). È autore di numerosi saggi\, tra cui Limite e malinconia. Kant\, Heidegger\, Blanchot (Loffredo 1998)\, nonché di articoli su Kafka\, Merleau-Ponty\, Canetti\, Bataille\, Lévinas\, Maldiney. Il suo ultimo lavoro Il richiamo delle apparenze è dedicato a Jean Starobinski. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-ii-edizione/ LOCATION:Basilica di San Giovanni Maggiore Pignatelli\, Napoli\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/locandina_koner-becker_P.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180515T180000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180530T180000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20210304T141730Z LAST-MODIFIED:20210304T141730Z UID:5545-1526407200-1527703200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Portflux DESCRIPTION:15 maggio – 30 maggio 2018\nOPENING 15 MAGGIO ORE 18:00\nArchivi Mario Franco c/o Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nA cura di Loredana Troise \nPresso Casa Morra Archivi Mario Franco inaugura martedì 15 maggio 2018\, alle ore 18\, la mostra Portflux\, a cura di Loredana Troise. In occasione dell’opening della mostra\, che si inserisce nell’ambito della rassegna “Vietato Vietare 1968/2018” Proiezioni\, incontri\, mostre a cinquant’anni dal 1968\, sarà possibile vedere il documentario “Antologia Fluxus” (AA. VV. \, 120 min). \nDice Mario Franco\, curatore della rassegna e fondatore degli Archivi: \n“Perché una rassegna e una mostra sul collettivo Fluxus nell’ambito delle rievocazioni ricordando gli avvenimenti di cinquanta anni or sono? Perché la “fantasia al potere” del ’68 significava anche incontro e mescolamento di arti\, tecniche\, discipline\, linguaggi\, materiali. E liberazione delle arti dall’obbligo di produrre senso. Cessare di raccontare il mondo in maniera descrittiva\, lineare\, compiuta. Partire da una riflessione sul linguaggio\, sui modi del narrare\, Poiché il mondo stesso è cambiato velocemente e profondamente: le metropoli sono diventate straordinarie «palestre» di uno sguardo mobile\, plurimo. Un’idea di multimedialità comincia a farsi strada nella consapevolezza dell’insufficienza del singolo medium\, della singola arte\, della tecnica specifica e settoriale a rappresentare questa pluralità di stimoli\, questa fitta rete di interconnessioni. La Gesamtweldbild (immagine totale del mondo) riprende ed estende il concetto wagneriano di Gesamtkunstwerk. Fluxus assembla tecniche e materiali diversi: collage; testi poetici; architetture-sculture-environments per scardinare le abitudini culturali e gli automatismi percettivi. Per stanare dai linguaggi possibilità inesplorate\, tentare di assemblarli in modo nuovo\, creare combinazioni complicate e ricche quanto lo è il pensiero (o il mondo). Una antologia di filmati del movimento comprende le anticipazioni body-artistiche di Yves Klein per poi mostrare le origini della video-arte di Nam June Paik con Allen Ginsberg\, Charlotte Moorman\, Alan Schulman\, il Living Theatre. Poi un breve concerto di John Cage sull’Olocausto; il film sperimentale “T.O.U.C.H.I.N.G.” di Christopher Sharits; due performances di Joseph Beuys; George Maciunas (che del Fluxus fu il fondatore\, e ne coniò il nome nel 1961); l’azionismo viennese di Günther Brus; John Lennon & Yoko Ono; Vito Acconci. \nAlle proiezioni si accompagna una mostra di lavori grafici dei più importanti artisti fluxus a cura di Loredana Troise.” \nCosì ne parla la curatrice Loredana Troise: \n“Presso gli spazi degli Archivi di Mario Franco\, e in stretta connessione col progetto “Vietato Vietare 68/18”\, per la prima volta in mostra le 14 straordinarie opere grafiche che compongono la cartella Portflux (Ed. Factotum Art). Un avventuroso e inedito diario dello sguardo dai confini indefiniti che\, tra incarnazioni e transiti\, immaginazione e rifunzionalizzazione delle forme\, punta l’indice sull’inquieta soglia del presente. Nata negli anni ottanta dalla volontà di Sarenco\, Diego Strazzer e Giuseppe Morra\, la raccolta Portflux è l’esito di un’intensa e unica esperienza fatta di incroci\, viaggi e rapporti intercorsi\, negli anni ottanta\, fra ricercatori e artisti fluxeurs: “ciascuna opera del portfolio – spiega infatti Giuseppe Morra – è un capitolo risultante da una lunga storia di collaborazione\, amicizia ed eventi condivisi vis à vis\, in una prospettiva estranea alla logica del ‘fare arte’\, ma liberamente tesa a revisioni semiotiche emancipate e indipendenti”. Ordinando un complesso e variegato itinerario visivo ed emotivo\, ricco di sequenze e piani di lettura stratificati\, le opere\, spesso marcate da tracce tangibili (una chiave\, nel caso di Ben Vautier o tasti di pianoforte\, come per Philip Corner\, o i francobolli di Bob Watts) mostrano lo splendore di una autosufficienza sintattica percepibile come un’ininterrotta polifonia sfuggente\, mai fino in fondo documentabile. Al di là delle inclinazioni di ciascuno dei 14 artisti presenti in mostra\, le strutture aperte di Portfluxus sperimentano passaggi e flessioni che chiudono ogni breccia alla fabulazione o all’ illusionismo. Svelano\, invece\, il processo dell’accadere: dello svolgersi dell’evento come flusso e dell’immagine intesa non come “fatto” costituito e risolto\, ma come processo in divenire\, capace di infiltrarsi nelle temporalità stratificate entro cui ritrovare percorsi culturali odierni. \nSi è pensato dunque ad un “allestimento” simile ad una frontiera priva di medium e sovrastrutture distraenti\, attraversabile superando i tradizionali criteri vigenti\, con lo stesso spirito disinvolto che contraddistingueva il movimento. \nGli Archivi di Mario Franco\, in tal senso\, oltre che luogo di studio\, analisi per documentazione e ricerca\, si riconfermano come un peculiare varco\, in cui percepire le apparenze mutevoli e metamorfiche del tempo-spazio”. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/portflux/ LOCATION:Casa Morra\, Salita San Raffaele 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/Portfluxdefinitiva.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20180511 DTEND;VALUE=DATE:20180512 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20210304T142552Z LAST-MODIFIED:20210304T142606Z UID:5558-1525996800-1526083199@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Serena Russo. Presentazione del libro Cenere DESCRIPTION:11 maggio 2018\nINIZIO ORE 19:00\nCasa Morra- Sala Shimamoto\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nA Palazzo Cassano Ayerbo D’Aragona\, sede di Casa Morra -Archivio d’arte contemporanea\, è stato presentato venerdì 11 maggio 2018 alle ore 19:00 Cenere\, il primo libro della giovane scrittrice napoletana Serena Russo.\nIl piccolo volume intitolato Cenere\, edito nel 2017 dalla Casa Editrice Aletheia\, è una raccolta intima di racconti brevi all’interno dei quali la narrazione\, si intreccia non solo nella quotidianità vissuta dall’autrice\, ma anche in una concatenazione di pensieri\, ricordi\, sogni\, desideri e invenzioni. Per Serena Russo: “Questa non è una semplice raccolta di racconti. Piuttosto una scatola di frammenti di ogni tipo\, che sarà difficile richiudere una volta aperta”. In occasione della presentazione\, moderata da Loredana Troise che dialoga con Serena Russo\, la serata prosegue con un reading tratto da alcuni brani del libro letti da Simona Cocchia e Angelo Trifari e da un intermezzo musicale di Julia Primicile Carafa (clarinetto\, chitarra e voce) e Belardino Cerabona (violino). \nSerena Russo (Napoli\, 1984) laureata in lingue e letterature comparate presso l’Orientale di Napoli\, ha inoltre conseguito un dottorato in cinema e letteratura presso l’Università di Granada\, in Andalusia. Attualmente lavora a Valencia\, in Spagna\, come insegnante di inglese e di italiano per stranieri. Scrive recensioni di film e libri per vari siti web. Cenere è la sua prima raccolta di racconti. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/serena-russo-presentazione-del-libro-cenere/ LOCATION:Casa Morra\, Salita San Raffaele 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/CENERElocandina.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180428T180000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180429T180000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T110101Z LAST-MODIFIED:20210304T143006Z UID:2598-1524938400-1525024800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Teatro delle Albe a Napoli con Ermanna Montanari DESCRIPTION:28 aprile – 29 aprile 2018\nPROIEZIONE FILM 28 APRILE ORE 18:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nDoppio appuntamento con Ermanna Montanari e il Teatro delle Albe a Napoli per “Voci e altri Invisibili” a cura di Casa del Contemporaneo. \nDebutto al cinema di Martinelli e Montanari con il film d’arte “Vita agli arresti di Aung San SuuKyi” che ripercorre\, attraverso il racconto-evocazione di sei bambine\, i venti anni agli arresti della leader dell’opposizione nonviolenta al regime militare birmano\, Premio Nobel per la pace nel 1991\, e oggi alla guida di una nazione libera. Un’opera che si distacca dal clamore della cronaca\, fondendo immagini di repertorio e originali ricostruzioni illuminate dall’intensa interpretazione di Aung San SuuKyi di Ermanna Montanari alla quale si alternano i ritratti burattineschi di generali-dittatori\, spiriti della tradizione birmana\, giornalisti e inviati dell’Onu\, comici ribelli condannati dal regime. \nA seguire: incontro con Ermanna Montanari\, Antonella Di Nocera\, Angelo Curti\, Bruno Robertiin un confronto sul tema: Linguaggi e produzioni “tra teatro e cinema” \nVita agli arresti di Aung San SuuKyi [96 min\, Italia\, 2017]\nscritto e diretto da Marco Martinelli\ncon Ermanna Montanari\, Elio De Capitani e l’amichevole partecipazione di Sonia Bergamasco\, Roberto Magnani\, Fagio\, Alice Protto\, Massimiliano Rassu\, Vincenzo Nemolato e Christian Giroso nella parte dei “Moustache Brothers”\ndirettore della fotografia Pasquale Mari\nmontaggio Natalie Cristiani; supervisione al montaggio Jacopo Quadri\nprodotto da Teatro delle Albe – Ravenna Teatro coproduzione StartCinema\n*\nFilm riconosciuto di interesse culturale dal Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo – Direzione generale per il Cinema\ncon il sostegno della Regione Emilia Romagna – Film Commission\ncon il patrocinio di Amnesty International Italia e dell’Associazione per l’Amicizia Italia Birmania Giuseppe Malpeli \\ con il contributo di Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna – Unipol Gruppo Finanziario S.p.A. CMC – Cooperativa Muratori e Cementisti \n\n29 aprile 2018\nErmanna Montanari MINIATURE CAMPIANESI (letture\, ricordi\, immagini)\nMuseo Madre \nVia Settembrini 79\, Napoli \nIntroduce Stefano De Matteis \nRealizzato come un “libro dei segreti”\, sul modello di un antico messale\, “Miniature Campianesi” è stato scritto da Ermanna Montanari (pubblicato per Oblomov edizioni) per rievocare il mondo della sua infanzia e prima giovinezza. Questi piccoli racconti sono perle di vita condensata\, su cui si specchia una terra\, un luogo dell’anima\, che parla a tutti noi.\nLa pluripremiata attrice\, autrice\, scenografa e fondatrice del Teatro delle Albe racconta la Campiano della sua infanzia\, il suo paese natale nella campagna ravennate. L’incontro come il libro è impreziosito dalle immagini di Leila Marzocchi. \n  \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/teatro-delle-albe-a-napoli-con-ermanna-montanari/ LOCATION: Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/casadelcontemporaneo.jpg ORGANIZER;CN="Casa del Contemporaneo":MAILTO:info@casadelcontemporaneo.it END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180420T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180420T190000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T112748Z LAST-MODIFIED:20201116T112748Z UID:2603-1524250800-1524250800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La bottega del suono. Mario Bertoncini. Maestri e Allievi DESCRIPTION:20 aprile 2018 \nSTART ORE 19:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \n  \nA cura di Chiara Mallozzi e Daniela Tortora \nEsempi relativi a una maniera altra di utilizzare il suono del pianoforte.\nStraniamento del tradizionale modo d’attacco dello strumento.\nSuite ’99 Colori di Mario Bertoncini. \n\n«Le parole\, finanche l’ascolto puro e semplice di alcune sue interpretazioni\, di alcune sue musiche\, si sono rivelati del tutto insufficienti per entrare in contatto con il Maestro e il suo mondo: è necessario incontrare Bertoncini e vederlo all’opera\, bisogna farne esperienza dal vivo per riuscire a cogliere il fascino algoritmico degli infiniti sciami di suoni che avvolgono i suoi ‘strumenti’… le sue arpe eolie…il suo modo di catturare il vento all’interno dei suoi oggetti sonanti\, le sue ‘composizioni’ costruite come fossero manufatti destinati ad abitare la sua e la nostra vita\, il nostro paesaggio quotidiano.[Questo libro] incarna il desiderio di provare a raggiungerlo\, di accostarsi con discrezione nei sobborghi del suo segreto». \nÈ così che Daniela Tortora esordisce nel recente volume dedicato a Mario Bertoncini ed è così che intendiamo introdurre il nuovo appuntamento a Casa Morra.\nLa rete di ricerca internazionale puntOorg e La Digestion – musica ascoltata raramente\, festival che mette al centro i linguaggi più innovativi dell’arte sonora contemporanea\, a cura delle associazioni Phonurgia e EM-Arts e Fondazione Morra\, presenta il libro La bottega del suono. Mario Bertoncini. Maestri e Allievi (Editoriale Scientifica\, Napoli\, 2017)\, di e con il M° Mario Bertoncini\, un evento che rafforza il desiderio delle realtà coinvolte di coltivare la riflessione attorno alla musica proponendo uno spazio di confronto teorico al pari di quello performativo\, nella volontà di indagare a fondo le molte pratiche del suono.\nVenerdì 20 aprile\, alle ore 19:00 presso Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\, Mario Bertoncini presenta al pubblico l’ultimo volume realizzato in seno alla collana di studi puntOorg\, a cura di Chiara Mallozzi\, compositrice\, violoncellista docente presso il Liceo musicale Boccioni-Palizzi di Napoli\, e Daniela Tortora\, titolare della Cattedra di Storia ed estetica musicale presso il Conservatorio di Musica San Pietro a Majella di Napoli.\nA seguito della presentazione il M° Mario Bertoncini terrà una lezione concerto ed esecuzione live de la Suite ’99 Colori\, un’occasione per avviare un dibattito sulle potenzialità del suono come strumento comunicativo e intragenerazionale. \nInterverranno insieme alle curatrici della ricerca: \nMario Bertoncini\, pianista\, compositore\, costruttore\, saggista e poeta;\nGianmario Borio\, professore ordinario di Musicologia e Storia della Musica\, Università degli Studi di Pavia e direttore dell’Istituto per la Musica della Fondazione Giorgio Cini;\nLuigi Maria Sicca\, professore ordinario di Organizzazione aziendale e Direttore scientifico di putOorg International Network;\nGiancarlo Turaccio\, docente di Composizione presso il Conservatorio di Musica “G. Martucci” di Salerno e ricercatore puntOorg. \nMario Bertoncini (Roma\, 1932). Compositore\, pianista\, musicista\, costruttore\, poeta e scrittore. Negli anni infantili\, insofferente della disciplina scolastica\, legge molto e di tutto ed è particolarmente attratto dal disegno\, dalla scultura e dalle scienze naturali. Alla musica si dedicherà relativamente tardi\, dopo i 13 anni. Compiuti bruciando le tappe gli studi musicali presso il Conservatorio e l’Accademia di Santa Cecilia (pianoforte con Rodolfo Caporali\, composizione e perfezionamento in composizione con Goffredo Petrassi)\, si reca per un anno a Bilthoven\, Olanda\, dove frequenta un corso di musica elettronica sotto la guida di G. M. Koenig. Nello stesso tempo svolge un’intensa attività concertistica in Italia\, da solo e con l’orchestra\, e suona con direttori di grande valore.\n1963: primi esperimenti volti ad alterare il modo d’attacco del pianoforte e di alcuni strumenti della percussione (idiofoni).\n1964: con Quodlibet\, per tre strumenti ad arco e un percussionista\, si aggiudica il 1° premio al concorso del Gaudeamus (Fondation Européenne de la Culture). Dal 1965 al 1972 partecipa all’attività del Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza; dal ’70 al ‘73 è chiamato a dirigere l’omonima associazione. Parallelamente insegna al Conservatorio di Pesaro e collabora con la R.A.I. e con l’Enciclopedia dello Spettacolo (attività saggistica e di traduzione). Dello stesso periodo sono i primi esperimenti di teatro musicale (elaborazione della teoria d’un “teatro della realtà”) che culmineranno nella febbrile elaborazione di Spazio –Tempo (Venezia\, Biennale 1970).\n1973: per invito del D.A.A.D. Bertoncini lascia l’Italia e si stabilisce a Berlino\, dove l’attività di ricerca e di sperimentazione sonora iniziata a Roma può finalmente avere adeguato sviluppo. Al ’73 e all’anno successivo appartengono le prime costruzioni eoliche: Chain Reaction\, Vele\, Chanson pour instruments à vent. Nei seguenti due anni è in Canada\, all’Università McGill di Montreal\, dove realizza un progetto ispirato alla dinamica delle “botteghe d’arte” rinascimentali: il Musical Design Course. Dal lavoro svolto in quei due anni deriva l’attività del gruppo SONDE\, i cui componenti sono tuttora attivi in Canada e all’Estero mediante concerti\, produzioni teatrali e discografiche.\nNel 1982\, nel quadro del Festival de La Rochelle (costa atlantica francese)\, B. presenta Venti\, un’installazione eolica per 10 arpe eolie circolari e 10 aggregati di barre e spirali bronzee (“gong eolici”)\, serviti da 40 esecutori.\nNel 1986 progetta e brevetta il Choreophon\, un sistema di trasduzione a distanza\, cioè senza contatto\, d’un gesto coreografico in suono e nel 1993\, un dispositivo per gli strumenti ad arco\, brevettato in Germania col nome di Stabdämpfer.\nDal 1976 ad oggi\, oltre ad alcuni saggi e a numerosi altri scritti\, è autore di tredici dialoghi di ispirazione platonica\, tra i quali dieci d’argomento musicale\, e di oltre cinquecento sonetti in dialetto romanesco antico.\nNel 2004 torna definitivamente in Italia\, nella provincia senese. Quando ne ha l’occasione\, continua a presentare al proprio pubblico un tipo di programma che evochi dei richiami\, delle “rime” inusitate tra grandi musiche d’un passato più o meno lontano e le proprie costruzioni sonore. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-bottega-del-suono-mario-bertoncini-maestri-e-allievi/ LOCATION:Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\,  Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Locandina-Bottega-del-suono.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180417T120000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180519T190000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T103327Z LAST-MODIFIED:20201116T103327Z UID:2582-1523966400-1526756400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Cesare Pietroiusti - Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento DESCRIPTION:17 aprile – 19 maggio 2018\nOPENING 17 APRILE ORE 12:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/C\, Napoli \nSi inaugura il nuovo progetto laboratoriale ed espositivo ideato e coordinato dall’artista Cesare Pietroiusti.\nScuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Napoli\, consiste in un progetto che ripercorrerà in modo retrospettivo alcuni elementi della ricerca di Cesare Pietroiusti\, composto da due momenti distinti ma correlati: un laboratorio performativo e una mostra conclusiva.\nIl modulo laboratoriale\, rivolto ad un gruppo di studenti dell’Accademia di BB.AA. di Napoli\, porterà i partecipanti a ripercorrere operativamente\, nel modo più fedele possibile all’originale\, le tecniche che Cesare Pietroiusti ha usato (negli anni tra il 1982 e il 1986) per dare vita ai suoi primi (e pressoché unici) lavori pittorici\, dalla preparazione delle tele alla ricopiatura di immagini proiettate attraverso diapositive.\nIl gruppo potrà\, inoltre\, progettare una o più serie di grandi quantità di disegni con tecniche eterodosse (fuoco\, birra\, acqua salata ecc.)\, secondo metodi già usati dall’artista per le “produzioni e distribuzioni gratuite” dal 2005 in poi. Le opere saranno oggetto della mostra conclusiva. \nLaboratorio performativo e mostra si susseguiranno sulla scala monumentale\, e negli spazi ad essa adiacenti\, del Palazzo Cassano Ayerbo D’Aragona – Casa Morra. Il pubblico interessato potrà apprezzare le distinte fasi di lavoro e\, in particolare: \ndal 17 al 24 aprile 2018\, dal martedì al venerdì dalle ore 12:00 alle ore 19:00; \nLaboratorio performativo Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento con gli studenti dell’Accademia di BB.AA. di Napoli dal 25 aprile al 19 maggio 2018\, dal martedì al venerdì dalle ore 10:00 alle ore 17:00; \nMostra conclusiva della Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento.\nCasa Morra si trasforma\, per l’occasione\, in un teatro-fabbrica multifocale nella quale le diverse mansioni accadono contemporaneamente in punti distinti del luogo\, rimarcando la naturale vocazione performativa della scalinata. \nOltre all’elemento laboratoriale e performativo\, Cesare Pietroiusti affronta il tema della retrospettiva in maniera laterale\, riflettendo su come sia possibile mettere mano alla storia della propria carriera senza la necessità di dover riesumare\, in maniera convenzionale o feticistica\, le opere del passato. Affrontando in questo modo il tabù del rifacimento di un’opera\, l’artista propone una nuova interpretazione della contemporaneità vista\, nel riesame dialettico con il passato\, come la compresenza e la convergenza di tempi e significati diversi.\nLa mano dell’autore tende a scomparire in un’operazione in cui si contempla la non necessarietà\, per un artista\, di possedere un talento esprimibile con una abilità tecnica. D’altra parte questo progetto rispecchia la stessa assenza di talento di Pietroiusti che\, a suo tempo\, lo portò a utilizzare la ricopiatura pedissequa\, su tela e su carta\, della dia-proiezione. \nCon la partecipazione di: Eleonora Alabiso\, Cristiana Amato\, Gianmarco Biele\, Elsa Bigliardo\, Laura Bonito\, Antonella Calabrese\, Elena Chirico\, Enrica Rosi Crispo\, Maria Teresa De Cristofaro\, Luisa De Donato\, Giovanni Ferrara\, Sara Fiorentino\, Valeria Gentile\, Francesca Iovane\, Natalya Savino Kochetova\, Valentina Manzo\, Emanuela Palmieri\, Roberta Passaro\, Chiara Perna\, Alessandro Piromallo\, Chatrin Ponticelli\, Gianmarco Trotta\, Maria Ulino\, Aurora Vivenzio\, Huang Yuan\, Haoran Zhou.\nCesare Pietroiusti\nClasse 1955\, nato a Roma\, svolge la sua ricerca artistica dal 1977\, quando ha iniziato a lavorare nel centro studi Jartrakor di Sergio Lombardo\, partecipando attivamente alla definizione di un’arte ‘eventualista’. Nella seconda metà degli anni Ottanta dà vita\, insieme a Salvatore Falci\, Stefano Fontana\, Pino Modica e Domenico Nardone\, all’esperienza del gruppo di Piombino che sperimenta\, in anticipo di circa un decennio sull’arte ‘relazionale’\, il coinvolgimento\, attraverso stimoli estetici\, di un pubblico inconsapevole. Da allora ha fondato e coordinato centri di ricerca e programmi di residenza\, convegni e laboratori sperimentali. Ha esposto in spazi privati e pubblici\, deputati e non\, in Italia e all’estero. Nel 1997 ha pubblicato\, con le edizioni Morra\, Pensieri non funzionali\, raccolta di circa cento idee apparentemente assurde\, formulate come istruzioni per realizzazione di progetti artistici. Nel primo decennio del 21° secolo il suo lavoro si è concentrato sul tema dello scambio e sui paradossi che possono celarsi nel sistema sociale occidentale\, di cui viene sottolineata la peculiarità del rapporto economico denaro-merce. Dal 2004 ha distribuito gratuitamente decine di migliaia di disegni autografi\, venduto storie\, ingerito banconote al termine di un’asta pubblica per poi restituirle al legittimo proprietario dopo l’evacuazione\, organizzato serate gastronomiche dove alla fine del pranzo si viene pagati\, allestito mostre dove le opere si vendono in cambio di idee e non di soldi. Ha esposto le sue opere fra l’altro presso: Art in General\, New York (2001); Ikon Gallery\, Birmingham (2007); Biennale di Atene (2009); MAXXI\, Roma (2010); Moscow Museum of Modern Art (2011)\, Hayward Gallery\, Londra (2012)\, Fondazione Sandretto\, Torino (2014)\, Bozar\, Bruxelles (2014)\, Maga\, Museo di Gallarate (2016)\, Kunstverein Arnsberg (2016)\, ed è stato co-curatore della mostra-evento “Sensibile Comune. Le opere vive”\, GNAM\, Roma (2017). A partire dal 2004 al 2015 è stato docente di Laboratorio Arti Visive presso lo Iuav di Venezia e\, dal 2009 al 2016\, MFA Faculty presso Lesley University\, Boston. Due anni fa\, come membro del collettivo “Lu Cafausu”\, ha dato vita alla Fondazione Lac o Le Mon (San Cesario di Lecce).\n\n \n \n \n \n \n \n Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, Casa Morra\, 2018 \nCesare Pietroiusti \n© photo Jacopo Seri \nCourtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, Casa Morra\, 2018 Cesare Pietroiusti © photo Jacopo Seri Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, Casa Morra\, 2018 Cesare Pietroiusti © photo Jacopo Seri Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, Casa Morra\, 2018 Cesare Pietroiusti © photo Jacopo Seri Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, Casa Morra\, 2018 Cesare Pietroiusti © photo Jacopo Seri Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Scuola del disegno e della pittura in assenza di talento\, Casa Morra\, 2018 Cesare Pietroiusti © photo Jacopo Seri Courtesy Fondazione Morra\n \n \n\n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/cesare-pietroiusti-scuola-del-disegno-e-della-pittura-in-assenza-di-talento/ LOCATION:Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\,  Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Cesare-Pietroiusti_ph-Ivo_Corra_2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180411T183000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180411T200000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T114102Z LAST-MODIFIED:20210304T144238Z UID:2608-1523471400-1523476800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:“Auerhaus” / “La nostra casa” di Bov Bjerg DESCRIPTION:11 aprile 2018\nLETTURA E DIBATTITO ORE 18:30\nMuseo Hermann Nitsch \nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nHöppner\, Vera\, Pauline\, Cäcilia\, Harry… un gruppo di amici e una promessa: la loro vita non sarebbe stata un semplice avvicendarsi di nascita-scuola-lavoro-morte. Per questo motivo e per proteggere chi fra loro – Frieder – ha tentato il suicidio\, decidono di andare ad abitare tutti insieme in un’ex fattoria. Una casa in cui vivere senza adulti\, un luogo condiviso nella Germania degli anni Ottanta che battezzano Auerhaus.\nUna storia di gioventù\, di amicizia e amore\, una magica alchimia che Bov Bjerg crea tra questi sei ragazzi idealisti che impareremo a sentire molto vicini e che\, pagina dopo pagina\, ci conquisteranno al punto da voler vivere nell’Auerhaus\, lottare insieme a loro per la felicità\, come se fosse una questione di vita o di morte. \nDialogano con l’autore\, Franco Filice (traduttore dell’edizione italiana) e la germanista Daniela Allocca. \nBov Bjerg\, nato nel 1965\, è scrittore e cabarettista. Vive a Berlino\, dove ha fondato diversi palchi letterari. Autore del romanzo „Deadline” (2008) e del volume di racconti „Die Modernisierung meiner Mutter” (2016)\, la sua fama è legata soprattutto al romanzo „Auerhaus” (Aufbau Verlag – Blumenbar\, 2015\, tradotto in Italia da Keller editore)\, che in Germania è rimasto per ben due mesi nella top ten della narrativa e per quasi nove nella lista dei best seller. Un libro che ha conquistato tutti\, critici e lettori\, giovani e adulti\, rappresentato a teatro e letto nelle scuole\, e che presto approderà anche sul grande schermo. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/auerhaus-la-nostra-casa-di-bov-bjerg/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Cover-La-nostra-casa-copyright-Keller-editore.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180331T180000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180331T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T145448Z LAST-MODIFIED:20210304T134255Z UID:2626-1522519200-1522537200@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion - musica ascoltata raramente II Edizione DESCRIPTION:31 marzo 2018\nORE 18:00\nCimitero delle Fontanelle\nVia Fontanelle\, 80 – Napoli \nInstallazione/performance di Rie Nakajima & Pierre Berthet [JP/BE] \nORE 21:00\nChiesa di San Giuseppe delle Scalze\nSalita Pontecorvo\, 65 – Napoli \nMinor Tom (MichałLibera\, Hilary Jeffery\, Gianpaolo Peres) [PL/UK/IT] play Ted Hughes’ Snow\nDavid Toop [UK] \nContinua il viaggio attraverso i luoghi più suggestivi della città di Napoli per il quarto appuntamento de La Digestion – musica ascoltata raramente\, festival dedicato ai linguaggi innovativi dell’arte sonora contemporanea\, e realizzato dalla sinergia tra l’associazione Phonurgia\, la Fondazione Morra e la E-M Arts associazione culturale.\nLa giornata del 31 Marzo sarà caratterizzata da un doppio appuntamento musicale che animerà\, nel pomeriggio\, il magico Cimitero delle Fontanelle\, nel rione Sanità\, e in serata la bellissima Chiesa di San Giuseppe delle Scalze\, a Montesanto\, con l’imperdibile concerto di David Toop dei leggendari Flying Lizards\, pietra miliare della new wave europea più creativa ed eclettica\, e oggi raffinato sperimentatore e teorico del suono.\nFilo conduttore di questo viaggio immaginario e reale saranno gli “oggetti sonori”. Oggetti misteriosi ed organici quelli utilizzati da Rye Nakajimae Pierre Berthetche\, tra i cunicoli e le ossa del Cimitero delle Fontanelle\, daranno vita a Dead Plants/Living Objects\, installazione sonora e performance in cui\, tra vibrazioni ed evocazioni\, la materia inorganica\, grazie al suono\, prende vita. Oggetti del quotidiano\, invece\, animeranno il momento serale presso la Chiesa delle Scalze\, trasformandosi\, nelle sapienti mani di David Toop\, in fonti sonore elettroacustiche originali epolisemiche. Il maestro inglese\, già spalla di Brian Eno e collaboratore dei più grandi nomi dell’improvvisazione\, da Derek Bailey a Evan Parker\, da Hugh Davies a John Zorn\, ha sviluppato\, durante i suoi quarant’anni di carriera\, un linguaggio musicale poetico e profondo\, fatto di oggetti trovati\, piccoli strumenti\, field recordings e flauto traverso\, in grado di trasformare l’ascolto in evento di scoperta interiore. Infine\, oggetti di una memoria non troppo lontana ma piena di nostalgia\, quelli della Calabria contadina\, saranno evocati dalle parole del poeta inglese Ted Hughes\, messe in musica dal trio Minor Tom. La poesia Snow\, ispirata ai canti dei pescatori di pesce spada documentati dall’etnomusicologo Alan Lomax nel 1954\, diventa il materiale per la composizione di un radio-dramma “dal vivo”\, grazie al lavoro del musicista polacco Michał Libera accompagnato dal trombonista Hilary Jeffery e dal vocalist Gianpaolo Peres.\nTre declinazioni della poesia sonora\, tre momenti unici in bilico tra musicalità\, linguaggio e gesto\, capaci di insinuarsi lì dove l’ascolto si incontra con il pensiero\, aprendo a nuovi significati e intense esperienze.\nÈ volontà del festival inscrivere il momento performativo in una più completa attività di formazione e riflessione che lasci tracce durevoli sul territorio cittadino. A tal fine\, il 30 Marzo\, il maestro David Toop sarà protagonista di una conversazione in diretta radio su Radio Digestion e aperta al pubblico\, e nel pomeriggio terrà un workshop dedicato all’ascolto dal titolo “Listening is Intimacy”\, il tutto presso Casa Morra. Il workshop\, dal costo di 10 euro\, è aperto a musicisti di qualunque strumento e livello di preparazione. Per informazioni e prenotazioni: info.phonurgia@gmail.com\nL’evento è organizzato grazie al patrocinio morale del Comune di Napoli\, che ha concesso l’uso del Cimitero delle Fontanelle\, e grazie alla collaborazione con l’Associazione Le Scalze\, che da anni porta avanti le attività della Chiesa di San Giuseppe delle Scalze a Montesanto. \n  \nDavid Toop [UK]\nNato nel 1949 in Inghilterra\, David Toop ha sviluppato una pratica a cavallo tra composizione\, ascolto e critica a partire dal 1970. Tale pratica comprende e confonde i confini tra il fare musica e l’ascoltarla\, tra l’organizzazione e l’analisi e ha portato Toop a confrontarsi con musica improvvisata\, rock\, elettronica\, fieldrecordings e performance\, curando anche installazioni sonore e mostre. Insieme alla carriera di musicista porta avanti quella di giornalista e teorico della musica\, coronata da sette acclamati libri\, tra i quali: Rap Attack (1984)\, Ocean of Sound (1995)\, Sinister Resonance (2010) e Into the Maelstrom (2016)\, quest’ultimo premiato come libro musicale dell’anno dal Guardian e nominato al Penderyn Music Book Prize. E’ inoltre Professore di Audio Culture e improvvisazione presso il London Collage of Communication e scrive regolarmente per l’autorevole rivista The Wire.\nLa sua personalità eclettica l’ha portato\, nel 1979\, a entrare nei Flying Lizardsdi David Cunningham\, gruppo che diventerà una pietra miliare della new wave europea. A fianco a quell’esperienza Toop ha sempre portato avanti una ricerca legata all’improvvisazione\, all’elettro-acustica e alla poesia\, sia in solo che al fianco di musicisti quali Brian Eno\, Bob Cobbing\, Paul Burwell\, Steve Beresford\, Peter Cusack. Partendo dal flauto traverso\, Toop ha inventato un nuovo linguaggio fatto di oggetti sonori\, foundsounds e fenomeni acustici\, tessiture timbriche e narrative in grado di trasformare la natura effimera del suono in “evento” di scoperta interiore.\nMolto attivo nella scena sperimentale inglese\, ha suonato con praticamente tutti i più grandi improvvisatori del secondo novecento\, da Derek Bailey a Evan Parker\, da Hugh Davies a Lol Coxhill\, da John Stevens a John Zorn. Ha pubblicato numerosi dischi sia in solo che in collaborazione\, per etichette quali Obscure di Brian Eno\, Samadhisound di David Sylvian\, Room40 di Lawrence English. Nel 2016 la Sub Rosa ha pubblicato Lost Shadows\, registrazioni di rituali sciamanici Yanomani fatte da Toop nel 1978\, e il DVD I Never Promised You a Rose Garden: A Portrait of David ToopThrough His Records Collection. Nel 2017 ha pubblicato la sua autobiografia Flutter Echo: Living With Sound e il suo ultimo disco Dirty Sonds Play Dirty Songs.\nhttps://davidtoopblog.com/\n \n  \nMinor Tom\nHilary Jeffery\, trombone\nGianpaolo Peres\, voice\nMichał Libera\, concept\, reading\nMichał Libera è un compositore\, drammaturgo e curatore polacco che lavora principalmente sulla creazione di sound setting\, ovvero sceneggiature sonore per storie più o meno letterarie. I suoi lavori\, al confine tra performance e radio-dramma\, sono stati presentati in prestigiosi contesti internazionali\, tra cui la Biennale di Architettura di Venezia.\nHilary Jeffery e Gianpaolo Peres si sono uniti a lui per fondare il gruppo Minor Tom nel Gennaio 2016\, nella scie della scomparsa di David Bowie. La loro musica sonda le profondità del blues e le miscela con le meno note pratiche della dhrupad\, la musica tradizionale dell’Hindustan\, tentando di creare scenari allo stesso sintetici e futuristici. La loro performance Snow\, composta per La Digestion\, è anche il loro debutto dal vivo\, al quale seguiranno altre performance e pubblicazioni su Silent Records. Snow è la messa in musica dell’omonimo testo del poeta inglese Ted Hughes\, considerato tra i massimi esponenti della poesia inglese del novecento. Si basa su swordfisherman’s call\, la registrazione di un canto tradizionale calabrese documentata dall’etnomusicologo Alan Lomax nel 1954 a Scila.\n \n  \nPierre Berthet & Rye Nakajima [BE/JP]\nArtisti che si muovono al confine tra musica\, installazione e performance; la loro opera si innesterà organicamente nell’affascinante cornice del Cimitero delle Fontanelle\, in un gioco di risonanze\, vibrazioni ed evocazioni. Il loro progetto dal titolo evocativo “Plantesmorteset objects vivants” è un tentativo di rapportarsi all’anima delle cose ascoltandone il suono. Il loro lavoro è stato presentato in festival\, musei e luoghi d’arte di tutto il mondo.\nPierre Berthet è un percussionista e esploratore del suono belga; ha iniziato suonando con l’orechestra di Arnold Dreyblatt\, per poi spostarsi su una ricerca più personale\, legata ai timbri degli oggetti nello spazio e a nuovi modi di produrre suoni con materiali semplici\, ad esempio piante\, pietre\, tubi\, ecc.\nRie Nakajima è un’artista giapponese che si muove a cavallo tra installazione e performance. Il suono lavoro è di solito composto in diretta correlazione con architetture e spazi particolari\, usando una combinazione di dispositivi cinetici e oggetti trovati in loco.\nhttp://pierre.berthet.be URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-ii-edizione-2/ LOCATION:Chiesa San Giuseppe delle Scalze\, Salita Pontecorvo\, 65\, Napoli\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/LA-DIGESTION-31-MARZO-2018-POSTER.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180331T103000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180402T140000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T140819Z LAST-MODIFIED:20201116T140819Z UID:2617-1522492200-1522677600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Casa Morra - Weekend della Cultura DESCRIPTION:31 marzo – 2 aprile 2018\nOPENING 31 MARZO ORE 10:30-14:00\nCasa Morra- Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nQuesto fine settimana\, grazie all’iniziativa della Camera di commercio di Napoli insieme all’azienda SIIMPRESA\, arriva il “WEEKEND DELLA CULTURA” anche a Casa Morra. \nIngresso gratuito e visite guidate nei giorni 31 marzo\, 1 e 2 aprile 2018 con chiusura alle ore 14:00. \nPROGRAMMA \n \nSabato 31 Marzo\nPrima visita 10:30/ Seconda visita 12:00 \nDomenica 01 Aprile\nPrima visita 10:30/ Seconda visita 12:00 \nLunedì 02 Aprile\nPrima visita 10:30/ Seconda visita 12:00 \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/casa-morra-weekend-della-cultura/ LOCATION:Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\,  Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/casa-morra_week-end-cultura.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180325T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180325T190000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T142837Z LAST-MODIFIED:20201116T142837Z UID:2622-1522004400-1522004400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Marta e Diego Della Via - Drammatica Elementare (J e W della città di K) DESCRIPTION:25 marzo 2018  \nOPENING ORE 19:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea \nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nCasa Morra ospita il terzo degli otto eventi “fuori sede e fuori tempo” in luoghi non teatrali ma d’arte contemporanea. Per la prima volta a Napoli l’Abecedario dadaista dei Fratelli Dalla Via – nell’ambito della rassegna “Voci e altri Invisibili” a cura di Casa del Contemporaneo.\nL’appuntamento\, con Marta e Diego Dalla Via\, è con DRAMMATICA ELEMENTARE\, il loro spettacolo dadaista imbastito di giochi di parole e nonsense che arriva a Napoli in prima assoluta in collaborazione con STANZE di Alberica Archinto e Rossella Tansini.\nDopo il Museo Hermann Nitsch che ha ospitato COSE della compagnia Deflorian Tagliarini e il recente doppio appuntamento al MADRE con le due date de IL NULLAFACENTE di Michele Santeramo del teatro di Toscana\, la rassegna VOCI E ALTRI INVISIBILI prosegue a Casa Morra. \nDRAMMATICA ELEMENTARE parte dal teatro per dialogare fuori dagli spazi canonici e cercare il confronto attraverso un percorso comune che si compone di performance\, incontri\, proiezioni\, letture. In DRAMMATICA ELEMENTARE i Fratelli veneti Dalla Via ridisegnano la realtà dei nostri giorni. L’alfabeto non è più quello che veniva insegnato alla scuola elementare: le sue lettere\, attraverso le loro invenzioni\, descrivono il nostro mondo in modo ironico\, ma anche inquietante. Le lettere\, a loro volta\, costruiscono dialoghi e monologhi seguendo un gioco dissacrante e folle da cui esce uno spaccato perfetto della nostra società\, con pregi e difetti. Nello spettacolo il mondo ci viene raccontato dalla A\, più volte ripresa\, alla I di internet\, dalla C di Cristo crocifisso\, alla F di favola\, dalla S di sussidi sanitari\, alla P di poetica padana. \nPartito parrocchiale possiede prolungatamente primato parlamentare.\nPoi\, progressiva putrefazione politica provoca protesta pubblica piazza.\nProposta proletaria prelude plumbeo periodo: pistole\, pallottole\, pestaggi\, poliziotti\, polvere pirica pressata\, \npirotecnici plichi postati per provocare pressioni.\nPapocchio prosegue. Pm palmi puliti promettono punizioni per politici prezzolati. \nAgotha Krisztof \n“Sappiamo leggere\, scrivere\, far di conto. Siamo intelligenti ma non ci applichiamo. Siamo espulsi da ogni scuola di ordine e grado. Siamo stati traditi da chi ci doveva tutelare\, come Hansel e Gretel. Dopo questo rifiuto abbiamo trovato un altro posto dove studiare e l’abbiamo distrutto come fosse marzapane. È così che si è sviluppata in noi l’idea che la salvezza potesse essere in un originale modo di rinominare il mondo. C’erano una volta la A di ape\, la B di barca\, la C di casa… abbiamo cambiato queste regole e per noi la A è di Attacco all’America\, la G di Grande Guerra\, la M di Merenda Macrobiotica.\nSabotando il Devoto – Oli\, il Sabatini – Coletti\, il Castiglione – Mariotti\, arrampicandoci su una struttura di tautogrammi e acrostici abbiamo scritto una favola scolastica che racconta il nostro desiderio di giocare con la “materia prima” parola. Drammatica elementare: un dissacrante abbecedario contemporaneo in forma di racconto”. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/marta-e-diego-della-via-drammatica-elementare-j-e-w-della-citta-di-k/ LOCATION:Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\,  Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/Fratelli-Dalla-Via-Drammatica-Elementare-foto-Angelo-Maggio.jpg ORGANIZER;CN="Casa del Contemporaneo":MAILTO:info@casadelcontemporaneo.it END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180301T183000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180330T183000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20210304T145251Z LAST-MODIFIED:20210304T145251Z UID:5568-1519929000-1522434600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:The Yellow Truck DESCRIPTION:1 marzo – 30 marzo 2018\nOPENING 1 MARZO ORE 18:30\nArchivi Mario Franco c/o Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nA cura di Chiara Reale \nInaugura giovedì 1 marzo 2018\, alle ore 18\,30\, presso Casa Morra – Archivi Mario Franco la mostra fotografica di Robert Herman “The Yellow Truck”\, a cura di Chiara Reale\, a cui si lega la nuova rassegna cinematografica curata da Mario Franco dal titolo “Il Cinema allo Specchio” incentrata sul “cinema che parla di cinema”. \nRobert Herman è uno dei più importanti street photographer newyorkesi contemporanei. Le sue fotografie\, così come le sue pubblicazioni\, sono presenti in importanti musei americani ed europei. \nLa sua mostra\, assolutamente inedita\, “The Yellow Truck” raccoglie 20 fotografie in cui sono raccontate le fasi produttive di “Vigilante”\, B Movie ambientato e prodotto negli anni 80 a New York. Gli scatti in mostra sono dedicati alle numerose figure professionali che lavorano duramente affinché la grande macchina cinematografica continui a muoversi\, che non salgono mai alla ribalta ma che restano sempre e inevitabilmente un nome che scorre rapidamente nei titoli di coda. \nIl cortometraggio dal titolo “Story for Lisa” (USA\, 1979\, 16mm Color/Black and White\,14 min)\, scritto e diretto dell’artista\, aiuta il fruitore ad entrare nel mondo di Herman e di comprende meglio cosa lui intende per “fare cinema”. \nSpiega la curatrice della mostra Chiara Reale: \n“Le caratteristiche narrative della fotografia di Robert Herman si avvicinano molto a quelle del linguaggio cinematografico\, linguaggio che l’artista inizia ad apprendere fin dalla tenera età. Cresciuto fra le poltrone polverose e l’odore di celluloide del piccolo cinema d’essai di proprietà del padre\, a Brooklyn\, guardando i film di Antonioni\, Fellini e Rafelson\, Herman inizia un percorso formativo che\, arricchito e successivamente consolidato con la frequentazione della Film School alla New York University\, contribuirà in modo determinante alla formazione del suo codice estetico e rimarrà nella sua produzione fotografica fino ai giorni nostri. \nIn “The Yellow Truck” l’indissolubile legame fra il cinema e la fotografia dell’artista viene affrontato apertamente\, mettendo a nudo i punti di tensione\, i nervi scoperti di tale rapporto.          La mostra infatti si compone degli scatti fatti da Robert Herman\, street photographer che vive e opera a New York\, nel corso della produzione del film Vigilante\, B movie di cui tutte le figure professionali coinvolte non vedranno mai il relativo compenso economico. Scatti di backstage e foto di scena che raccontano un mondo amato di un amore quasi atavico che è stato\, citando lo stesso Herman “la mia vita e la mia salvezza\, con tutte le sue distorsioni”. \nL’intento di svelare i lati più oscuri dell’ “establishment” cinematografico è sviluppato nella rassegna dal titolo “Il Cinema allo Specchio”: 14 film che dal 1 marzo al 26 aprile verranno proiettati tutti i mercoledì e giovedì sera\, e che partirà proprio il 1 marzo\, successivamente all’inaugurazione della mostra\, con il film “Alice nelle Città” di Wim Wenders. L’ingresso agli Archivi\, così come la visione dei film\, è gratuito fino a esaurimento posti. \nSpiega il curatore della rassegna Mario Franco: \n“Il cosiddetto “metacinema”\, è quel cinema che mostra e parla di sé stesso e che descrive i meccanismi di funzionamento delle proprie strutture\, dei processi produttivi ed economici e racconta l’evolversi della sua storia. Un cinema che\, apparentemente\, decide di scoprire l’inganno\, di rivelare il trucco insito in ogni film. Come è noto\, sono molti i grandi cineasti che hanno ragionato sul proprio lavoro\, sulla bellezza ma anche sui compromessi e sulle crisi esistenziali del loro lavoro. (Godard con Il disprezzo\, Fellini con 8 e mezzo\, Truffaut con Effetto notte). \nFilm ambientati nel mondo del cinema sono anche quelli dedicati alla sua primitiva affermazione come industria (Nicikelodeon) o quelli ambientati nella Hollywood di fine anni Venti quando il cinema conquistò la parola\, con gli attori del muto che temevano per la propria carriera in uno dei momenti più significativi della storia della produzione cinematografica\, quando la gestualità delle espressioni divenne obsoleta davanti alle possibilità offerte dal sonoro. È interessante notare come Cantando sotto la pioggia\, del 1952\, sfrutti le potenzialità offerte dal sonoro e dal Technicolor\, mentre The Artist riesuma il bianco e nero per un film muto che punta tutto sulla colonna sonora\, in pieno 2011. Ma in omaggio alle fotografie di Herman\, che documentano un film di serie B dove le maestranze e gli attori restano senza paga mentre il film si interrompe per deficienze produttive\, ecco un film\, Lo stato delle cose\, nel quale Wenders racconta una storia analoga o l’Ed Wood di Burton\, che narra della strana carriera del “peggior regista della storia del cinema”\, un grottesco elogio della bruttezza che ci invita a riflettere sui generi cinematografici e sull’ambiguità sessuale\, per andare oltre ogni pregiudizio e per interrogarci su cosa è lecito definire “arte”. Ancora a Robert Herman\, cresciuto nella sala cinematografica gestita da suo padre è dedicato L’ultimo spettacolo di Peter Bogdanovich – che nei primi anni ’70\, era un giovane critico innamorato del cinema e dei suoi personaggi mitici – e alla città di New York alla quale Herman ha dedicato molto del suo lavoro fotografico. \nNella tradizione dei nostri Archivi\, che hanno l’abitudine di mostrare film difficilmente vedibili altrove\, mostreremo anche un’immagine inedita di New York nell’interpretazione di Steve Reich\, un omaggio alle sue strade e ai suoni della grande mela. Reich è uno dei padri del minimalismo\, premio Pulitzer 2009 e Leone d’oro 2014 alla Biennale Musica di Venezia. Reich dedica la sua musica a Manhattan per poi condurci alle prove del concerto ed infine alla sua rappresentazione in teatro. Anche qui un discorso metalinguistico\, incentrato sull’atto stesso del comporre: un punto di vista “emotivo” che si “mostra mostrare” e si “guarda guardare”. L’autoriflessività\, riassumibile nell’idea che la creazione può interrogarsi sulla natura stessa dell’atto creativo\, è tipico della modernità\, percepita come parte integrante della produzione di senso nella letteratura\, nel teatro\, nella pittura e nel cinema.” \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/the-yellow-truck/ LOCATION:Casa Morra\, Salita San Raffaele 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/03/invito-conferenza-stampa.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20180212 DTEND;VALUE=DATE:20180213 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20210225T140628Z LAST-MODIFIED:20210225T140628Z UID:5296-1518393600-1518479999@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Antonio De Luca. Navigare la rotta DESCRIPTION:12 febbraio 2018\nINIZIO ORE 17:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \n  \nNella prestigiosa cornice del Museo Hermann Nitsch di Napoli\, ospite della Fondazione Morra\, lunedì 12 febbraio alle ore 17:00 si svolgerà un evento-presentazione dell’antologia delle liriche del poeta-marinaio Antonio De Luca. \nI testi\, presenti anche nelle traduzioni in dodici idiomi ad opera di altrettanti poeti madrelingua\, saranno declamati dall’attrice Margherita Vicario\, accompagnata dalla performer Irene Gallardo e dalla musicista Julia Primicile Carafa. \nNavigare la rotta\, come sottolinea anche Luciano Canfora\, è «un tributo alla grecità». Il poeta ci porta con sé nei suoi vagabondaggi per terra e per acqua\, tra Itaca\, Atene e perfino Bisanzio. Nota\, infatti\, Paolo Mieli che «il mare di De Luca è quello da cui viene tutta la nostra civiltà». \nLa presentazione\, introdotta da Giuseppe Morra\, direttore del Museo\, verrà poi arricchita dagli interventi di Maria Margotta e Francesco D’Episcopo\, dell’Università Federico II di Napoli\, Michele Bernardini\, dell’Università L’orientale di Napoli e Andrea Simi\, scrittore e grecista. All’evento prenderanno parte anche l’autore\, Antonio De Luca\, e l’editore\, Sandro Teti. \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/antonio-de-luca-navigare-la-rotta/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/02/locandina-antonio-de-luca.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180211T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180211T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T150923Z LAST-MODIFIED:20201116T150923Z UID:2635-1518375600-1518390000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Voci e Altri Invisibili - Enzo Moscato DESCRIPTION:11 febbraio 2018\nSTART ORE 19:00\nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\,  Napoli \nL’appuntamento – in prima assoluta – è con Enzo Moscato protagonista e ideatore della performance che dona il titolo all’intera rassegna\, VOCI E ALTRI INVISIBILI.\nDopo il successo dello scorso anno al Museo Nitsch\, in occasione del debutto della rassegna VOCI E ALTRI INVISIBILI avvenuto con lo spettacolo COSE della compagnia Deflorian Tagliarini\, prosegue a Casa Morra la programmazione di Casa del Contemporaneo. \nIl Centro di Produzione Teatrale La Casa del Contemporaneo\, nato dal teatro per dialogare fuori dagli spazi canonici teatrali\, cerca il confronto d’insieme attraverso la performance\, gli incontri\, le proiezioni e le letture presentate in un’unica data e in prima assoluta a Napoli. Una carrellata di titoli e incontri\, che proseguono per tutto il mese di aprile\, fanno da punteggiatura alla stagione e confermano la ‘vocazione contemporanea’ del centro di produzione\, in un confronto sulla questione aperta tra linguaggi e forme d’arte\, stimolando connessioni e confronti tra gli spazi cittadini. \nDomenica 11 febbraio\, a Casa Morra\, Enzo Moscato – recentemente finalista agli Ubu 2017\, per il premio alla carriera – propone una nuova creazione in forma di performance dal titolo VOCI E ALTRI INVISIBILI il cui tema centrale si avvicina alle storie di fantasmi che\, nella poetica moscatiana\, sono sempre “un incontro dell’umano e del familiare con l’elemento mitico e favoloso che da sempre a Napoli abita i cuori e le case”. \nProtagonista della vicenda (o – come Enzo Moscato scrive nelle sue note – “della Storia\, o della Natura\, che\, come Leopardi avvertiva\, sono spesso\, a Napoli “la stessa\, crudelissima cosa”) è Nanà\, l’anima candida e reietta “giovane-vecchissima creatura al servizio ‘minuto’ delle donne di un bordello arroccato sui Quartieri Spagnoli\, nella Napoli\, desolata e avvilita\, dell’occupazione nazista\, sul finire dell’estate del 1943” \nDichiarazione di Giuseppe Morra ha così dichiarato a proposito della sua partecipazione alla rassegna: “ È con grande entusiasmo che la Fondazione Morra partecipa e accoglie la rassegna organizzata dalla Casa del Contemporaneo VOCI E ALTRI INVISIBILI\, in cui performance\, spettacoli\, proiezioni e incontri si svolgono in luoghi non teatrali ma d’arte contemporanea. Proporre un teatro fuori dai suoi spazi\, fisici e mentali\, convenzionali\, crea contaminazioni culturali di aree differenti\, fedeli all’idea che la città\, il mondo\, trovi apertura attraverso la cultura\, volano di cambiamenti economico-sociali. Prima con il Museo Nitsch\, poi con Casa Morra\, la Fondazione Morra dimostra come l’arte sia trasversale\, apra nuove strade per osservare\, conoscere e valutare gli aspetti del mondo\, mantenendo la realtà delle cose. Dal principio dell’arte come motore di rinnovamento nasce il concetto del Quartiere dell’Arte\, una rete di identità culturali e creative operanti all’interno di un quartiere\, nel nostro caso\, la zona dell’Avvocata nel centro di Napoli\, per rigenerare e riqualificare l’area urbana attraverso le pratiche dell’arte e della cultura\, ed è per auspicare tale trasformazione che con grande piacere prendiamo parte alla splendida iniziativa di Casa del Contemporaneo\, che unisce più mondi promuovendo la sperimentazione e la ricerca\, concetti che sono alla base della nascita della Fondazione Morra. ” \n  \nEnzo Moscato (attore\, autore e regista) da sempre nelle sue creazioni attraversa e racconta la città di Napoli: «Sospiri\, voci\, filastrocche sono i mezzi che uso nel mio teatro\, straduncole che creo da me o prendo dalla tradizione. Perché a Montecalvario sono nato e ho vissuto». Con questa ultima suggestione il Poeta ci racconta – per mezzo della voce di Nanà – una storia dell’estate 1943: l’incontro dell’umano e del familiare con l’elemento mitico e favoloso che da sempre a Napoli abita i cuori e le case: storia di fantasmi che mentre visitano\, arricchendole\, le vite degli umili e dei diseredati\, allo stesso tempo le stravolgono fino allo sconvolgimento catastrofico. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/voci-e-altri-invisibili-enzo-moscato/ LOCATION:Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\,  Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136\, Italia CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/11-02-2018-enzo-moscato_page-0001.jpg ORGANIZER;CN="Casa del Contemporaneo":MAILTO:info@casadelcontemporaneo.it END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180203T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180203T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201216T183003Z LAST-MODIFIED:20210303T134543Z UID:4487-1517691600-1517698800@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion - musica ascoltata raramente II Edizione DESCRIPTION:3 Febbraio 2018\nSTART CONCERTO ORE 21:00\nCasa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nOtomo Yoshihide [JP] e Elio Martusciello [IT] \nAlle ore 18:00 conversazione con il Prof. Carlo Serra (Università della Calabria) \nContinua la seconda edizione de “La Digestion – musica ascoltata raramente“\, un festival che esplora i linguaggi più innovativi della sound art contemporanea\, frutto della sinergia tra le associazioni Phonurgia e EM-Arts e la Fondazione Morra.\nL’evento del 3 febbraio costituirà il tentativo di stabilire un nuovo format\, in cui il momento musicale sarà accompagnato da uno teorico\, nella volontà di pensare al suono come strumento fondamentale di costruzione individuale e sociale.\nProtagonisti della giornata saranno l’interprete Otomo Yoshihide\, il maestro Elio Martusciello e il filosofo della musica Carlo Serra.\nLa conversazione pomeridiana con quest’ultimo sarà una riflessione sulla centralità dell’ascolto nei processi di soggettività contemporanea\, un argomento che si nutre delle pratiche dei due musicisti che si esibiranno la sera nella splendida cornice di Casa Morra.\nYoshihide esplora la dimensione della produzione e della trasformazione del suono dal vivo\, attraverso l’uso di giradischi hackerati e “suonati” in modo non convenzionale\, assumendosi il rischio di creare un suono la cui natura è imprevedibile\, Martusciello si concentra sul rapporto del suono con lo spazio\, il tempo e l’individuo. Come spiega lo stesso Martusciello: “Sviluppare l’ascolto significa mettere in discussione se stessi\, decostruire la propria prospettiva d’ascolto\, ampliare l’orizzonte spazio-temporale. L’orecchio si configura come il senso dell’ospitalità e dell’accoglienza\, strumento di apertura e di trascendenza”. Ecco la pratica dell’improvvisazione con le sue implicazioni sociali\, la sua capacità di produrre comunità collega e partecipa alla filosofia dell’ospitalità.\nPensare il suono come qualcosa di non dato\, ma creare e scoprire continuamente in comunità e che suggerisce l’unione\, significa in ultima analisi pensare a se stessi come essenzialmente “in relazione”. \nOtomo Yoshihide [Giappone]\, uno dei più importanti improvvisatori viventi\, collaboratore tra gli altri di Luc Ferrari\, JimO’Rourke\, ButchMorris\, Ryuichi Sakamoto\, fondatore dei progetti seminariali degli anni ’90 Ground Zero e ISO e dell’ONJO (Otomo New Jazz Orchestra). Utilizza i giradischi come strumenti principali per eclissare i materiali sonori in modo eclettico e ultra-dinamico\, oltre che per produrre suoni in modo non convenzionale. Sfruttando non solo i vinili\, ma anche oggetti metallici\, sistemi a molla\, cortocircuiti elettrici e feedback\, Otomo opera un detournement del dispositivo sonoro che gli permette di produrre dal vivo manipolazioni\, montaggi\, cut-up tipici della musica concreta da studio; un’operazione di hacking non solo verso gli strumenti ma verso il suono stesso\, liberato dalle gabbie della forma ed esploso in mille direzioni.\nAttivo anche come compositore di colonne sonore e sperimentatore a 360 gradi\, la sua voce è unica nel panorama musicale internazionale\, capace di rivoluzionare sia la musica concreta ed elettroacustica\, sia l’improvvisazione e il freejazz; tra gli iniziatori del leggendario movimento del rumore giapponese\, è anche in quel contesto un esempio unico di contaminazione tra visceralità\, ricerca\, estremismo ed eleganza.\nLuc Ferrari ha detto di lui: “Finalmente uomini come Otomo Yoshihide… quando l’ho sentito la prima volta\, faceva musica concreta\, ma in tempo reale. – quello che facevamo negli studi 50 anni fa“.\nhttp://otomoyoshihide.com/en/\n \n \nElio Martusciello (Napoli\, 1959) è musicista\, compositore e insegnante di musica elettronica ed elettroacustica. Considerato tra i maggiori esponenti italiani della musica sperimentale\, da anni indirizza la sua ricerca verso un’attenta analisi del suono e delle sue relazioni con lo spazio\, il tempo e l’individuo. Insegna musica elettronica al Conservatorio San Pietro a Majella di Napoli.\nHa presentato lavori al GRM (Parigi)\, al Synthèse (Bourges)\, all’Henie Onstad Arts Center (Oslo)\, al PAN aroma (São Paolo do Brasil) e ha collaborato con musicisti e compositori sperimentali come: Alvin Curran\, Thomas Lehn\, Jerome Noetinger e vari altri.\n \nCarlo Serra (Milano\, 1959) Ricercatore presso l’Università della Calabria\, dove insegna Estetica e Filosofia della Musica\, si è laureato in filosofia sul rapporto di Giovanni Piana con una tesi su La concezione dello spazio musicale nel pensiero di Jacques Chailley. Dal 2001 al 2008 è stato Coordinatore del Seminario Permanente di Filosofia della Musica. Sempre fino al 2008 è stato direttore della collana “Il Dodecaedro”\, con Giovanni Piana\, Paolo Spinicci ed Elio Franzini. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-ii-edizione-4/ LOCATION: Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/3-Febbraio-2018-otomo_hi.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20180126T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180126T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201116T162004Z LAST-MODIFIED:20210223T095906Z UID:2639-1516993200-1517007600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Piero Mottola - Voices on the Stairs DESCRIPTION:26 gennaio 2018\nSTART ORE 19:00\nScalea di Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nLa Fondazione Morra e il Polo museale della Campania presentano il suggestivo progetto di Piero Mottola “Voices on the Stairs e Cielo Acustico a 10 Emozioni”\nSulla scenografica scalea di Casa Morra 24 interpreti del coro dell’Università Statale del Molise\, diretto dal maestro Gennaro Continillo\, eseguiranno il concerto performance di Piero Mottola contre composizioni dell’artista. \nVOICES è una ricerca sperimentale itinerante che indaga le potenzialità evocative e musicali delle voci umane delle persone in diverse aree geografiche; una ricerca tuttora in corso realizzata con la collaborazione di studenti universitari cinesi\, iraniani\, spagnoli\, italiani\, polacchi\, sudamericani\, tedeschi\, cubani\, portoghesi\, che associa a dieci parametri emozionali\, suoni e rumori prodotti esclusivamente con la voce e con il proprio corpo. La collaborazione con l’Università del Molise nasce da una ricerca promossa dall’ARATRO\, Museo Laboratorio di arte contemporanea dell’Ateneo Molisano diretto da Lorenzo Canova che\, all’interno del corso Proforma 2017 (la scuola di Formazione per giovani artisti realizzata da ARATRO e EURelations GEIE nell’ambito del Bando S’ILLUMINA di SIAE e MIBACT) produrrà il CD dell’intero progetto Voices di Piero Mottola. \nCertosa di San Martino\nCIELO ACUSTICO A 10 EMOZIONI\nI percorsi emozionali della composizione multicanale presentata a San Martino si evolvono creando gruppi concatenati di emozioni\, il cui contenuto timbrico è stato ottenuto trasformando numerosi rumori naturali\, artificiali\, umani e animali\, selezionati dalla vasta gamma di stimoli maggiormente significativi tra dieci emozioni\, dalla paura alla gioia. La trasformazione è avvenuta rallentando e accelerando i rumori fino al limite della loro riconoscibilità di contenuto.\nIl progetto è stato ideato nel 2005 per la Sala Santa Rita del Comune di Roma\, con rielaborazioni nel 2011 per un grande passage acustico emozionale alla 54. Biennale Arte di Venezia (isola di San Servolo)\, e nel 2016 per la Biennale della Fine del Mondo a Valparaiso\, Chile. \nCasa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea\nVOICES ON THE STAIRS\nLa ricerca\, tuttora in corso\, è stata realizzata con la collaborazione di studenti universitari di varia nazionalità ed è stata svolta presso le sedi delle Università di Valencia\, Lisbona\, Molise\, Tenerife\, Roma\, Santiago del Cile\, Lipsia\, Varsavia\, L’Avana\, Pechino alla Grande Muraglia e Città Proibita. Alle persone è stato chiesto di associare a dieci parametri emozionali – paura\, angoscia\, agitazione\, collera\, tristezza\, stupore\, eccitazione\, piacere\, gioia\, calma – suoni e rumori prodotti esclusivamente con la voce e con il proprio corpo.\nI 1000 frammenti sonori ottenuti sono stati catalogati e utilizzati per la costruzione di composizioni non contemplative\, presentate nel 2016 in forma di ambienti sonori (con il sistema multicanale automatico di passeggiate emozionali Autocorrelatore acustico) alla IV Biennale Italia Cina presso Art District 798 di Pechino\, al Museo d’arte contemporanea MAC di Santiago del Cile\, all’Istituto Superiore EAC Escuela de Actores de Canarias di Tenerife nel 2015; al Master di Produzione Artistica Università Politecnica di Valencia nel 2016; all’ISA Facoltà delle Arti dell’Avana (2018); al Beijing Institute of Graphic Communication (2017); al MACRO Museo d’arte contemporanea\, Roma (2017). \nPiero Mottola è artista e musicista sperimentale\, docente di Sound Design e Plastica Ornamentale all’Accademia di Belle Arti di Roma. Direttore del LER\, Laboratorio di Estetica del Rumore\, la sua formazione avviene nell’ambito della Teoria Eventualista presso il Centro Studi Jartrakor di Roma dove nel 1988 tiene la sua prima personale con gli esperimenti interattivi “Miglioramento-Peggioramento” e “Bello-Brutto”. Indaga la soggettività e la libera interpretazione del fruitore a strutture visive e sonore attraverso esperimenti e misurazioni. È stato invitato da diverse università internazionali a tenere conferenze e a svolgere master sulla relazione tra rumore ed emozione. I risultati di tali ricerche sono stati pubblicati nel libro Passeggiate emozionali\, dal rumore alla Musica Relazionale\, presentato in diverse università italiane e internazionali e nell’ambito di trasmissioni culturali della radiotelevisione italiana\, Rai Uno\, Rai Radio Tre e Radio Cultura Argentina. Queste ricerche sono state presentate anche in diverse istituzioni museali nazionali e internazionali: FIAC\, Grand Palais\, Parigi (1992); Palazzo Esposizioni\, Roma (1993); Artissima Lingotto Fiere\, Torino (1994); Galleria Pino Casagrande\, Roma (2003 e 2010); Fondazione Volume-RAM e Museo Radioartemobile\, Casa dell’Architettura\, Roma (2010); Fondazione Spazio13\, Varsavia (2010); Fondazione Signum\, Venezia (2010); Hochschule für Musik und Theater\, Lipsia (2011\, 2014); 54. Biennale Arte di Venezia (2011); XI Biennale Arte de L’Avana (2012); Galleria OltreDimore Art Basel\, Basilea (2012); II Biennale Cina-Italia\, Pechino (2013)\, Torino (2015); MAMBA\, Museo Arte Moderno\, Buenos Aires (2013); Galleria Nazionale d’Arte Moderna\, Roma (2013); IV Biennale della Fine del Mondo\, Valparaíso\, Chile (2015); Istituto Superiore EAC Escuela de Actores de Canarias\, Tenerife (2015); MACRO\, Museo d’arte contemporanea\, Roma (2015\, 2017); Museo Hermann Nitsch-Fondazione Morra\, Napoli (2009\, 2015); MAC Museo d’arte contemporanea\, Santiago del Cile (2016); IV Biennale Cina-Italia\, Art District 798\, Pechino (2016); Beijing Institute of Graphic Communication (2017); Istituto di Cultura Italiano\, Pechino (2017); Miami River Art Fair\, Miami (2017); Contemporary Cluster Gallery\, Roma (2018); CASA MORRA\, Fondazione Morra-Museo Hermann Nitsch\, Napoli (2018); Certosa di S. Martino\, Castel S. Elmo\, Napoli (2018).\n \n\n \n \n \n \n \n \n Voices on the Stairs\, Casa Morra\, Napoli 2018 Piero Mottola © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Voices on the Stairs\, Casa Morra\, Napoli 2018 Piero Mottola © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Voices on the Stairs\, Casa Morra\, Napoli 2018 Piero Mottola © photo Elisa Partenzi Courtesy Fondazione Morra\n \n \n \n \n \n Voices on the Stairs\, Casa Morra\, Napoli 2018 \nPiero Mottola\n© photo Elisa Partenzi\nCourtesy Fondazione Morra URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/piero-mottola-voices-on-the-stairs/ LOCATION: Salita S. Raffaele\, 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/IMG_2802.jpeg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171216T120000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180106T170000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20210225T134349Z LAST-MODIFIED:20210225T134349Z UID:5283-1513425600-1515258000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Libero de Cunzo. RE/GARDER Vibrazioni e corrispondenze DESCRIPTION:16 dicembre 2017 – 6 gennaio 2018\nOPENING 16 DICEMBRE ORE 12:00\nCastel dell’Ovo\nVia Eldorado 3\, Napoli \na cura di Raffaella Morra e Loredana Troise \nin collaborazione con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli \n  \nIn stretta connessione con le sale della terrazza del Castel dell’Ovo\, RE/GARDER Vibrazioni e corrispondenze di Libero de Cunzo è la presentazione di un punto di vista\, una proposta di riflessione sullo scrivere con la luce\, che l’artista racconta con la messa in scena di seducenti cicli fotografici di grande formato (circa 30 opere) a delineare capitoli visivi illuminati da riflessi e vibrazioni guidandoci in un complesso e affascinante tragitto\, dove siamo tutti chiamati a riflettere. E a vedere\, come pratica di riflessione e crescita\, con uno sguardo che può variamente rallentare\, accelerare\, sostare e ricominciare. La spiritualità della riflessione di Libero de Cunzo non perde mai i suoi lineamenti di tangibile trascendenza. Si dispone sull’altare dello sguardo\, afferma che il fare e l’energia dell’immagine si impongono come contrappunto rafforzativo del pensiero\, cosa imprescindibile per la sopravvivenza della consapevolezza. Attraversarne il senso è un modo per imbattersi nei paragrafi di un romanzo il cui autore è un artista che è riuscito sempre a proclamare\, con ferma autonomia\, il suo principio artistico e la sua personale poetica\, in sintonia con le energie che regolano le forze del cosmo. RE/GARDER – come affermano le curatrici – è il desiderio di sospendere il frammento del quotidiano e trasmutarlo in un’esperienza visuale complessa ed empatica\, una trama che ci invita a prendere atto delle possibilità insite nelle pause che la costituiscono\, dei suoi meccanismi e delle sue rifrangenze ponderate. \nIn un mondo in cui si dimora separati\, questa mostra è un riapprendere a lasciare fluire dentro di noi un tacito sentire\, fra le condivisioni e le corrispondenze di un tempo relativo che coincide con quello dell’esserci: spazio non astratto\, ma effimero\, legato alla possibilità di agire e di realizzarsi\, di vivere il momento del presente come atto ultimo e provvisorio di un infinito incessante. \nAccompagneranno il percorso espositivo i contributi audio-video e le realizzazioni musicali del Maestro Lucio Lo Gatto\, per una pulsante decodifica multimediale delle immagini in mostra. Per l’occasione sarà editato un feuilleton con testi dell’artista\, di Raffaella Morra\, Olga Scotto Di Vettimo e Loredana Troise. \nLibero de Cunzo è docente di Arte della Fotografia al Liceo Artistico Boccioni-Palizzi e all’Accademia di Belle Arti di Napoli di Fotografia per l’ambiente e il paesaggio. L’attività didattica\, da sempre caratterizzata dalla proposta di una maggiore consapevolezza del saper vedere e di una conoscenza del linguaggio fotografico\, risulta parte integrante del suo progetto di ricerca. Ha promosso numerose iniziative realizzando reportage su architettura\, ambiente e paesaggio. Ha collaborato con diversi enti ed istituzioni come il Ministero per i Beni Culturali\, il MAXXI\, la Facoltà di Architettura di Napoli\, l’Institut Français Grenoble\, l’Istituto Universitario Suor Orsola Benincasa. Ha esposto in diversi spazi\, in Italia e all’estero. Dalla rassegna Trismegisto curata e allestita da Lucio Amelio nel 1993 con i maggiori artisti contemporanei. Per de Cunzo si manifesta con chiarezza il ruolo fondamentale della fotografia nell’arte intesa come viaggio etico. Ha partecipato con contributi monografici alle rassegne: L’Italia nel paesaggio (1999); Le stanze dell’Arte (2002); Living Theatre\, labirinti dell’immaginario (2003); Città architettura edilizia pubblica\, Napoli e il Piano Ina-Casa (2006); il Paesaggio degli Dei e il lavoro degli Uomini (2012)\, La rosa dei 20 (2017).Tra i titoli pubblicati: Infiniti possibili: Ravello; Grotta del Sole; Lontano dall’Isola Azzurra; Zone-Napoli/Parigi; La trama vivente della storia; a passo di Vigna; Vocis Imago/Imago Vocis. Nella primavera 2015\, ha curato con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Napoli la mostra Nove Visioni: nuove proposte per la fotografia d’autore al PAN presentando le ultime “eccellenti visioni” dall’Istruzione Artistica Statale. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/libero-de-cunzo-re-garder-vibrazioni-e-corrispondenze/ LOCATION:Castel dell’Ovo\, Via Eldorado\, 3\, Napoli\, 80132 ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2021/02/2xLocandina-ULTIMO-libero.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171202T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20171202T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201117T104026Z LAST-MODIFIED:20201123T140830Z UID:2657-1512241200-1512255600@www.fondazionemorra.org SUMMARY:VOCI E ALTRI INVISIBILI: RZECZY COSE DESCRIPTION:2 dicembre 2017\nDOPPIO SPETTACOLO ORE 19:00 E 21:00\nMuseo Hermann Nitsch\nVico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli \nA partire dal 2 dicembre la Casa del Contemporaneo – centro di produzione napoletano riconosciuto dal MiBACT\, nato dall’incontro di tre anime artistiche in dialogo tra loro per storia e confronti comuni: Le Nuvole\, Salerno Contemporanea e la Compagnia Enzo Moscato.  – presenta la rassegna “Voci e altri Invisibili”\, performance\, spettacoli\, proiezioni e incontri in luoghi non teatrali ma d’arte contemporanea. \nLa rassegna si affianca alla programmazione 2017-18\, Young\, in corso al Teatro dei Piccoli\, dedicata al teatro per l’infanzia e ragazzi. \nPrimo appuntamento\, sabato 2 dicembre\, con Deflorian-Tagliarini\, a seguire: Enzo Moscato\, i Fratelli Dalla Via\, Il Nullafacente di Santeramo-Bacci\, un incontro con Virgilio Sieni e la proiezione della sua prima opera-video\, R.OSA di Silvia Gribaudi con Claudia Marsicano\, le Albe di Martinelli e Montanari con il loro primo film e le Letture Campianesi. \nOtto titoli per tre luoghi d’arte contemporanea della città si avvicenderanno da dicembre fino alla primavera inoltrata tra il Museo Nitsch\, Casa Morra e il Museo MADRE che ospiteranno nei loro spazi e ambienti un percorso alla ricerca del contemporaneo e del dialogo tra le forme e i linguaggi\, con date uniche in prima assoluta a Napoli. \nUna proposta che vuole confermare la ‘vocazione contemporanea’ del centro di produzione e alimentare il dialogo tra linguaggi e forme d’arte e stimolare connessioni e confronti tra gli spazi cittadini. \nIl titolo della rassegna Voci e altri Invisibili prende spunto dalla creazione di Enzo Moscato\, in forma di performance\, secondo appuntamento in programma e anche omaggio al drammaturgo\, attore e regista\, appena candidato agli Ubu per il premio alla carriera. Il calendario della rassegna propone una scansione di appuntamenti\, uno o due volte al mese\, fino alla fine di aprile: \nsi inizia con la compagnia Deflorian/Tagliarini che presenta per la primavolta a Napoli RZECZY/COSE\, ideazione e performance di Daria Deflorian e Antonio Tagliarini\, che arrivano a Napoli dopo una lunga residenza e una tournée in Francia e il successo del loro ultimo spettacolo Il cielo non è un fondale (sabato 2 dicembre – Museo Nitsch; doppio spettacolo: ore 19 \ 21 *spettacolo per numero limitato di persone). \nIl secondo appuntamento è con Enzo Moscato e il suo VOCI E ALTRI INVISIBILI \n(da cui il titolo della rassegna) una performance che si avvicina alle storie di fantasmi\, “un incontro dell’umano e del familiare con l’elemento mitico e favoloso che da sempre a Napoli abita i cuori e le case” (sabato 10 febbraio – “Casa Morra”) \nA fine febbraio arrivano dal Veneto i Fratelli Dalla Via\, Marta e Diego\, che tra il comico e il surreale portano a Napoli DRAMMATICA ELEMENTARE\, il loro “dissacrante abbecedario contemporaneo in forma di racconto” (domenica 25 marzo – Casa Morra) \nIn doppio appuntamento\, al Museo Madre arriva il teatro della Toscana\, da Pontedera a Napoli\, l’atteso testo di Michele Santeramo – IL NULLAFACENTE – regia di Roberto Bacci definito “un paradosso sulla ricerca della felicità” compiuto da quattro attori (tra cui lo stesso Santeramo) (sabato 24 e domenica 25 febbraio – Museo Madre). \nAl Museo Madre\, a fine marzo\, è in programma un incontro per conoscere meglio il lavoro di Virgilio Sieni\, coreografo e danzatore che\, del contemporaneo e della ricerca sugli spazi e sul gesto\, anche quotidiano e imperfetto\, applicato alla danza ha fatto il proprio stile. Sieni presenterà la sua prima volta come film-maker nell’opera-video\, IL GIARDINO DELLE ERBACCE. \nIn aprile arriva al MADRE Silvia Gribaudi con R.OSA 10 esercizi per nuovi virtuosismi uno spettacolo al confine tra danza e performance che raccoglie ovunque consensi e curiosità. In scena Claudia Marsicano\, giovane attrice di grande talento\, dalla fisicità dirompente\, napoletana di origine e milanese di adozione\, candidata al premio Ubu (giovane attrice-under 35) per il secondo anno consecutivo (domenica 8 aprile – Museo Madre). \nA fine aprile\, chiusura di stagione al MADRE: doppio appuntamento con il Teatro delle Albe di Marco Martinelli e Ermanna Montanari che presentano il loro primo film\, ispirato allo spettacolo teatrale VITA AGLI ARRESTI DI AUNG SAN SUU KYI\, di Marco Martinelli\, con Ermanna Montanari\, Elio De Capitani\, Sonia Bergamasco e gli attori del Teatro delle Albe. Ermanna Montanari\, in forma di lettura scenica presenta Letture Campianesi (letture\, ricordi\, Immagini dall’infanzia) sua prima opera letteraria in collaborazione con Oblomov edizioni.  (sabato 28 aprile; domenica 29 aprile – Museo MADRE) \nVoci e altri invisibili è una rassegna di otto appuntamenti “fuori sede e fuori tempo” rispetto al calendario canonico pensata in collaborazione con FONDAZIONE MORRA e FONDAZIONE DONNAREGINA per le arti contemporanee\, peraccogliere e declinare insieme contenuti trasversali e ospitarli insieme in città: una particolare sinergia tra i luoghi e gli artisti che hanno accettato il nostro invito\, contribuendo a creare un’interessante rete di confronti e collaborazioni che si è intessuta per poter restituire alle compagnie invitate e al pubblico napoletano una proposta di novità assolute provenienti dalla scena nazionale\, in una visione che si allarga alla danza\, al cinema e\, in generale alle intersezioni tra le forme d’arte. \nImportante è stata e sarà la costruzione di una relazione con STANZE\, la rassegna di teatro in luoghi alternativi e ‘non teatrali’ – a cura di Alberica Archinto e Rossella Tansini – che in sette anni è diventato un appuntamento immancabile per Milano e che propone spettacoli inediti facendo conoscere luoghi inaspettati. Nata su ispirazione della frase di Brecht (dal Discorso agli attori-operai danesi sull’arte della osservazione) “Siete venuti qui per fare del teatro\, ma ora dovete dirci: a che cosa serve? ”STANZE è fedele al principio di ridurre le distanze tra gli spettatori e le esperienze della scena contemporanea. Una formula che cresce negli anni\, si è allargata oltre il confine milanese\, riuscendo nella scommessa di esplorare “altri” spazi e tentare nuovi incontri. URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/voci-e-altri-invisibili-rzeczy-cose/ LOCATION:Museo Hermann Nitsch\, Vico Lungo Pontecorvo 29/d\, Napoli\, 80135\, Italia CATEGORIES:Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/2-12-2017-voci-e-altri-invisibili-G.jpg ORGANIZER;CN="Casa del Contemporaneo":MAILTO:info@casadelcontemporaneo.it END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171129T190000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20180222T190000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201117T114521Z LAST-MODIFIED:20210224T114830Z UID:2678-1511982000-1519326000@www.fondazionemorra.org SUMMARY:Archivi Mario Franco - Anamorfosi Contaminazioni Tradimenti DESCRIPTION:29 novembre 2017 – 22 febbraio 2018\nINIZIO PROIEZIONI ORE 19:00\nArchivi Mario Franco c/o Casa Morra Archivio d’Arte Contemporanea\nSalita San Raffaele 20/c\, Napoli \nIl cinema\, da sempre\, ha formato il suo linguaggio attraverso un processo di interrelazioni con la letteratura e con forme spettacolari preesistenti\, teatrali\, musicali\, pittoriche\, decli­nandole in modo originale ed innovativo. Le “contaminazioni” tra diversi mondi espressivi non devono farci dimenticare che il film va considerato come opera a sé\, superando il concet­to di “fedeltà” o di “tradimento” dell’opera originaria. Si può invece parlare di anamorfosi\, nel senso di una deformazione di prospettiva che modifica e consente una visione deforma­ta\, ma foriera di innovative e spesso illuminanti percezioni. (Come rileggere – ad esempio – il racconto di Cortázar nella visione antonioniana di Blow Up). Anamorfosi\, quindi\, come coniugazioni prospettiche: una ricerca semantica\, come av­viene per i racconti di Poe messi in cinema da Epstein\, il pre­sunto duello Mozart-Salieri raccontato dal film di Forman\, il barocchismo vertiginoso di Welles per il Kafka del “Processo”\, ecc… \nScarica il Programma URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/archivi-mario-franco-anamorfosi-contaminazioni-tradimenti/ LOCATION:Casa Morra\, Salita San Raffaele 20C\, Napoli\, 80136 CATEGORIES:Casa Morra ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/07/foto1.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20171124T210000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20171124T230000 DTSTAMP:20260430T142606 CREATED:20201117T105336Z LAST-MODIFIED:20201117T105336Z UID:2661-1511557200-1511564400@www.fondazionemorra.org SUMMARY:La Digestion - musica ascoltata raramente II Edizione DESCRIPTION:24 novembre 2017\nAPERTURA PORTE ORE 20:00 INIZIO ORE 21:00\nChiesa di San Giuseppe alle Scalze\nSalita Pontecorvo 65\, Napoli \nFrancisco Meirino [CH] + Kanaka [IT] \nLa Digestion-musica ascoltata raramente\, è lieta di annunciare l’apertura della seconda stagione\, dopo il successo che ha caratterizzato un primo anno di attività all’insegna della novità e della sperimentazione. Il festival\, risultato della sinergia tra le associazioni Phonurgia e EM-Arts e la Fondazione Morra\, mette al centro i linguaggi più innovativi dell’arte sonora contemporanea\, concentrandosi\, quest’anno\, sulla relazione tra il suono e lo spazio. Durante i sei eventi del festival tra Novembre ‘17 e Giugno ‘18\, alcuni dei luoghi più antichi\, nascosti e non convenzionali della città di Napoli verranno riscoperti e reinterpretati attraverso le opere sonore di artisti internazionali\, diventando così scena performativa per stabilire un contatto con la cultura musicale autoctona e internazionale\, tra ascoltatori e ambienti architettonici. Dalla psicoacustica di Florian Hecker alla scultura del suono di Thomas Koner\, dal detournement dei giradischi di Otomo Yoshihide all’elettroacustica per oggetti di David Toop\, fino all’installazione/performance di Pierre Berthet e Rye Nakajima nel magico Cimitero delle Fontanelle\, questa seconda edizione del festival intraprende un percorso nella sperimentazione contemporanea\, esplorando il potere del suono che si fa materia concreta\, fisica e sensibile. Significativo ai fini dell’incisività del festival La Digestion\, per la volontà di stabilire solide relazioni per la vita culturale napoletana\, è il patrocinio concesso dal Comune di Napoli e la partnership con Istituti di cultura straniera quali il Goethe Institut e la Pro Helvetia\, Fondazione svizzera per la cultura. \nDopo l’incredibile anteprima dell’illustre William Basinski nella Chiesa di San Potito\, l’avvio ufficiale di questa seconda entusiasmante edizione è Venerdì 24 Novembre\, con le potenti tessiture elettroniche del musicista svizzero Francisco Meirino e il futuristico audio-video dei nostrani Kanaka\, ambientati nella suggestiva Chiesa di San Giuseppe alle Scalze\, nel quartiere Montesanto\, grazie alla collaborazione dall’associazione Le Scalze. \nUn lavoro di video-mapping e paesaggio sonoro immersivo del gruppo Kanaka fa rivivere le meravigliose architetture della Chiesa\, e a seguire lo svizzero Francisco Meirino propone un live set in quadrifonia potente e dinamico\, in grado di conciliare impatto sonoro e incredibile ricchezza di dettaglio. \nLa poetica del compositore svizzero è\, del resto\, assolutamente originale: interessato in particolare ai malfunzionamenti delle apparecchiature elettroniche\, Meirino opera uno speciale lavoro di registrazione e composizione dei suoni generate da queste macchine desuete\, evidenziandolo sgretolamento di un mondo solo apparentemente dominato dall’efficienza tecnologica. Grazie alla sua originalità e alla sua incredibile abilità di manipolazione e composizione dei materiali sonori più disparati\, Francisco Meirino è diventato negli ultimi anni uno degli artisti sonori più importanti del panorama sperimentale\, apprezzatonei festival di tutto il mondo. \nLa seconda edizione de La Digestion ha\, tra i suoi tanti propositi la dedizione di offrire al pubblico la possibilità di avvicinarsi a un tipo di musica ascoltata raramente\, e non solo attraverso le serate performative\, ma anche riunioni dedicate all’ascolto assorto e conferenze tenute da teorici specialisti di questo linguaggio. Anche agli artisti è offerta la possibilità di insinuarsi capillarmente tra la pietra storica di Napoli\, mediante delle mini-residenze\, per poter familiarizzare con il tessuto partenopeo e ideare un’ambientazione specifica per la performance musicale. Workshop\, laboratori e inedite interviste radiofoniche saranno inoltre elementi di un anno di lavoro che intende tracciare nuovi percorsi nella vita culturale della città. \nUn format innovativo e multidisciplinare per offrire esperienze sonore uniche\, affondando nella ricerca di una “musica concreta” che\, ben nota nel contesto internazionale\, ha difficoltà ad affermarsi nella città. L’invito è sintonizzarsi su una musica da sentire con il corpo e con la mente\, una musica da lasciar entrare con stupore\, una musica da digerire. \n  URL:https://www.fondazionemorra.org/it/evento/la-digestion-musica-ascoltata-raramente-ii-edizione-3/ LOCATION:Chiesa San Giuseppe delle Scalze\, Salita Pontecorvo\, 65\, Napoli\, Italia CATEGORIES:Casa Morra,Museo Nitsch ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.fondazionemorra.org/wp-content/uploads/2020/11/24-11-2017-la-digestion_LOCANDINA-MEIRINO-1.jpg END:VEVENT END:VCALENDAR